1865年，江苏巡抚李鸿章赴南京升任两江总督，将苏州洋炮局迁往南京聚宝门外扫帚巷东首的西天寺废墟上，并更名为金陵制造局，也就是今天南京晨光1865创意园的前身。如今，园内仍是清一色的青砖小瓦和英式拱窗，清末与民国建筑的风格扑面而来。当代国际陶瓷艺术中心(以下简称中心)便建于这钟灵毓秀之地，其外墙以满幅青花为饰，入口处的巨型镂空花瓶更是别具匠心，自成园区一景。
关注陶瓷文化
对人文精神的淬炼
该中心自开放以来，就以其极具个性的体验式瓷器陈列方式吸引了海内外众多爱好者、陶艺大师、专家及普通市民的目光。在时光的雕琢下，馆内各种不同工艺的精美瓷器熠熠生辉，犹如风情各异的女子，或古典或现代，或婉约或豪迈。浓妆淡抹总相宜的青花瓷瓶上，一时是迤逦而来的江南女子，一时是气吞万里的壮美河山，一时又是嘤嘤合鸣的花鸟鱼虫之态，但无不惟妙惟肖、呼之欲出。
那些表情生动、刻画精致的古典人物瓷器是以德化白瓷为原料，纯手工雕刻而成，置身其间，便仿佛回到历史的浩淼中。其他如窈窕灵动的镂空花瓶、光彩夺目的青花描金瓶和五彩描金瓶、晶莹剔透的中国红瓷和浑然天成的结晶釉花瓶等等，或古典庄重，或疏朗精致，千姿百态、不一而足，真可令人生出思接千载、视通万里之感。
该中心总负责人、南京何氏瓷艺有限公司总经理何云正介绍说：“当代国际陶瓷艺术中心在馆内情景展示设计方面花费了大量的心血，与美国、台湾的知名设计团队合作，其目的就是为了让不同风格、不同工艺的陶瓷作品能够在不同的场景和环境下展现出最美的一面。”负责馆内环境设计的台湾知名设计师陈志刚对记者说：“如何根据不同环境来恰如其分地摆放一件装饰品就是一门学问，即使同一件瓷器，通过摆放角度和位置的改变，也能够传递完全不同的意境。”
艺术陈列师是一个需要相当文化和艺术涵养的职业，在人们开始越来越享受慢生活的时候，就必然会日益重视每一个陈设细节对家居舒适度的影响。陈志刚带着他的家居设计理念和梦想往返台湾与南京，并且在当代国际陶瓷艺术中心找到了彼此的缘分。
以高品位的陈列艺术
营造品质家居
“和台湾或者广州、上海相比，南京目前还比较缺乏富有创意的整合环境设计，好的家居配套产品也不够多元化。1865是南京文化创意产业的聚集地，我们陶艺中心就是一个将瓷器陈设和环境氛围进行多元融合的场所。”有着多年设计经验的陈志刚说，自己在南京，在这个陶瓷艺术的天地里又发现了很多值得挖掘的设计空间。
陈列艺术是对如今家居设计师能力的一种挑战，一旦能够触碰到这门艺术的内核，其所能创造的价值也将是其他家居设计师所无法比拟的。
当阳光穿过斑驳树影走入馆内，一尊白瓷佛像就那么静默地立于古朴而简洁的明式高几上，一旁有篆香缭绕升沉，观者必会顿生敬畏与安详之意；而当在一间中式风格浓郁的居所内，看到两支白色百合花盛放在晶莹剔透的中国红瓷梅瓶中时，观者又会不由得心生欢喜。这就是高品位的陈列艺术对家居环境甚至对心境的影响力，这也是这门艺术的魅力所在。
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紫砂壶：以实为本，以虚为用
大家都清楚中国哲学尤其强调虚实的对应关系。《老子》二章云：“有无相生，难易相成。”实、有离不开虚、无，（虚实关系是从道的有无关系引申发展而来）这两个对立因素相互依赖并发生作用，才能使“道”真正地发挥作用，这样说来，“道”既是“有”又是“无”。老子在十一章还做了一个很形象的解释说，车轮、盆子、房屋等物之“用”，在于中间的“空无”。甚至可以说在老子看来，有无虚实的统一是宇宙万物化生运行发挥作用的根本。后来庄子在《天地》篇寓言中出提出“象罔”的概念。“象”是“形”，“罔”是“无形”，“有形”为“实”，“无形”为“虚”。“象罔”是无形和有形、虚和实的统一，这是对老子思想的传承和发挥。这样的哲学思想不可能不对中国艺术产生深远的影响，以至于“虚实结合”简直成了中国古典美学最基本的表现方法，或者说是中国的艺术辩证法。它神奇的光彩必然在中国传统艺术的各个领域里闪耀，小说、绘画、书法、戏剧、建筑、紫砂……
