中国当代陶瓷的发展路径，和西方的最大不同，在于中国当代陶艺的全面发展受到传统陶艺和西方当代陶艺的双重影响，这既有积极的影响，也有限制与束缚。因此，我们绝不应当断然否定优秀的传统，以及在这个传统基础上的延续和创新；我们也应当以宽阔的胸怀，迎接对西方当代陶瓷观念的对接。二者的一个共同的价值，都是在创新，无论是基于传统还是基于当代。如果我们看不到这一点，便无法从整体上把握中国当代陶瓷的人文价值。
传统的中国绘画艺术，对中国陶瓷的影响巨大。中国绘画与西方绘画的重大区别，在于中国画对于线条的强调以及二维空间的应用。这在对具象的表现力上似乎受到一些约束，反而使得中国绘画更加专注于画面的形式感和意境。中国的书法艺术，世界上独一无二。从象形文字绵绵数千年发展至今，仍然有巨大的生命力和表现力。但是，将中国传统绘画和书法，以及诗歌和印学完整地表现在陶瓷上，是从中国当代陶瓷开始的。在陶瓷创作上，真正做到诗，书，画，印俱佳者，即使是在当代，也不常见。这里，我们要特别将陶瓷上的绘画创作和所谓的将中国画“移植”到陶瓷区分开来。区分的唯一标准，就是创新。
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紫砂的人文特征和人文传统
公元十二世纪初，正值我国宋代的北宋(960-1279)时期，陶瓷生产十分发达，五大名窑已趋成型。地处吴地文化中心的宜兴，以产高温釉陶驰名南北。在太湖西岸伴随着经济文化的高度发达，使陶瓷生产产生了独特的人文特征，丰富的陶土矿源和优越的地域环境是产生这种特征的基础。从陶土矿源中发现的紫砂陶土并由紫砂陶土制作的紫砂陶器引领了这种特征的文化传统的形成。至公元十六世纪的初叶（明代正德年），随着饮茶方式的改变和对舶来文化的吸收，由紫砂陶土手工制成的紫砂壶更推动了宜兴紫砂陶器产品的生产，对宜兴陶瓷文化传统的形成起了积极的作用。
传统文化是一个国家和民族的思想宝库，地域陶瓷文化传统是我国乃至世界文明进程的组成部分，传统文化素来重现人的精神成长，在经济得到稳定的发展和生产力得到极大提高的过程中，社会以其鲜明的道德环境和浓郁的人文关怀，孕育了极大的精神价值，也丰富了地域文化的沉淀和积累。我国历史悠久，经济和文化的发展创造了历代灿烂的文明。中国的人文概念来自《易经》，所谓“刚柔交错天文也，文明以止人文也。观乎天文以察时变，观乎人文以化成天下。”人们在从事生产以求生存的同时，产生了积极向上的精神追求，这就是“人文”的产生。从某种意义上说，文化是一种温情，老子曾说，天地不仁，以万物为刍狗。就是说大自然没有什么想法，所有的造化，包括人和鸟类和花木都是一样的，而人是有感情的，所有的造化都是值得和需要关爱的。人的温情是可以很深厚和很宽广的。以古代儒家文化为核心的传统理念强调人们的身心相与，注重精神的成长；注重身心的和谐推展到人际、社会和世界；注重物我相与、人与自己的和谐；即以人为本的观念。
陶瓷的出现是文明产生的重要载体之一，文明历史的早期特征往往以农耕作业的进步与制陶产业的兴盛为主轴，宜兴紫砂陶器的产生和进步演绎了这种文明的鲜活内容。宜兴有从新石器时期中期以来的达7000年陶器生产史，从陶土甲泥矿源中发现紫砂陶土的特殊的性能和特征，是陶器文明的新的进步，紫砂陶土可塑性强，制成器皿后有极好的透气性，高温烧成后无异味，工艺上不需要着釉，坯体又可用其他工艺手段装饰，给人们在生活中实用和寄托人文遐想创造了条件。在不同的历史的时期，人们逐渐把它作为一种休闲和寄托感思的载体。成熟的文明特征促使了人文现象的产生。人们在制作中首次用竹刻和印章的手工技法注明作者的姓名和制作年代，同时有大批的文人参与，在紫砂壶坯体上镌刻寄托思想的诗文和绘画，再通过造型的变化和泥色的选用迎合了不同人群的欣赏口味，对社会的期盼和精神世界的直观追求，使紫砂产生了浓烈的人文特征。紫砂壶继承并发扬光大了悠久的文化传统，使这种强烈的人文特征延续至今。
