·荷花图案瓷器
“荷叶罗裙一色裁，芙蓉向脸两边开。乱入池中看不见，闻歌始觉有人来。”这是唐代著名诗人王昌龄在赏荷花，随便也看几眼正在采莲的美丽姑娘，想不到豪放派的边塞诗人，竟也如此温情婉约。上图是一只清代的净手盆，敞口，深腹，圈足，口径40.5厘米，底径28.3厘米，高13.3厘米，为同治年间官窑作品，底部绘制的，正是一幅美丽的荷塘景色。只见绿水悠悠，浮萍点点，荷叶如盖，荷花娇艳，有的灿烂绽放，有的含苞待放，有的似开未开，还有一枝高擎的莲蓬。在荷花前面，有一只白色的鹭鸶，正伸着头觅食。这情形，就像乡间夏天，蓦然回首，瞥见这般精致的美景。
·荷花图案瓷器
“绿塘摇滟接星津，轧轧兰桡入白苹。应为洛神波上袜，至今莲蕊有香尘。”这是晚唐著名诗人温庭筠在赏荷花，荷花的芳香让他想起曹植笔下的洛神，“凌波微步，罗袜生尘”，不由得心向往之。上图是一只清代的青花盘，直径26.3厘米，高5.5厘米，上面绘制的正是荷花连成一片的情形。只见深色的荷叶一片翠绿，浅色的荷花粉嫩恬淡，风清月白之间，花叶交映之间，一片动人的颜色。“天青色等烟雨，而我在等你”，一片荷塘月色，正是为你停留，忽然就温暖了心灵。
·荷花图案瓷器
“飒飒东风细雨来，芙蓉塘外有轻雷。春心莫共花争发，一寸相思一寸灰。”这是荷塘之外的李商隐，听着隐隐的轻雷，忽然就明白，原来相思的泛滥成灾，不过是烟尘一缕，袅袅余烟。上图是一只民国年间的将军罐，直口、鼓腹，一收到底，圈足，上面有盖子，形似古代将军的帽子，口径17.3厘米，底径15.8厘米，通体高21.7厘米，上面绘制的正是荷香时节，鸟舞蜂闹的情形。只见池塘一角，红莲绽放，鹭鸶仿佛被荷香吸引，凝神细望，荷花之上，正有一只蜜蜂在嗡嗡飞舞。这正是古代一个美好的寓意，“一路连封”，不断封王封爵，对于做官之人来说，自然是求之不得。
·荷花图案瓷器
“毕竟西湖六月中，风光不与四时同。接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。”这是宋代著名诗人范成大在杭州西湖边上赏荷花，“映日荷花别样红”，美得令人心醉。上图是一只清代光绪年间的粉彩六角碗，碗口呈六边形，各边长6.5厘米，边角微微凹陷内折，高4.5厘米，上面绘制的正是一丛映日盛开的红色荷花。只见荷叶圆而肥大，荷花从水中伸出长颈，有的迎风浅笑，有的顺风娇羞，令人想起徐志摩那首名诗《沙扬娜拉》，“最是那一低头的温柔，像一朵水莲花不胜凉风的娇羞，道一声珍重，道一声珍重，那珍重里有蜜甜的忧愁，沙扬娜拉”，如同身临其境，置身画中。
精选阅读
青花瓷的别样山水
中国国土辽阔，风景壮美，山水如同一幅画，又像一首诗。优美逶迤的山岭，蜿蜒盘旋，犹如一条正在酣睡的巨龙。俯瞰足下，白云弥漫，环观群峰，云雾缭绕，一个个山顶探出云雾处，似朵朵芙蓉出水。山虽无言，然非无声。那飞流直下的瀑布，是它地裂般的怒吼；那潺潺而流的小溪，是它优美的琴声倾诉；那汩汩而涌的泉水，是它靓丽的歌喉展示；那怒吼的松涛，是山对肆虐狂风之抗议；那清脆的滴嗒，是山对流逝岁月之记录。中国山水文化的发生是从人类发现自然美的那一天开始的，人们在众多自然审美活动中，畅其精神，激其心志，以至于发至于笔墨，成为山水画、山水诗词、山水游记、风光音乐等，形成具有宗教、审美、科学等多重价值的中国山水文化。
景德镇陶瓷餐具套装开光山水56头餐具
大江南北，长城内外，到处都有奇妙的自然风光，画家们自然按捺不住手中的画笔，山水画这一画种应运而生。山水画，禀承着自然的精华，天地的秀气，作为国画几大分科之一，以描写山川流水为主。它的历史十分悠久，中国山水画较之西方风景画，起码早了1000年，早在战国以前就已经出现，但是那算不上独立山水画种，只是在背景中出现。其在南北朝时期处于萌始的初级阶段，而在魏晋之前是以人物画的附属形式存在的。虽然有宗炳、王微等专门山水画家，山水仍多为人物衬景出现，带有稚拙的痕迹。