中国画最讲究“留白”，画面中的空白并不填实，有的是河有的是天却不让人感到空，反而更有意味。当然绘画毕竟是平面艺术，似乎离紫砂壶的造型有较大差距，那么我们还可以拿中国传统建筑来比较。园林建筑最能体现中国人的审美精神，设计者通常利用廊、窗、亭等的布局来“借景”，以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚。我们大可以把一把绝妙的紫砂壶作品也当作一座园林来欣赏，那里有曲径通幽，有院落与厅堂，有景物的呼应，有巧妙的花草点缀。
“疏可走马，密不透风”，紫砂壶的虚实对应正体现着这一中国美学精神。我们来看大彬提梁，此壶的身筒还是比较大的且呈丰满的扁球状。但我们在欣赏时为什么不会有笨重的感觉呢？妙就妙在提梁那硕大的圆环上，此一圆环所围成的“虚”的空间恰好在视觉上缓解了下部厚重的感觉。而且上下两个圆弧构成鲜明的虚实对照，使整体上让人感觉气势雄健，浑然一体，正所谓“周接四海之表，浮于元气之上”。这样大胆运用虚实的设计，我还看到有当代徐汉棠的菱花提梁壶，而且可以说这款壶型的提梁所形成的“虚”空间更大，更空，甚至和“实”的部分不成比例。但由于此壶身筒部分的形体饱满、筋纹刚健，再加上“虚”的部分本身有空灵之感，所以并不让人感觉有什么不协调。可以说这把壶是以实为本，以虚为用的经典，把紫砂艺术的美表现的淋漓尽致。
紫砂茶具杂谈，为何说“她”富含文化品位
玩紫砂，是有路数可循的。从购买紫砂壶的用途看，可分为实用路、玩赏路和保藏路。当然，这里面也存在着购买者经济实力的差别。
买壶为了饮茶用，选壶时一般不必过分讲究。可买一把新壶，砂料天然纯正，壶体里外干净，无异味，功用好，容量大小适合自己的饮茶习惯。这样的壶泡茶时能够蕴味育香，使用经久后也会形成光润古雅的包浆，给糊口带来一些乐趣。宜兴紫砂茶具之所以受到茶人的锺情，除了这种茶具风格多样，造型多变，富含文化品位，以致在古代茶具世界中别具一格外，还与这种茶具的质地适合泡茶有关。后人称紫砂茶具有三大特点，就是“泡茶不走味，贮茶不变色，盛暑不易馊。”
而且紫砂茶具属陶器茶具的一种。它坯质致密坚硬，取自然泥色，大多为紫砂，亦有红砂、白砂。成陶火度在1100—1200摄氏度，无吸水性，音粗韵长。它耐寒耐热，泡茶无熟汤味，能保真香，且传热缓慢，不易烫手，用它炖茶，也不会爆裂。因此，历史上曾有“一壶重不数两，价重每一二十金，能使土与黄金争价”之说。但美中不足的是受光彩限制，用它较难赏识到茶叶的美姿和汤色。
在目前我国的紫砂茶具，质量以产於江苏宜兴紫砂的为最，与其毗邻的浙江长兴亦有出产。经由历代茶人的不断立异，“方非一式，圆不相同”就是人们对紫砂茶具器形的赞美。一般以为，一件姣好的紫砂茶具，必需具有三美，即造型美、制作美和功能美，三者兼备方称得上是一件完善之作。
中国民间陶艺与现代陶艺
陶瓷的发明标志着人类社会从原始的守猎、野蛮状态走向文明和定居的生活；陶瓷的发展史，是人类进化的文明史，它影响着整个人类科学、文化艺术的进程。
陶瓷的发展，伴随着科技的进步，同时也伴随着人类审美水准的提高；科技中有艺术、艺术中有科技。
陶瓷的产生，首先考虑的是满足人类自身实用功能的需要，同时在实用的基础上，通过造型和装饰又寄托着原始的朴素美，继而脱离实用功能，从纯精神的情感的需要为出发点，另僻一条纯艺术的道路。
陶艺发展的开初，本属民间艺术，它根植民间的土壤，来自民间，用于民间，有着深厚的群众基础，曾有着壮观的发展和规模，中国陶瓷曾征服了海内外的人心、民心，震憾了海内外的帝王将相。
中国皇帝在景德镇曾多次设立御窑厂，为陶瓷的发展、提高起到了一定的作用。但越到后期，由于统治者审美水准的低下，又要附庸风雅的虚荣心态，形成了一条繁琐、堆砌、做作、空虚的宫庭艺术格式，因此就有官窑民窑之分。
民间陶艺，尽管经历着各朝的风风雨雨，它仍显示了不平凡的生命力，如今在现代审美趣味的趋使下，在回归自然，返朴归真的世界性潮流中，更倍受重视的顽强的发展起来。
一、民间陶艺的特征