紫砂陶器尤其是紫砂壶发展到今天，特别从二十世纪八十年代末以来，在传统文化的基础上，现代的价值取向给予紫砂陶艺的人文关怀并推进了当代人文特征的构筑。在传统的继承与创新中拓殖新的人文视野成为现代紫砂陶艺发展的主流。传统的人文精神与关怀，可用为我们发展当代紫砂艺术的资源。很多的陶艺家都希望自己的作品能有浓烈的“中国风格”和“中国气味”，并力图通过自己的作品努力反映中国的文化和民族的特征。这样做的本意既是对过去的铭记，更是对这种文化本有的人文性的确认。大量的眼花缭乱的造型和装饰手法是衍展和创新的重要手段。当代的发展态势表明，一切文化都相互影响，更何况我们现在已是一个“跨文化”的存在，要更好的发展，仅和自己的历史、文化对话，显然是不够的，这就是要求我们对紫砂陶艺重视和发展现代的人文特征。
现代的紫砂陶艺，除了保持特有的手工成型工艺外，其造型的设计、整体的装饰均有了质的变化和飞跃，大量的姐妹工艺美术手段被大量的借鉴和使用，传统的玉器、青铜器、竹器、漆器、木雕、瓷器、珐瑯器、石器等众多的造型和纹饰被紫砂壶尽情地为自己的生命之树增绿添叶，这也是民族文化之精华的相互吸取。
同时舶来文化的健康有益的养份亦被吸收和利用，当代具有超现实主义抽象之变化的造型也不断涌现，与传统文化相映成趣，均满足了不同人群的需求之审美情趣。著名紫砂艺人吴鸣的诸多作品是这方探索的可喜收获。还有在历史与现实之间作了大量的选择和利用，使它的身影和当代具有时代特征的设计制作理念，丰富了人们的想象，然不变的是对文化的追求、对具有人文特征的崇拜。如上所述，你会在脑海中浮现的顾景舟的《提璧壶》，高海庚的《集玉壶》、施小马的《红与黑》、吕尧臣的《玉玺壶》、李昌鸣的《竹简壶》、葛军的《将军壶》等相当数量的富有在传统、借鉴、古今之间刻意创新的佳作。这是紫砂工艺在和历史和文化对话的结晶。在装饰工艺上你还会发现除了陶刻绘画、书法外，各种特色的浮雕、泥绘、釉彩工艺层出不穷、极大地丰富了紫砂器的外观装饰工艺手段。装饰的内容均具文化特征，古代的诗文、民族的格言、浪漫的休闲语都在反映作者所表达的自然风光、江河湖海、品行修养、豪情壮志、托物抒情、事业去向，以及喜庆、生活、处世、哲理等等。毫不夸张的说，历代文人的著名诗言志的作品都能从紫砂器的装饰上寻觅到。这种典型的人文特征都在励志人们热爱生活，追求美好；都在激励人们奋发努力或修身养性；都在爱国、爱家、爱人的情怀里培育自己生存的价值观。
具有强烈当代人文特征的紫砂工艺品，给人们带来的是美的感受、是理性的接纳、是畅愉的享受，自然地接受健康的人文关怀，而同时又向一切文明体的人文传统敞开。人的内心与生俱来的温情需要寄托，人需要在天地间顽强的显示温情而无所不在。这种让人们能接受的人文关怀，为我们提供了充分的自由空间。
当代紫砂工艺的发展，在祖国的陶瓷艺术的大家庭里，独树一帜地为我们新的人文精神的孕育与创造作出了努力，溶入现代化的特性，吸取传统经典的人文智慧，继承当代中国的人文精神，可以让紫砂的生命之树长绿，这既是对过去的铭记，更是对这种文化本有的人文性的确认。只有将具人文特征事物充实到社会中，我们所为之奋斗的现代化才是由现代人实现出来的。输出真诚与关怀，造成社会的祥和和人的全面发展，这是紫砂工艺在当今时代对现代文明的贡献。
紫砂文化：当代紫砂文化价值回归
新世纪十年，当代紫砂陶瓷艺术在各种危机的冲击、考验下，实现了跨越性的、堪可告慰的转型，更加以文化内涵作为艺术定位，逐渐在当代中国各门类艺术发展中，巩固进而凸现出自己的存在地位和存在价值，乃至成为艺术收藏和艺术市场新的追踪热点。此次展览展出的紫砂作品，就是地处宜兴的无锡工艺学院的教师和陶艺大师们上讲台、进陶坊，勤奋实践，勇于创新，既尊重传统，又蕴涵现代意识所创作的紫砂陶精品力作，其原创性强，风格各异，制作工艺精湛，体现了学院派陶艺家的创作实力和宜兴当代陶艺风貌。
对于真正的陶艺家来说，艺术是灵魂最好的载体，陶艺家将对生活的体验转化为一个个崭新而独特的艺术生命，陶艺家的思想与情感便得到了很好的寄托。对于当代陶瓷艺术的发展方向，西安财经学院文艺系教授沈奇先生提出了三个观点，正契合此次展出作品的整体风貌与艺术追求。