魏晋南北朝时期著名的画家顾恺之是当时唯一有画迹传世的画家，又是中国绘画史上第一个著有画论的理论家，因而推至“苍生以来，未之有也”的极高地位，代表顾恺之绘画最高成就的是《洛神赋图》，这是一幅人物与山水合一的梦幻题材。魏晋南北朝时期山水画的兴起有很多原因，一个原因是文人个体意识觉醒。这一时期士族兴起，士大夫画家活跃于画坛，他们文化修养很高，总结出许多精辟的绘画理论，有力地推动绘画艺术的提高。初期山水画也随之出现。另一个原因是动乱的环境和分崩离析的政权，统治者无暇顾及其他，使得各种思想的出现和传播有一个宽松的环境。在社会和现实极为动荡、人文思想和艺术表达极为活跃的情形下，山水画以其独特的变现方式回应了这一特殊的历史现实，而成为中国人文史上一个很有意味的现象。正如宗白华先生说，魏晋南北朝时期是中国史上政治最动荡，社会最痛苦的时代，却是精神最自由，极其智慧、极其浓郁热情的时代。但是根本上的原因是玄学和老庄思想的兴起。该思想使得人们更加重视自然，强调人与自然的融合，艺术审美对象发生转变，这直接促进了山水画的兴起。
隋唐时期，有几大山水画家基本连接了山水画发展史的主脉。著名的有展子虔、李思训、王维和王洽。展子虔善画设色山水，是渤海人，他的人物、山水、界画和车马无不精湛，尤长人物山水。代表作品《游春图卷》是现存卷轴山水画中最古老的一幅。李思训善画金碧山水，明代董其昌推其为山水画“北宗”之祖。其画风精丽严整，以金碧青绿的浓重颜色作山水，细入毫发，独树一帜。王维相信很多人都知道他是著名的诗人，可他在音乐和绘画方面都很有造诣。他善于画水墨山水，深湛的艺术修养，对于自然的爱好和长期山林生活的经历，使他对自然美具有敏锐独特而细致入微的感受，因而他笔下的山水景物特别富有神韵。王洽擅画松石山水，号称“王泼墨”。他早年曾随郑虔学画，后来又师法项容。郑、项都是善于用墨的大师，对他的泼墨作画有直接影响，水墨山水画自吴道子、王维始，再经过项容大胆用墨，发展到王洽的大泼墨，使画家的精神在画上的表现完全不局限于技巧了，这对画史有长久而深远的影响。
五代、北宋山水画大兴，作者纷起，也来举几个例子吧。董源，五代时期钟陵人，是南唐伟大的山水画家，题材取自江南丘陵江湖景色，水墨和着色并用，画面苍润、清淡、幽雅，表现出风雨晦明、四时朝暮的变化。代表作品《潇湘图》、《夏山图》、《夏景山口待渡图》、《龙袖骄民图》等。赵干，江宁人，南唐后主李煜时为画院学生。善画山水林木，长于布景，多作江南景物，其代表作品《江行初雪图》。范宽，北宋山水画家，生性宽厚、豁达大度，故有范“宽”之称。他画山水初学荆浩、关仝，受李成影响更大，浮想大自然之奇胜，致力于情景合一的构思酝酿，终于创造出了具有独特形式风格的山水画。代表作品《溪山行旅图》、《雪景寒林图》、《雪山萧寺图》等。米芾，宋徽宗时召为书画学博士，为人狂怪，时人称其为“米颠”。他以水墨挥洒点染表现烟雨掩映的江南山水，特别创造了一种浓淡枯湿横点、积点成山的山水画技法，后世称之为“米点山水”，其画风开创了文人画山水的新局面。代表作品《珊瑚笔架图》等。这时主要有水墨山水和青绿山水两派，南北竞辉，山水画发展达到高峰。
元代山水画有意识地向写意风格靠近，注重神韵与意境，开创了新画风。这时也孕育了一批较为著名山水画家：①高克恭，字彦敬，号房山，官至大中大夫，刑部尚书。工墨竹，亦擅画山水。初学米芾父子水墨画法，后取法李成、董源、巨然之长，自创一体。代表作品《春云晓霭图》、《云横秀岭图》、《墨竹坡石图》、《秋山暮霭图》等。②钱选，字舜举，霅川人。南宋景定乡贡进士，入元后不仕，以书画终其身。山水师赵令穰，在花鸟画从工丽向清淡转变过程中，自创一体，具有很大影响。代表作品《八花图》、《花鸟图》、《浮玉山居图》、《山居图》、《秋江待渡图》等。③黄公望，平江常熟（今属江苏）人。善画山水，继承董源、巨然画法而有所创新。多描写江南自然景物，以水墨、浅绛风格为主。与吴镇、王蒙、倪瓒并称为“元四家”。但是随着明清商品经济的发展，山水画走向了没落。以祖国大好河山为表现题材的青花山水画，是陶瓷艺术工作者以名胜风景和乡村田野的自然景观为主题创作的，表现出大自然中的美妙景色。在洁白的瓷胎上运用蓝色的青料绘制着一篇篇美丽的山水画，令人感叹，使人陶醉。