民间陶艺就地取材、就地制作、土生土长、地方特性、地方习俗很浓的一种群众性创造。
民间陶艺有结合实用的，也有纯欣赏性的。民间陶艺从造型到装饰，既没有重大的历史题材，也没有现实中的重大内容，它往往反映着人们淳朴的、善良的、理想的、吉祥的愿望，流露着纯真的乡土感情和对人生、大自然的深刻涓涓思念；形式大方、朴素、不加修饰、不求形似、只求意到；用笔弄刀，运用自如，活泼、粗犷、洒脱、自然天成；形象处理，高度简炼、概括、夸张、稚拙之美、妙趣横生、耐人寻味；要说现代抽象艺术的发源地在哪里？我看就数民间陶艺了，因为距今七、八千年前的彩陶纹样就是抽象的典型。民间陶艺的选材，往往不求高品格，只求价廉物美，因材施艺，化腐朽为神奇。对于艺术创造来说，材质没有绝对的好坏之分，加工细致，纯度很高的材质，固然有它用武之地，而粗加工，纯度较底的材质，更能体现粗犷，朴素，原始的材质本身的美，因为这种材质一经火焰烧成后，化学反映复杂表面肌里效果丰富。从而使纯真的感情，自由的艺术风格，得到更好的体现。
景德镇的民间青花坯胎，就是采用含铁质较高的下脚料，使用单纯一种青料彩绘，有料有笔，层次分明，在单纯中见真情，从素雅中见含蓄。再加上使用白里泛青的石灰石釉，一次高温烧成，画面呈现青白相映，晶莹透彻，“娇翠欲滴”，互为渗透，浑然一体的艺术效果。
手艺是民间陶艺的重要特征，只有纯熟的手工技术，手感、才更具人情味，才更能随机应变的体现心灵的感受，才能产生千变万化的笔迹刀痕的艺术效果，才能更加直接的显示人的智慧和创造性。
火焰是陶艺最具特征，最受制约的一关，所以陶艺也可说是火的艺术，任何不经火的考验，就谈不上是陶艺了。
火是可怕的，但人为的控制它，又能造福于人类，造就着千变万化，神奇莫测的釉彩。钧瓷无双，靠的便是火焰的变化和气氛的控制。制约看起来是坏事，也是好事。人们不可能超越制约的一面，但只要能在制约的范围内去充分发挥其特殊作用，这才是陶艺的真正语汇。民间陶艺便是最能适应的体现火焰的作用了。
民间陶艺，从立意、选料、造型、制作、装饰、火焰的运用，都是有机的完整的结合，既是科学的，又是艺术的，处理得当，才能产生和谐的，自然天成之美。
二、景德镇民间陶艺的现状
a、现代工业的冲击
自从五十年代初期，将无数个体的，作坊的生产方式，改造成全民的大规模的、号称十大瓷厂（最大的五千人左右）之后，千百年来所形成的传统工艺流程，也不遗余力随之改造，曾显赫几个世纪，为中华民族为之夺魁的几十座传统柴窑被倒焰煤窑所代替（至今仅保留二座柴窑“，随后手工淘泥，手工拉坯，修坯，手工绘制民间日用瓷，都用机械精制原料，机械压坯修坯，用花纸贴花，用橡皮印花所代替，几乎凡是用手工的工序，都进行了改造，因为手工被认为是“落后的”；同时将景德镇传统的多品种单件艺术瓷、小配套的日用瓷、釉色以白里泛青为主体的产品结构改造成以高白泥釉、大配套的日用瓷为主体的产品结构。于是产量扩大了，数量提高了，然而原料单纯了，温度一致了，装饰规范化了，质量降低了，原有的手工淘泥、拉坯、修坯，民间青花几乎都不见了；更可怕的是这种技艺被淘汰了。景德镇的优势和固有特色几乎被消亡了。
B、宫廷艺术的冲击
景德镇自从有了御窑厂的建立，宫廷艺术就开始产生。这些专为皇宫营造的瓷器，民间不得使用。宫廷艺术的重要特征之一是不惜工本，从原料的选择、加工、造型、制作之精工，画工之细微，烧炼之讲究，都是优选最佳；另一方面，画工由原来的自由选择题材内容，自成画风，到完全听从督陶官的指挥、宫廷意趣和画风所左右，于是由自由、泼辣的画风转到工整、呆板，以致到繁琐、堆砌的宫廷艺术画风；同时们误认为，宫廷主张的、喜欢的东西一定是好的。于是这种画风一直延续至今，越来越繁琐，越来越刻板。更令人痛心的是，如今的许多海外华人却误认为这是中国传统陶艺的代表；外贸人员也以画工的多少和画面的繁简来定价格了。
C，文人艺术的冲击
民间陶艺与文人艺术，有它共同的东西，也有它不同的东西，民间陶艺讲究直观、单纯、明快、夸张、趣味；文人艺术更讲究意境、含蓄、诗画、金石相配。在装饰方法上，民间陶艺，当它装饰一个主体的器皿时，它往往考虑的是全局，是面面可观，是与器皿的高度结合；诗书画不同时装饰在一个可视画面上，图章或年号是写在器皿的底款上。这样更能使人感到它们是一个完美的立体的整体。