简约化：东方美学的基质在于简约、自由、合心性。具体而言，就是虚静为本，澄怀观照，空纳万境，静了群动；就是以少胜多，不以多为多；就是天人合一，法自然、师造化，自然为大美。但长期以来，受主流意识形态倡导的宣传、代言、主旋律等影响，以及西方文化潮流的影响，当代中国艺术界一直是在做加法，无边界也无中心地探索求变，唯新是问，唯视觉冲击力和展览机制是问，失去了素宁内敛的文化根性。现在不少紫砂陶艺家纷纷回过头来做减法，守住化繁为简的底线，重新在简约的本质特性上下工夫。
精致化：比之古典陶瓷艺术来说，当代陶瓷艺术从创作理念到制作工艺、技术手段，都要丰富精良得多，但为什么所成就的作品却没有古陶古瓷耐看？问题的关键在于缺少静气。今天的艺术家们大都过于急功近利，很少能像古人那样静下心来，别无挂碍地把一件事情尽善尽美地做到极致，习为广大而难成精微。越是粗制滥造鱼龙混杂假冒伪劣成风的时代，真正的陶艺家越需要沉得住气，抱元守雌，精益求精，品质为上，苛求完美，才能脱平庸、超时尚，经得起时间的考验和历史的认证，免蹈昙花一现或各领风骚三两年的覆辙，这点已成为大家的共识，并逐步在作品中体现出来。
文化化：观赏宜兴紫砂壶，外行看器形、看纹饰；内行品气息、品内涵。紫砂泥的资源固然有限，也有优劣之分，但却不是作品价值评判的关键因素。判断紫砂壶的价值，贵的不是原料，而是其文化含量。作为中国文化和中国艺术精神的器物化，紫砂壶若没有深厚隽永的文化气息和精神内涵灌注其中，那就只是一件好看而不耐品味的形而下之物件而已，比之古董低价，比之工艺掉价。经由泥与火的熔融，赋予紫砂壶以诗的灵魂，方是紫砂壶艺术存在的真谛。一方面，今人不能做古人，陶艺家必须进入现代语境，表现现代人的生命体验和文化思考；另一方面，面对西方强势话语影响的焦虑，如何表达我们自己的现代感，以及再造我们本源性的艺术精神与审美感受，已成为现代陶瓷艺术深入发展的关键。而这些问题的解决，需要从文化的角度切入思考和探求，仅仅依赖一点点观念的更新和技艺的琢磨，显然是不够的。说到底，生逢其时的当代陶瓷艺术家们，面对机遇与挑战，最终的命题还是那个绕不开的老话题：回到修养更为全面和更为超迈的文化修养，进而以文养心，以心养陶，道和器并重而抟土为玉！
明人文房玉蝴蝶
自古以来，文人雅士的书房都极其讲究，所陈设的文房用品无不精巧别致，天趣如如，充满了一番别有会心的诗意与灵性，主人居之，可以读书，可以写字，可以作画，可以焚焚香，可以品茗，可以鉴古，可以理琴，可以静坐，可以会客，“虽咽水餐云，亦足以忘饥永日”。
那么，如此这般的书房，可令主人清心乐至、怡养性灵、培养智慧的书房，到底是何许模样呢？
高濂，明代著名的戏曲作家，于其所著的《遵生八笺.高子书斋说》中，为今人作了十分详尽的描述。
“书斋宜明净，不可太敞。明净可爽心神，宏敞则伤目力。……斋中长桌一，古砚一，旧古铜水注一，旧窑笔格一，斑竹笔筒一，旧窑笔洗一，糊斗一，水中丞一，铜石镇纸一。左置榻床一，榻下滚脚凳一，床头小几一，上置古铜花尊，或哥窑定瓶一。……或置鼎炉一，用烧印着篆清香。冬置暖炉一。壁间挂古琴一，中置几一。如吴中云林几式佳。壁间悬画一。……几外炉一，花瓶一，匙箸一，香盒一，四者等差远甚，惟博雅者择之。……坐列吴兴凳六，禅椅一，佛尘、掻背、棕帚各一，竹铁如意一，右书架一”。
如何？诸君读后是否大呼过瘾？
高濂文中所言“旧窑”，是指属于古代陶瓷，比较名贵珍稀，却又没有标明朝代、窑场、作坊名号，如此这一类都可归入“旧窑”的称谓之中。而本文所要介绍的，即是一只充满了文人雅致的白玉蝶形笔掭，同高濂文中所提到的笔洗、笔格、笔筒一样，功能相近，都是伺候笔的文玩。笔觇，又称笔掭(舔)，是文人书写绘画时用来掭拭毛笔的用具，有瓷制、玉制、琉璃制、水晶制之别，由于今人早已弃置毛笔不用，因此许多人就对这种文房雅玩十分陌生了。据考证，这种掭笔工具，最早出现在宋代，国内博物馆现存最早的有南宋哥窑荷叶形笔掭一只。“笔觇”之名，应发端于明晚期，出自苏州书香门第文氏一脉、明亡之际以绝食呕血殉国而卒的文震亨。文震亨博学风雅，名士风流，著有艺术博物志一类的《长物志》一书，“笔觇”一名即见于此书。屠隆是与文氏同时的又一位风流才子，著有《考盘余事》，于书中名列了四十五种文房器具，其中“笔格、砚山、笔床、笔屏、笔筒、笔船、笔洗、笔觇……”等等，“笔觇”名列第八位，由此可见笔觇在文人心目中的地位了。明代瓷业高度发达，再加上文震亨个人的偏爱，所以他的《长物志》就很武断的说：“笔觇，定窑、龙泉小浅碟俱佳，水晶、琉璃诸式，俱不雅，有玉碾片叶为之者，尤俗”。
到了清代，笔觇这种文房器具从材质和造型都发生了较大的变化。一是所选的材质多为更具有实用价值的砚石，文人名士尤其追求石中名品。二是其造型已演变成砚式，或为长方形居多的几何形状，故有“砚砖”之称；或为天然籽料磨平而为之，又称“籽砚”。
友人这只白玉蝶形笔掭，严格来讲，根据其断代，应称之为笔觇。“觇”，窥看也。笔觇，就是毛笔在悄悄地一点一点地，试探着、观察着一个精致的美好的东西譬如，这只栩栩如生惟妙惟肖的“白玉蝴蝶”。
白玉蝶形笔掭，长68毫米，宽35毫米，最厚处8毫米，玉质为和田白玉，籽料，极其细腻莹润，正面和背面均有淡黄色的沁色，包浆自然，氤氲着一种宝光老气。雕工精细沉着，秀丽逼真，巧夺天工：蝴蝶两只炯炯有神的眼睛十分饱满，张开的双翅，形态优美，线条流畅，尤其是翅膀中间所蜿蜒的十几道如琴弦一般的圆弧纹，跳动着灵动与欢快，恰似夏天荷花那妩媚绽放的花瓣。而蝶身之上线条繁复，表现细致：颈部的两道人字纹，稍下的网状背纹，两旁两条长长的半圆纹，尾部数道横纹和小立纹，构成了极强的立体感。妙哉！如此这般的小巧尤物，称之为“笔觇”，该是多么的恰当与形象啊。
明代玉器，尤其是晚明玉器，由于时代追求享乐奢靡的风气所致，已经逐渐脱离了五代两宋玉器形神兼备的艺术特点，形成了追求精雕细琢讲究装饰美的艺术风格。特别是地处繁华江南的苏州，其玉雕尤以精工巧致首冠全国，“玉工辩璞高下定价，而后琢之，良玉虽集京师，工巧则推苏郡”(《天工开物》)。这只小小的白玉蝶形笔掭，就浓缩了晚明玉器所具备的时代气息与艺术特征，正可谓小中见大、管中窥豹也。
“人道庄周梦蝴蝶，我言蝴蝶梦庄周。庄周解飞蝶解语，说向蝴蝶应点头”(杨万里《题巩仲至修辞斋》)，蝴蝶，人称“大自然的舞姬”，多情之物也，当它从玉工之手悄然破茧成蝶，翩然降临书案之上，该为文人墨客书写作画之时平添了多少的情致雅趣啊！而若是换作了没出息的我，掭笔事小，把玩事大，早就集我万千宠爱于“玉蝴蝶”一身，成为我的文房专宠了理由堂而皇之，“君子无故玉不去身”啊！
收藏里的人生
豫君
好友甚爱瓷器收藏，每次去外地，总不忘逛逛当地的收藏市场，日久天长，家里的瓷器藏品多得可以办一个小型瓷器博物馆。
我与好友交往甚密，一来二去，在他的熏陶下，对瓷器的发展也有所了解，每次与好友探讨瓷器话题，我朗朗而言，朋友笑而不语，末了一句话定论：“你不当瓷器鉴赏专家，实在屈才。”然后他背手而立，对着面前大小不一、错落有致的瓷器或凝神或眯眼、或皱眉或大声叫好。我想，那刻他一定沉浸在某种无与伦比的幸福之中。
上周，老家一位远房亲戚揣着一个老式旧皮包按响门铃。亲戚进屋后，简单客套几句，打开皮包，从中拿出一样用布裹了又裹的东西。纳闷之际，裹在外面的布一一展开，一件瓷器出现眼前。亲戚说是上辈子老人留下的，想托我找专家鉴定一下，看能值多少钱。我的第一感觉，亲戚的这件古董是青花瓷。若是真的，价值不菲，遂带亲戚携青花瓷直奔好友家。
好友捧起瓷器里里外外观察一遍，思考片刻后又从橱柜里取出放大镜，在青花瓷上搜寻。好友判断是件仿元青花瓷，不过这件仿品仿制得实在美轮美奂，几乎可以以假乱真。好友说得兴致勃勃，我的亲戚却非常失望。好友说，虽是仿品，也有一定的收藏价值。
好友感叹道：“收藏一件真品固然重要，但在我的所有藏品中，真品也就那么可怜的几件，十有八九均为仿品或赝品。而我明明知道它们是仿品或赝品，但我收藏的目的不是它们的价值，而是藏品背后的文化底蕴。”好友的话让我既惊讶又释然。
收藏如此，人生何尝不是如此？对待生活，我们也应该有一颗平常心，名、利、贪、欲不过是烟花一场，在平凡的日子里能享受到自己心中追求的快乐，难道不也是一种幸福吗？
钧瓷作品的人物造型
说起钧瓷的人物造型，似乎大家并不看好。仅从见过的钧瓷人物造型来看，能入眼的确实不多。在市区一家出售钧瓷的店里面，见到过一件有着文革印迹的人物钧瓷。如果从收藏的角度看，非常有价值，因为它是特定年代的钧瓷，不仅有着鲜明的时代特点，而且还很罕见。但从审美的角度看，还是有很多欠缺的。
钧瓷难道真的不适合烧造人物吗?