文人画则不是这样，而是将一个立体的器皿当成平面来装饰，诗书画、印章，同时在一个可视画面呈现，其它的几个面也许就毫无价值。这样的画面往往呈孤立的，有强加于器皿之感。至于民间陶艺那种，自由、洗染、奔放的潇洒风格更是没有。但是文人画的社会基础雄厚，格调高雅，书卷气浓，一旦将其搬到陶瓷装饰上来，也就很快占有了重要的席位。
纵观这些因素，都对民间陶艺的生存、发展产生了重要的影响的冲击。现在我们要呼吁、要用现代观念来保护和发展手工民间陶艺，要适当采用现代科技手段，使其更具现代人审美心理的现代民间陶艺。
三、现代陶艺
现代陶艺是现代文人用现代的审美观念，采用可塑性很强的土质，直接手工成型或用一定的科学手段辅助成型，经火焰烧成后形成一种硬性的、永不变质的一种陶艺。
陶艺有原作陶艺，有产业陶艺。产业陶艺是指通过模具或机械的手段能大量或批量生产同一造型或画面的陶艺产品。目前这类产品在国内有所发展，有一定的市场，因为可以价廉物美。原作陶艺系指直接用陶土、瓷土手工成型、加工、烧成或烧成后再行加工多次烧成的单件作品。
现代原作陶艺，既不是宫廷艺术、文人艺术，也不是现代工业设计。它是用现代艺术观念来表现一种纯精神和情感的、个性化很强的纯手工原作陶艺；它可以说是民间陶艺的延续的发展，是现代艺术和民间艺术的综合体现；它重新恢复自由、奔放、纯朴、天趣的艺术风格；它重新肯定手工的价值；它放宽了对材质的运用范围和对泥土本质的探求；它不拘一格的追求更多的表现手法；更重视火焰的神秘作用和偶发性的肌理效果。它是民间陶艺之光，是回归意识的反映，是二十世纪现代审美的体现。也可说是寻找失落了的民间陶艺的质朴情感和语言以补充、丰富和刺激现代陶艺的新语汇。
现代陶艺的出现，是国际性的普遍现象；是工业化、机械化产品大量泛滥后，失去人情味，而追求回归自然，日常生活归真的情感需要。
这说明科学上的规范化，代替不了艺术上的多样化，复制品代替不了原作，机械也永远代替不了手艺。
现代陶艺是交叉的综合性的学科，科学中有技艺，技艺中有科技，科技需要艺术，艺术需要科技，科技为陶艺的发展开僻了前景，陶艺的发展又体现了科技。陶艺的构思、构想、设计必须通过科技得以实现。对现代陶艺的创造，适当的采用科技成果是可取的，滥用科技成果是可悲的。
陶艺的制作和装饰过程，不能立即看到最终效果，往往处于朦胧状态，只有通过火焰，才能最后显现真面目，因此要求陶艺家具有多方面的知识，既要有科学的头脑，又要有艺术的细胞；既要能熟练的驾驶材质、制作过程、烧成温度的选择的控制，又要有现代的造型能力，只有在基本上掌握这二方面的知识情况下，才能更好的发挥材质、工艺流程、烧成的特殊作用，现代陶艺这一特殊的个性语言才能得到发挥。
四、中国现代陶艺家的处境
中国的陶艺家基本上都是在全民所有制或集体所有制的工厂、研究机关、学术里进行创作，其主要创作任务是为生产服务；其主要考虑的是适应市场，适应生产规程，适应大量的推广，要陶低成本。他们不可能用过多的主观意识强加于生产，强加于市场，当然这是主要的，但长此以往，陶艺家也就很难发挥自我的创作性和个性。
中国现代的原作陶艺，还处在萌芽状态，还难于很快扩展。
其主要原因是国内没有市场，没有市场的主要原因：一是作品尚欠成熟，还不够对路；二是经济水平还远不到能购买原作的程度；三是多数文化层次未能达到能接受的水准。
目前有些陶瓷产区的原作陶艺有所发展，主要是销往国外，那些没有打开国外渠道的就难于扩展了。
另一个重要原因是中国的陶艺家几乎都没有自己的起码制作、烧成设备，只好求助于大型工厂的大型设备。这些工厂一般都有自己的拳头产品，多属大批量，有自己特定的规范化的工艺程序，它不可能适应不同陶艺的追求。其结果是陶艺家的追求，只适应现成的工艺流程，而不是工艺流程适应原作陶艺的需要。