换一种思路，也许便别有洞天了。
的确，换了一种思路，避开了钧瓷的弱点，似乎便找到了钧瓷烧造人物造型的出路。
在荣昌钧瓷坊的展厅里，见到了钧瓷十八罗汉。虽说是佛教题材，但每个罗汉造型生动，甚至连肌肉感都表现出来了。不过表现肌肉的不是钧瓷的釉色，而是素烧后的胎质。这并不是一种创新，而是一种拿来主义，因为在中国古陶瓷人物造像上，面部或手足部一般为素胎，不上釉。而利用素胎的单色和质地，刻画人物表情，就容易得多了。有许多时候，能够拿来为我所用，也是难能可贵的。对于现代钧瓷来说，在纷杂的人物造型中，便表现出一种独特来。这一组罗汉造型，体量较大，面部表情更容易刻画，相对来说，表现得更为写实。
不过，仍有不少失败的人物造型。过分的繁琐、肢体造型太过丰富、表现内容太多，都让钧瓷人物造型承载太多内容而变得面目全非。
倒是近一段时间，笔者发现了一位名叫李明的钧瓷制作人，他的钧瓷人物作品，真是可圈可点。李明并不是钧瓷业内人士。他1982年毕业于景德镇陶瓷学院美术系雕塑班，曾在河南电视台工作过相当长一段时间，绕了一大圈重又回归于自己雕塑的老本行。不过，他选择了钧瓷斑斓的釉色。但是，对于李明的作品来说，你很难说是钧瓷的釉色表现了人物，还是人物的神情凸显了钧瓷釉色。
李明的作品，以泥塑为型，以钧瓷釉色来表现自己的人物。在其人物作品中，明显地显示出扎实的造型艺术功底。没有什么装饰，人物表情精准，逼真的胡须，往往是寥寥几笔却生动传神。李明的作品非常好地运用了钧釉的装饰功能，大面积的钧釉反而使整个作品显得非常干净利落，又仿佛中国画的泼墨笔法，虚实之间，让作品有了更多的内容。他的人物作品突出的是人物的表情和一双大手，仅此而已，却让你感知到了人物的整个体态。
看他的作品，人物的表情会深深地打动你，让你随着人物来静思默想。想过之后，你会觉得是人物在思，还是李明在想?
看过李明的作品，总是想，钧瓷的人物作品一定能做好的。钧釉厚重，表现人物表情不适合，但表现人物体态一定可以，关键还在于创作者。造型创作一定要懂得取舍，不能为表现而表现，而要让作品自己表现，让釉色与造型互为一体。
钧瓷人物造型绝不仅仅是想当然捏出来的，它是创作出来的。一件好的作品，一定会有创作者的思想在其中，要有审美的眼光，还要有扎实的艺术功力，这样才能创作出给力的钧瓷艺术品。
“现当代陶瓷”能否再造当代艺术神话 莫厚古薄今
即将于12月6日在广州东方宾馆举槌开拍的“中国嘉德2009广州冬季拍卖会”上，“中国现当代陶瓷艺术专场”成为焦点之一。
周国桢《沙漠风暴》
中国南方拍卖市场将首次“试水”现当代陶瓷艺术品
即将于12月6日在广州东方宾馆举槌开拍的“中国嘉德2009广州冬季拍卖会”上，“中国现当代陶瓷艺术专场”成为焦点之一。据了解，这是中国南方首场现当代陶瓷的拍卖专场。上拍的69件拍品，涵盖新中国建国60年来多个重要的陶瓷艺术发展阶段。
自中国嘉德于2008年在北京的春拍首设现当代陶瓷专场以来，现当代陶瓷开始屡屡出现在各大拍场上。综观2008、2009年两年的现当代陶瓷拍卖，能够发现除了不断创出拍价纪录之外，一个较受追捧、保持了稳定的市场价格的艺术家群落也隐隐浮现。那么当下现当代陶瓷的收藏条件是否已经成熟？它的“身份”和艺术价值是否已经到了应该重新评价的时候？
“文革瓷画像”估出600万元天价
在今年广州嘉德冬拍上，现当代陶瓷的压轴拍品是已故中国陶瓷肖像画一代宗师吴康在1967年创作的《国际共产主义运动五伟人》肖像瓷板画。包含了马克思、恩格斯、列宁、斯大林及毛泽东在内的五位领袖。这套被专家认为是新中国陶瓷艺术史上的标志性作品，估价达380万～600万元。
吴康是瓷画像创作领域具有标杆性质的人物，尤以领袖肖像见长，造诣深厚，堪称一代宗师。他13岁从师学艺，17岁成功绘制出中国第一张彩色瓷画像。在几十年的艺术实践中形成了特有的画风。他创造性地采用西洋油画与摄影艺术相结合的绝技手法，用明暗适宜的笔调来绘制肖像，使之色彩分明，惟妙惟肖。吴康在新中国成立前曾为蒋介石画过瓷像，成立后一直承担为国家绘制毛主席及国家领导人肖像瓷画的任务。目前吴康生前创作的单件瓷画像拍卖价最高已达百万元之巨。
在此次拍卖会上，与“五伟人”类似的还有景德镇艺术磁场创作于1958年的《集体农场》、1975年的《入党》。业内人士指出，“五伟人”等作品的高估价给出的一个暗示是：在现当代陶瓷的收藏中，具有强烈时代特征，承载了中国人独特的历史记忆的存世作品，由于其稀缺和不可复制性，将成为收藏界追逐的热点。这可以与“文革美术”近年的不断升温相类比。
曾安楚《山河美》釉下彩高温色釉瓶
熊晖釉下五彩作品《谷泉青霭图》
五伟人瓷板画
《集体农场》
专家提点：重点关注“艺术陶瓷”
文化学者、广东巨慧文化董事长闵栎晓博士指出，对于“现当代陶瓷”的收藏，应当重点关注“艺术陶瓷”。而选择艺术家的眼光尤为重要。一般来讲，现当代陶瓷的中坚创作群体，一是我国解放以来先后被授予技艺高超的老艺术家、国家级和省级大师、教授称号的陶瓷艺术家，比如此次上拍的吴康、王步、戴荣华、赵惠民、熊声贵等，这些著名艺术家在艺术界和收藏界有很高的名望，其艺术创造个性鲜明，视野开阔，手法老辣，艺术价值极高；还有一大批高级工艺师和年轻的工艺师，以及虽没有职称但系出陶瓷世家并对某一方面有特别擅长的陶瓷艺术家，作品也具有很大潜力。
此外，“学院派”也迅速崛起，这些人以学院、中央工艺美术学院、浙江美术学院、湖北美术学院的师生为主，其中不少有在国外留学的经历，他们在周国桢、陈淞贤、李政、谭畅等陶瓷艺术家和教授的影响下，对当今国外的现代陶瓷新理念、发展潮流十分了解，开展了许多新的理念、流派、特点的探索性创作。
“厚古薄今”非正确收藏心态
民国藏家就偏爱“当代陶瓷”
在中国的拍卖市场上，古陶瓷向来与国画、油画并称为三大主力品种。近年随着国内收藏市场的繁荣，中国古陶瓷不断创下数千万甚至过亿元的天价。但渐趋严重的古陶瓷仿制之风，以及不断“升级”的仿制手法和技术，令古陶瓷的真伪甄别越来越难，影响到了不少藏家的收藏心态。广州嘉德文化艺术中心主任陈玲玲表示，由于数量稀少，加上流转较慢，事实上真正的精品古陶瓷，目前出现在市场上的几率并不高，这从每有精品出现往往能创下拍价纪录的现象中便可窥得一斑。对于越来越庞大的收藏群体来讲，从目前的价位来看，现当代陶瓷仍处于“洼地”，有相当可观的可选择空间；从发展前景来讲，作为新兴的收藏门类，它的潜力相当巨大；而从艺术性上来讲，现当代陶瓷作品中呈现出来的丰富性和多元化，在一些方面其实已经超越了古瓷。
陈玲玲说，近代鉴藏大家赵汝珍当年就曾说过，清末民初时期的中国鉴藏界，很多人看重的是景德镇当时的一批优秀陶瓷艺人烧制的、带有很强创新色彩的作品，而康乾时代的所谓官窑瓷器，在当时并不为人所推重。
闵栎晓也表示，随着中国现当代油画及国画在近几年来被海内外藏家所热捧，尤其是中国当代单幅油画作品不断拍出几千万元级别的天价纪录之后，中国现当代艺术的概念已日益被藏家所关注，因此同样作为美术范畴的中国现当代陶瓷艺术势必紧随其后，增值空间极为值得期待。
疯狂上涨暂不现实
需摆脱工艺品观念
记者了解到，在近两年的拍场上，现当代陶瓷一直保持了相当优异的表现，在嘉德、瀚海等已经举行的数次专场中，成交率大多保持在75%以上。在今年的第二届景德镇国际艺术陶瓷拍卖会上，王锡良的粉彩《黄山四千仞》瓷板以300万元起拍，最后以680万元的全场最高额落槌成交。
有业内人士指出，虽然从目前的情况来看，期望现当代陶瓷出现中国当代艺术品前几年那种疯狂的扩张和涨幅并不现实，但从几次拍卖会可以看出现当代陶瓷的藏家已经初步形成了自己收藏的指导思想，确定了收藏的方向，完善了收藏体系的框架建设，收藏家的逐渐成熟也意味着陶瓷艺术品市场的逐渐成熟。
不过也有专家指出，现当代陶瓷艺术市场的提升仍需克服一些瓶颈。一方面是要摆脱长期以来在人们印象中形成的陶瓷属于“工艺品”的范畴，引导藏家用“艺术品”的眼光来看待和解读陶瓷，同时在创作中摆脱“重工”的痕迹，探索更多的表现语言；另一方面，需要克服陶瓷艺术受传统的书画影响和传统制瓷工艺影响过大的局面，在作品中容纳更多对社会、对艺术、对历史、对人类等“宏大主题”进行深度思考的内容，能体现艺术家的人文关怀，凸显“当代性”，才能进一步向高端收藏市场迈进。卜松竹
传统审美与当代陶瓷的创新
陶瓷长久以来都是中国文化的象征，传承有序，技艺深厚。但清华大学美术学院教师、当代艺术家白明却指出：恰恰是根深蒂固的传统，让产区艺人产生了审美惰性，阻碍了陶瓷艺术在当代进行创新。
白明首先指出，当代陶瓷为什么要创新？其实这并不应该是一个问题，艺术品最有价值的部分一定是独特性。比如，当今的艺术品复制技术已经相当高超，全国许多地方都出现了“绘画村”，大量生产临摹凡?高等西方油画大师的画作。但无论这些画作有多像，价格也顶多只有几百元，相对原作几个亿，是小巫见大巫了。不过，一转到陶瓷上，人们往往就糊涂了，常常认为越像就越精彩，最好是像康熙、乾隆或者珠山八友，而且，越像价格也就越高。