还有一个原因是中国的陶艺家，多数懂得造型的，不懂得工艺、泥料、制作，烧成是怎么一回事大都不知道；懂得工艺的又不懂得造型艺术，甚至连一点美感修养、美与丑、高雅与庸俗都分不清。当然这里牵涉到一个如何培养陶艺家的问题，是科学和艺术的分家，还是科学和艺术溶为一体？
综上所述，无疑都影响着民间陶艺、现代原作陶艺的提高与扩展。对于民间陶艺来说，一方面要避免淘汰或否定，要弘扬和发展；另一方面也不能过于抬高它到不适当的程度，要扬弃其封建
以色动人“没骨彩”
粉彩瓷“没骨彩”技法源于唐代徐熙独创花卉渲染法，至清末胡颜标在瓷胎上以此技法画瓷，他的作品尤以人物花卉为世人追捧！“没骨彩”的特点是在画面上不用线条，以强有力的色彩来体现人物的衣纹，不仅光线显著，且物体丰满，质感极强，色彩光泽细腻。同时，所用色料丰富，不下百余种，有些还用套色。
技法难掌握
“没骨彩”不同于粉彩，它完全不用珠明料画线条，而是用淡墨或淡红勾出大致的轮廓，然后满涂一层玻白；另外从颜色直接彩饰所要表现的花朵层次和衣纹的转折，一件作品的完成费时较久。“没骨彩”技法较难掌握，主要是没有固定线条依据，填色渲染光线辐射度极强，必须随时掌握画意，因此不是一般填彩人员能胜任的。上世纪五十年代至七十年代，陶瓷美术家叶震嘉，以及传人张金定、宗其榜等专家才能全面掌控。“没骨彩”成为“567”新中国陶瓷艺苑中的一朵奇葩。
各种工艺的产生与传承和时代背景密不可分。上世纪五六十年代，在计划经济体制下，当时景德镇的艺术家每个月都是拿固定报酬，艺术与收入不直接挂钩，且全体一样，于是产生了五十年代末六十年代初的粉彩没骨画法，不计工本。彩瓷的关键，当时在工艺上称“三分画七分彩”，与玉雕与牙雕工艺中的打磨工艺相似，意思是填彩尤其重要，绘画填色分工合作，各显特色。由于叶震嘉先生辞世，其传人——当时景德镇艺术瓷厂张金定、雷罗汉、宗其榜都是一流填彩高手，专与陶瓷美术家，如赵惠民、余翰青等人合作填色。但随时间推移，他们的名字逐渐被世人遗忘，就像此技艺消亡一样，无人传承。
短暂的辉煌
在上世纪五十年代至七十年代，国家在工业现代化方面还无法与世界交流，传统的中国工艺美术在“双百方针”指引下，工艺美术家群策群力，以饱满的热情，忘我的创作激情，谱写了一曲工艺美术的壮丽凯歌，为新中国的形象与财富积累，以及出口创汇做出了巨大贡献。有许多“绝技”随之产生，但是也随着计划经济体制的结束而逐渐消亡。历史久远的文化消亡似乎人们会特别惋惜，这些短暂灿烂辉煌后又立即消失且未留下过多文字记载的“绝技”失传，更显可惜，因为它还没有来得及总结张扬。
新中国的许多工艺美术种类，如牙雕、各类木雕、脱胎漆器、剔红、玉雕，它们都是传统工艺与现代审美的结晶。遗憾的是，随着国有瓷厂机构的解体，“没骨彩”这项特殊工艺渐行渐远，人们只能在历史中找到它们的身影。
玛雅文化的陶艺
从公元前15世纪开始，在一片丛林与峡谷共生、火山与低地并存的土地上，孕育和成长了美洲大陆上最为辉煌、瑰丽的早期人类文明——玛雅文明。 玛雅文明约形成于公元前1500年，公元3至9世纪为繁盛期。在这段漫长的时间里，玛雅人在艺术领域取得了非凡的成就。而在工艺美术领域，玛雅人所获得的巨大发展更成为其众多艺术成就中不可或缺的组成部分。玛雅的工艺美术主要包括陶工艺、玉石工艺、金属工艺以及石雕工艺，而这其中又以陶工艺最为出色，最能体现玛雅工艺美术的风格特征。 从前古典期早期开始，玛雅人就开始制作陶器。他们的陶工艺品主要有三种类型：器皿型陶器、雕塑型陶器和陶塑工艺品。这些陶工艺作品多以当地产的黏土为原料，为了使之具有更好的可塑性和强度，玛雅工匠在制作陶器时常在黏土中加入沙、磨碎的昆虫壳和贝壳以及火山灰或有机纤维等材料。陶器的制作通常是用一种或三种方法相结合而制作的：徒手制模、盘绕成形或模制成形。小型的器皿一般用手直接制作，而较大的器皿，内壁用黏土盘绕制成，还有一些器物则是用手工或模制的部件装配起来的。
以书写为主的明代瓷器款识
明代瓷器的款识形式一般以书写为主，极少有刻印的。前人总结的明代瓷器款识规律是：永乐款少，宣德款多，成化款肥，弘治款秀，正德款恭，嘉靖款杂。
永乐瓷器的款识为“永乐年制”。这是陶瓷史上第一次烧制的帝王年号款，“永乐年制”四字为篆书，四字双竖行，印、刻写或书写于器里心。青花器为用青花书写；白釉器、青白釉器多为印款；红釉、青釉器多为刻款。永乐年号款无论刻、印、写，“永乐年制”四篆体字的字体均较小。
永乐年号款只有四字篆书一种形式。凡见楷书四字、篆书六字或楷书六字，皆为伪托款。四字篆书款后来也有仿的，但仿品款识的字体笔道多为生硬折角，无柔和圆润之感。
民窑器上的吉祥款仍较多，有福、禄、寿、辰等，字体由洪武时的草书为主，发展到隶、草、行三种写款皆有。另外，永乐朝也有少量的图把款。
宣德的款识不似永乐只在器里心，而是任何部位都在书写。在形式上，宣德款有楷书也有篆书，其中楷书占了绝大部分。字数上，有六字也有四字，以六字为主；有六字双竖行加双圈，也有六字一行（横竖均有）、四字一行横写或双竖行。款识有用毛笔书写的，也有刻写的。字串5
宣德民窑器仍有一些草书或隶书的福、寿字，也是多写于器心。还有写“大明宣德年造”的，十分特别。
此外，从花纹、文字上看，伪制的花纹、文字一般都有不太周到的地方，花纹线条、文字笔划或者残缺，或者粗细不一样。有的赝品图纹甚至于显得僵硬呆滞，一望而知系临摹作品。
成化官窑器年号款以青花楷体六字双竖行“大明成化年制”为主，体式比较统一，款的位置也大多数在器物底部。除六字楷书双行款外，还有少量“大明年制”四字双行楷书款。但无论官民窑产品，成化真品均无“成化年造”、“成化年制”四字款。德-化-陶-瓷-总-站
成化官窑器还有一种罐，款字只有一个“天”字，人称天字款罐。这种一个字的官窑器为成化独有，天字也极其有特色，字体极其肥胖。
弘治官窑瓷器款识大体同于成化，仍以青花楷书六字双行“大明弘治年制”为主，写于器底。有少量篆书四字双行写款“弘治年制”，多位于器里心。还有少量红彩楷书双行“弘治年制”款及刻款。
弘治民窑器的款也较多，但较简单，有“福”、“正”、“壬子年造”等楷款。
正德官窑年号款以青花楷书六字双行“大明正德年制”和四字双行“正德年制”为主，其中以后者居多。款字的清花色泽有浓有淡，色淡者显得灰暗。另有红彩书写的楷书双行“正德年制”款，色泽深者黑红，浅者十分艳丽。此时的花盆、炉、洗等彩瓷，多为楷书四字一行刻款，位于器口沿下，也有刻于器底者。
民窑器上年号款为“正德年造”、“大明年造”及“天下太平”、“长命富贵”、“富贵佳器”等吉祥款。
嘉靖官窑年号款全为楷体，有四字双行和六字双行，以六字双行“大明嘉靖年制”为主。也有六字一横行、六字环行、四字钱文十字排列的。款识位置主要位于器底，也有写于器口沿下边的，还有写于器物肩部的。除写款外，也有少量刻款。
民窑器上的赞颂款、吉祥款较前朝兴盛，且开始出现堂名款，如“滋树堂”、“松柏草堂”、“郭仁堂”等等。
万历款识以书写六字双行“大明万历年制”为主，也有六字一行或三行的，还有四字双行、四字环行、四字钱文十字排列的。款的书写位置也很不固定，多数在器底，也有在器里心凹处的、肩部的、口边的等。
万历各类民窑款大为增多，斋堂款如“玄阴堂”、“芝兰斋”等；吉祥款如“万福攸同”、“德化长春”、“福寿康宁”等；赞颂吉祥款如“玉堂佳器”、“天禄器”、“天禄佳器”、“上品佳器”等。字串5
明末天启、崇侦年间，署本朝年号款的官窑器少，但署前朝年号款的却较多。不过，这些署前朝年号款的瓷器多为民窑粗制滥造，款识字体十分草率，排列杂乱。
紫砂器与现代陶艺
世界陶瓷的发源地在中国，而中国陶瓷的古都则在宜兴。宜兴陶文化源远流长，早在新石器时代，宜兴的先民便发明了陶器。六千多年来，勤劳智慧的陶都人创造了灿烂辉煌的陶文化和无与伦比的陶瓷艺术。被誉为“东方明珠”的宜兴陶瓷名传天下，紫砂、均陶、精陶、青瓷、彩陶“五朵金花”各放异彩、独步千秋的紫砂陶更为世界一绝。宋代，褐黑色的建窑茶具已深受各位饮家所珍赏，明代时宜兴紫砂名家辈出，紫砂茶具广受欢迎。到了近现代，随着文化内涵的丰富与制造技术的提高，宜兴紫砂陶艺已愈加精妙。东南亚各地对于紫砂的喜爱，也为紫砂的进一步发展和繁荣带来了前所未有的好机遇。宜兴紫砂陶是我国具有优秀民族传统的实用工艺美术陶瓷，有着很高的艺术成就，在国内外享有良好的声誉。在素有名家辈出的“瓷器之国”——中国，宜兴紫砂陶何以在中国的陶瓷艺术中独树一帜，异彩纷存、经久不衰。