实际上，就像白明所说，从美学角度上讲，清代陶瓷远远不如前代，虽然其价格是天价。相反地，彩陶、汉罐、秦俑或者宋瓷，美学价值都比清代官窑要高，价格却低得多。这种市场上忽视陶瓷艺术价值的现象，让作为艺术家的白明直呼看不懂：“连古董都这样，何况当代陶瓷？”
市场的风向，直接影响到了艺术家的创造。白明介绍，像景德镇或是宜兴这样的手工业城市，历史上很早就有了国际影响。对于这些地方的陶瓷，社会上有很多的追随者。也就是说，传统样式的陶瓷已经有了很大市场。要让产区的艺人们抛弃原有市场，去进行创新，这对于手工艺人来说要求就太高了。
比市场因素更深一层的，则是产区艺人心理上的审美惰性。白明认为，不是这些艺人真的不想创新，他们往往还想发展，但问题是，他们因为长久以来养成的审美惰性，已经不知道哪些地方需要创新。“他们就像种菜的农民一样，时间长了，对种菜有感情，丰收时心情很美妙，看着田里的菜，就能想到明天会怎么样。对于改变，他们是不放心的。”由于产区一直沿袭师傅带徒弟的传承方式，使得艺人们逐渐依赖固有的审美，认为传承只是将样式和工艺传统沿袭下来。
然而，他们忽略了一点：哪怕技术再熟练，自己也无法直接上升到艺术家的层面，顶多是个熟练工匠。实际上，工艺与艺术的区别在汉语的表达中就已给出了答案。工艺，工在先艺在后；艺术，艺在先术在后。“工”是指劳动、技能，具有可重复性，是技术的层面。“艺”包含思想、创造，具有不可重复性，是修养的层面。“工”的比重越大，“艺”的含量就越小。工与艺本无高低之分，更无贵贱之别。只是“工”能普及，从业门槛低，从业人众；“艺”难普及，从业门槛高，从业人少而已。“其实，稍微站远一点，站高一点，就能想通这个问题，但许多人身在其中，就是想不明白。”白明叹息道。
将关注焦点集中在陶瓷的纹样和工艺特征上，不仅是产区艺人的习惯，也是如今陶瓷学术界的习惯。“很多学者只是将作品的特征进行归纳，却没有触碰背后的东西，也就是说，为何那个时代会流行这种东西？”白明指出，以往的陶瓷艺术品，都跟时代背景紧密相关。比如，在宋代，宋徽宗等最高统治者的文化水平很高，许多官吏也都是文化名人。在他们的眼光下，能流传下来的陶瓷艺术品水准就较高。宋代的五大名窑，大多是单色釉，除了造型以外，没有太多发挥装饰的空间，但依然显得高贵。另外，从考古学的角度上看，陶瓷断代也是以艺术风格为重要标准，而艺术风格恰恰是那个时代独有的，在那个时代是最新颖的。反观今天的陶瓷艺术品，时代的倾向性并不明显。这些问题，都需要学者进行研究，并指出其弊病。
由于既是教师又是艺术家，除了学术上的问题，白明也指出了如今陶瓷市场的问题。他着重指出，陶瓷市场的中介机制不够健全，大部分中介机构不具备职业画廊的规范，属于代理商，很难符合市场和法律规范。大多数情况下，艺人们必须自己独立面对市场，也就是自己创作又自己开店，还自我炒作。相反地，白明1996年便有了经纪人，因而他的作品很早就有画廊帮助推动，学术地位和市场地位很快树立了。从中他感受到，画廊可以推动审美概念的普及，还可以帮助归纳艺术家的贡献和独特性，而这一切工作都是用画集和研讨会的方式呈现的。相对自我宣传的浮夸，画廊的正式出版物影响面更大，更有利于艺术家作品的推广。
白明之所以对当代陶瓷艺术市场如此看重，是因为经济力量对手工艺人的影响格外大。“如果当代陶瓷艺术品卖出了高价位，就像当代油画或水墨画一样，许多产区艺人会认识到当代陶瓷创新的重要性。”白明还指出，如果以中国当代艺术的价格标准来衡量当代陶瓷，那么当代陶瓷的价格还有很多空间，而且大陆市场的空间会比西方大。“这一两年来关注我作品的大陆收藏家明显增多了，海外市场的价格都不如大陆高。或许市场价格的上扬，是当代陶瓷的一大希望。”
白明常年在海外游历讲学，他也观察到，西方人收藏中国陶瓷，是因为把陶瓷当作中国文化史的象征物。然而，没有创新，中国的当代陶瓷如何体现出当代中国文化？如何像前代一样，继续成为中国文化史的象征物？
“由于是中国文化象征，谈到陶瓷的确很沉重，大家也很容易在感情上有所干扰，不希望自己的感情依赖受到伤害。”白明认为，陶瓷相对许多别的艺术形式，更容易让大众理解，大众接受的教育也更深入，比如，在一个博物馆就算没有油画，都会有陶瓷。
然而，纵观中国美术史，中国陶瓷的审美素养，并没有随着技术的发展而升华，反而是在走下坡路。传统审美的束缚，已经对陶瓷创新带来了很大的负面影响，这从清代晚期和民国就可以看出，更别提当代了。这个问题，并不能被当今陶瓷市场的繁荣所掩盖。而解决这个问题，也需要艺术家、学术界、市场和政府多方配合，共同改进，为拯救中国文化的象征物而努力。
宋元两个时代的人与瓷
南宋和元代，南宋瓷和元代瓷，文天祥和忽必烈，两个不同的朝代，两个各不同的人和事。文天祥是南宋的灵魂，忽必烈是元朝的灵魂，前者是疾重难返，大厦将倾，岂能一人挽回？后者是骁勇善战，知人善用，入主中原的大元帝国之君。一个是气节而死，一个是挽用不得而痛惜。
在文天祥被俘的三年里，两人多次间接交锋，面对这样一个大义凌然气节之人，忽必烈明白了文天祥“如虎兕在柙，百计驯之，终不可得”，由于非常器重文天祥的品格，未曾想早已引起了那些主动投降的南宋官员和与之交战蒙古官兵的不满。然而，忽必烈仍然心有未甘，在这一年的腊月初八决定亲自出马作最后的尝试。这是两个人的第一次也是最后一次会面。文天祥并没有因为忽必烈的召见而感动，他以外臣之礼长揖不跪，对元世祖以宰相之位相邀婉言以谢。最后，忽必烈问：“汝何愿？”文天祥对曰：“天祥受宋恩，为宰相，安事二姓？愿赐之一死足矣。”忽必烈无语，但很痛惜。文天祥离殿，写了两首绝命诗交给三年来照顾自己的张千载(毅夫)。张是文天祥的早年同窗好友，在文富贵时邀而不至，却在文天祥押解途中自请随行，三年里一直照料文的饮食起居。临刑前，文天祥又写了一篇《衣带赞》藏于腰带间。第二天，文天祥被押往燕京城北的柴市处斩。临刑一刻，监斩官告诉文天祥此时反悔还可以当丞相，文天祥回答，我要做的事都已经做完了。令斩。数日，元允文天祥之妻欧阳氏前来料理后事，在衣带中发现了那篇《衣带赞》。其词曰：“孔曰成仁，孟曰取义，惟其义尽，所以仁至。读圣贤书，所学何事，而今而后，庶几无愧。”文天祥死后不久，南宋朝即亡。
朝代更替，文人生命难测，但气节最终属于自己。两朝的瓷器，虽说是当时的当代艺术品，但述说着它们各自历史、文化、艺术和技术的渊源和背景。它们的时代背景决定了它们各自的艺术特征。作为后人，对其进行评价，多多少少带有自己的艺术偏好和价值判断。但有两点是明确的，那就是它们工艺艺术水平和文化艺术审美观是否具有代表性。这一点来讲，南宋时期的瓷器是符合中国文化整体审美观的，无论是工艺的完美度和文化内涵，可以说南宋时期的瓷器是中国正统器物文化艺术的终结。
元之后，各种文化艺术的融合，器物艺术审美受这种多元文化的影响而走向新的方向。不可否认，元代器物艺术，尤其陶瓷艺术品经历一段沉寂和纠结之后，展现了新的面貌，由传统走向现代，由含蓄走向写实。为以后700多年来开启陶瓷新写实主义篇章。
当代钧瓷欣赏
钧瓷讲究色、纹、型、质、境之美。色即人们俗称的窑变。窑变可谓是钧瓷最鲜明区别于其他名瓷之处。钧窑以“入窑一色、出窑万彩”被誉为“钧无双”。从不同的角度欣赏，钧瓷会发生釉色的轻微变异。这些缘于物理变化与化学变化的共同作用，非人工之巧所能办到。文人墨客用“晚霭微茫潭影静，残阳一抹淡流霞”和“烟光凌空星满天，夕阳紫翠忽呈岚”来对之赞美。
型即钧瓷的器型。钧瓷的造型线条简洁大方，传统造型有200余种，主要有香炉、宝象瓶、葫芦瓶、连座瓶、玉壶春瓶、梅瓶、双龙活环瓶、鹅颈瓶、出戟尊、三阳开泰尊、莲花尊、花盆、鼓钉洗、碗等;新创品种有几十个，主要有鱼瓶、天球瓶、日月瓶、观音、弥勒、钟馗、十二生肖、动物、花插、挂盘等。
纹即纹理。钧瓷烧造，工艺独特。在色彩斑斓的釉面上，形成千姿百态的纹路，典型的如冰片纹、蚯蚓纹、鱼子纹，此外还有兔丝纹、蟹爪痕、雨丝纹等。特别具有审美价值的是冰裂纹，俗称开片。纵横交错，如网状分布，历来以大器开小片、小器开大片为佳。
质即器质。专家研究发现，钧瓷的原料中采用了含有氧化铜成分的孔雀石。胎中铁、钛的含量影响着钧釉的鲜艳程度和色调的深浅，硅、铝的含量对釉的开片有着重要的影响，碱性成分的多少则影响着釉的流动性。所以钧瓷“同是一质，遂成异质”。对钧瓷烧制技法的了解可以帮助收藏者更好地鉴别钧瓷。
境即图案和意境。古人用“白胎烧就彩虹来，无色成窑画作开”赞美钧瓷的意境之美。钧瓷釉面，在高温烧制下，釉料交融，自然流变，形成千姿百态的图形，如同国画中的大写意，赏者在丰富的想象力中获得精神享受。