小编发现，紫砂泥确是宜兴得天独厚的原料，在宜兴，只能在丁蜀地区范围内的陶土矿中找到紫砂泥。天赋的合理的化学组成、矿物组成、颗粒组成，使其具备了可塑性好，生坯强度高，干燥收缩小等工艺性能，为多种多样的造型提供了良好的工艺条件。
其次，紫砂壶有着独特的成型，制作技艺。紫砂壶的成型方法，有手工、注浆、旋坯和印坯等几种。而制作技艺的关键则是脱空成型和坯件表面的精加工。用竹片、明针、刀具及用这些材质制作的其它专用工具，对已接上颈、脚、嘴、把手的壶口、身、盖的表面，进行精细的括平、修整，这是紫砂壶成为工艺品的关键之一。
宜兴紫砂制成后有许多优点如：注茶越宿，暑月不馊；能吸收茶汁，壶经久用，自然能于内壁累积出茶山，此时即使不置茶叶，单以沸水冲入亦能泡出淡淡的茶香来；具有耐热性能，冷热急变性佳，寒天腊月即使注入沸水，也不易因温度遽变而胀裂；传热缓慢，执用时较不易烫手，且性耐烹烧，可放在温火上炖煮，等。再加上紫砂壶造型别致多样，砂泥色多采，且多不上釉，经历了一千多年的历史演变，宜兴紫砂壶以其得天独厚的泥料，巧夺天工的制作技艺，集符合科学的生产工艺，精美绝伦的器物造型，有口皆碑的实用功能，成为世界名陶。
于是小编开始好奇现在紫砂陶的市场究竟怎么样，搜集有关资料我们发现，近年来，宜兴的陶瓷工业突飞猛进，科技含量也成倍提高，陶瓷产品应用到社会生活的各个领域，富丽堂皇的琉璃瓦饰、浮雕壁画、高档墙地砖、陶瓷工艺品等，都是我国陶瓷艺术中的奇葩。同样我们也发现和其他不少艺术门类不同，紫砂艺术目前并不存在一个后继乏人的问题，却有着紫砂泥的稀缺问题。紫砂来源于宜兴黄龙山下甲泥矿，经过上千年的开采，目前可开采的甲泥矿石只剩下6000万吨，而紫砂只占到其中的1%，属于极稀缺资源。因此，紫砂艺术要传承，避免“无泥可塑”的窘境，最紧迫的其实就是保护甲泥矿。从2005年起，宜兴开始封矿，新的紫砂泥已很少入市。
了解了紫砂器的情况，我们又放眼整个中国的陶艺发展，作了资料的收集，研讨和总结。
由于中国特有的传统文化精神，始终鼓舞古典陶艺追求一种超越单纯物用意义，中国现代陶艺创作起步很晚。不甚完备却可谓真正具有现代形态和品质的中国现代陶艺，应该说是于本世纪七十年代末和八十年代初兴起的。八十年代中期，时风骤增思辩气息和社会责任感，对现实环境为劣质工业品充斥的不满情绪和批判意识渐强，以致用陶艺来表达艺术家的思想理念和反省意识的作风成为时尚。于八十年代末期日益显化的“唯物”即比较注重材料品性的倾向代表了中国陶艺向现代形态迈进的前峰状态，现代陶艺的品质所具有的这股倾向日益明显，日趋完满地体现了出来。中国陶艺家对本土古典陶艺“现代性”因素认识正在深化，可以予计加速的工业化步伐更会把各种难以避免的文化问题进一步暴露出来。这一切有可能将正在中国大地上集结汇聚的现代陶艺浪潮推向更高水平。
但是中国陶瓷大而不强，与国外先进陶瓷相比，在许多方面都还存在较大的差距。特别是出口量少价低，在出口贸易中处于劣势，制约了陶瓷工业的发展。我们觉得中国的陶艺缺乏创新能力。现代陶艺突破了过去陶瓷器物的实用性束缚，可以不考虑其实用性而自由发挥作者的创造力和想象力，使人们的创作自由有了大步的拓宽。国际上著名的陶瓷企业都非常重视产品、技术等创新工作。往往是先有设计，后有产品。他们的设计理念前卫而专业，具有很强的独创性，善于把陶瓷产品当作艺术装饰品来处理，善于研究消费者市场当地的社会背景和文化教育，将文化融入产品创新之中，并做到对陶瓷产品以及制造工艺技术设备的发展趋势十分了解，创新产品时与创新技术并盘考虑。所以我国的陶艺创新能力有待加强。
无论尚存怎样的现实问题，有一点是能令人真实感受到的，那就是：现代陶艺已经在中国大地上崛起。
紫砂壶以形比意
沈括在《梦溪笔谈》中说：“星辰居四方而中虚，八卦分八方而中虚，不中虚不足以妙万物”。紫砂壶不仅“中虚”，还有流、把、钮、足所形成的虚空间和“实”对比，岂不更妙？除了提梁，钮的透空、把的圈环、足的提高无一不创造着紫砂壶的“虚境”。比如有些来源于古代青铜礼器的壶型，往往上部比较厚重，为了不使整体上让人感到蠢笨，设计者通常会在下部装上比较高的三柱或四柱形的足，以形成“虚”空间和上部呼应。这样既不失青铜器的粗犷厚重又显得古意盎然，质朴幽雅。
其实，紫砂壶中的虚实结合还不仅仅表现在器型本身各部分之间的空间对照上。更有趣味的是有些高明的工艺师通过创造形象的“实”来引起我们观者想象的“虚”，比如我们看到古代工匠在设计鼓架时就别具匠心。他们在鼓下安放着虎豹等猛兽形象，使人听到鼓声同时看到虎豹之形，两方面在脑中虚构结合就产生好象是虎豹在吼叫一样的主观感觉，使整个作品突然有了生气。上节里提到的陈鸣远束柴三友壶上的松鼠，蒋蓉牡丹壶上的蝴蝶，莲花壶上的青蛙，其实就具有同样的审美效果。这样由形象产生的意象境界当然也是虚实的结合。然而从欣赏者的角度说，如果我们没有活跃的想象力对“实”的紫砂形象进行再加工，也就不可能产生艺术品真正的审美愉悦。
紫砂陶艺壶的情趣
宜兴紫砂经数百年的传承与发展，时至今日已经十分成熟地构建了自己的文化体系，雄立于中国乃至世界陶瓷艺术之林。
紫砂壶作为茶、陶文化合一的产物，自明清以来，其造型艺术（花货、光货、筋瓤货），已经确定了特有的规律和法则。以陈曼生为代表的文人雅士由于酷爱紫砂壶而将书画、诗词、铭文介入紫砂壶，加重了文化气息及艺术品位，形成了文人风格，从而使紫砂壶的价值跃升，受到了世人的高度赞赏，视同拱璧。
现代的生活造就了现代的艺术，以及与其相应的审美情趣和艺术感受。一些陶艺家和学院师生也直接参与到紫砂壶的设计与制作中，再加上东西方文化的交流，而新一代年轻紫砂技艺人员的学习、生活、文化和社会背景的不同，他们想用紫砂泥捏制出传达主观审美和内心感受的壶艺作品，并通过现代意识融入传统，展现一个全新的境界和壶体造型，人们称之为“紫砂陶艺壶”。这种新门类的“现代陶艺”紫砂壶出现在紫砂艺苑，是一种潮流，一种社会发展的必然，也是一种大众审美的需求。我以为它的出现，将让“海纳百川”的紫砂壶增添新的形式和情趣，蕴涵丰富的内容，这也是紫砂的传承和创新。
吴鸣的“与先贤对话”、“庄子·子非鱼”、“竹林寻贤”，葛陶中、吴鸣合作的“期待”，史小明的“皮包壶”，徐曲、鲍骧的“天蓬茶具”，徐良的“曲韵系列”，李玮的“秋风”，徐维明的“鞠躬尽瘁壶”，陈国良的“圆三角壶”，陈建平的“竹鞭壶”，陆文霞的“情结壶”等，这些壶形陶艺作品淡化了壶的功能，强调了作品的形式美，其构思让观赏者无限遐想，表现手法让陶艺家自由挥洒。不仅丰富了紫砂壶的语言，又展示了独特的境界、独有的心语、独创的内涵。我们不妨摆脱一下传统的审美习惯和世俗眼光，用包容的心态去审视和欣赏紫砂陶艺壶。其实，它们不但赏心悦目，而且回味无穷。
紫砂陶艺壶也是从传统中走出来的，一是用紫砂五色土为原料，二是用打泥片、镶接成型的手工制作，既有它的质地美，又有它的装饰美，只不过是在造型中融进了新的理念，巧妙地联系器物的里外空间，将重功能的传统紫砂壶，蜕化出一种具有鲜活生命且能表现个人情感世界的纯粹陶艺，显示出浑沌而清明、抽象又具象的形体。此时，壶的使用特性不再是第一位了。
如今的世界，是五彩缤纷的世界。陶艺的创作也是百花齐放，百家争鸣，特别是在多元文化框架下的宜兴紫砂，也应该百花竞艳。所以紫砂传统是文化形态的延续、发展，在这基础上可以做多种多样的尝试，关键在于题材是否实用，手法是否传统，创作审美是否有现代性、创造性和个人风格。人们完全可以用传统题材和手法表达现代理念和情感。
紫砂壶的创新设计应该提倡个性和单一性，因为现在紫砂圈内，作品的重复太多了，仿制和抄袭司空见惯，虽然这是一种特殊的历史现象和供求状态，但是随着知识产权的完善和文化艺术品位的提升，将会逐步改变。传统紫砂壶也好，现代陶艺壶也好，也许最重要的是创新和文化，壶友、藏家喜欢就好。