青花瓷，是我国著名的陶瓷精品，是中国主流陶瓷之一，自古就远销海外，受到各国敬仰，纷纷来中原学习制作青花瓷的技艺。青花瓷是一种釉下瓷，制作方法是用含氧化钴的钴矿为原料，在陶瓷坯体上描绘纹饰，再罩上一层透明釉，经高温还原焰一次烧成。青花瓷早在唐宋时期就出现了，但是质量并不尽如人意，所以并没有发展起来。而是到了元代，景德镇烧制的青花瓷发展迅猛，元青花瓷的坯胎由于采用了“瓷石+高岭土”的二元配方，使胎中的Al2O3含量增高，烧成温度提高，焙烧过程中的变形率减少。元代的青花瓷具有画风随意，胎质厚重，层次多等特点。元青花具有鲜明的时代特征，如果只看元青花瓷片，是有气孔有断层，甚至在釉子表面有气孔造成的一些粽眼和针孔。明代永宣时期的青花瓷质量有了极大提高，虽然偶尔也有气泡和针孔，但是比元青花好多了，风格还是延续元的粗犷随意风格，到了成弘时期青花就变得柔弱一些，其时代特征也非常明显，比如当时龙纹虽然也是五爪龙，但是它的爪子非常的纤细细弱，龙身也变得更加的细长，相对来说非常软弱。这个时候的青花也变得比较淡雅，整个的风格是以淡雅为主，小件器居多。大件变得少了，然后整个的画风也变得柔弱一些。明代的青花在成化还是有一个非常细腻的特征，其价值在市场上面是非常非常高的，但是我认为永宣的青花是青花达到的一个高峰。清康熙也是青花瓷发展的一个高潮，康熙朝时间跨度长，器物类型丰富，工艺水平高超，既有陈设瓷，也有日常生活用瓷、祭器、外销瓷等。大件器物多是民窑烧制，尽管体积较大，但极少变形，风格挺拔向上，粗犷豪放，制作规范，丝毫没有笨拙感。
青花山水瓷画经高温烧成后，有水墨画酣畅淋漓的料韵，与国画山水有异曲同工之妙。青花山水吸取国画技法，把民间青花的笔墨技巧与官窑青花的高档材质相结合，根据器型特点，结合当代审美情趣，采用多种绘制形式，形成青花山水画的艺术特色。要创作精美的青花山水画，必须经过长期的艺术实践和对自然山水的精心观察，深入理解。
釉里红、颜色釉之概述
引言：“新平冶陶，始于汉世” ，意指景德镇陶瓷业始于汉代，东晋以后渐有名气 。唐代景德镇著名的“陶窑”和“霍窑”生产的瓷器就已经名闻天下，《景德镇陶录》记载其釉色之美：“陶窑…色素润…称为假玉器” 。“霍窑…窑瓷色亦素…佳者莹缜如玉” 。自此 ，“以釉取胜”的工艺装饰逐渐盛行。景德镇的釉里红、颜色釉的诞生、演变与发展由此开始。
釉里红笔筒
一、釉里红的概念、装饰方法及特征
据考证，釉里红创烧于唐代长沙窑，元代由景德镇发掘并成熟发展并惊艳四方，盛行于元、明、清。釉里红乃瓷器釉下彩名，瓷器釉下彩品种之一。釉里红极其珍贵，不仅表现在成品后极具稳定性和色彩艳丽，更表现在焙烧的难度。与其他瓷器比起来，其烧制难度极高，可谓：“釉里红，窑彩也，千窑一宝。”釉里红不是颜色釉，而是一种以氧化铜为着色剂的色料。
釉里红瓷装饰简单，以线描为主，纹饰有缠枝菊纹、缠枝牡丹、缠枝莲等，传统意义上都是采用以下三种装饰方法：一是釉里红线绘；二是釉里红留白；三是釉里红涂绘。
二、颜色釉的概念、装饰方法及特征
颜色釉瓷是景德镇的 “四大名瓷”之一。景德镇的颜色釉瓷色彩丰富，造型美观，光可鉴人。尤其是一些名贵色釉，有“人造宝石”之誉。颜色釉符合中国传统文化理念，符合中国人含蓄、内敛、儒雅的美学观、道德观。
颜色釉的典型特征是在釉中掺入不同金属氧化物的着色剂，施在瓷器的坯胎上，再将坯胎放入1250度—1320度的高温中焙烧，烧成后呈现不同釉色。如此，才能显现出它光若流油、色若虹霞、纹若流云飞瀑的独特魅力。它以丰富多彩的釉色，精致完美的器物，风格迥异的造型，清亮耀目的光泽，成为世界陶瓷工艺美术史上一颗闪耀着夺目光彩的明珠。
三、二者的关系、区别和结合
釉里红与颜色釉的关系是既有联系又有区别，前者被涵盖于后者之中，二者在工艺上可以共融生辉。区别要点如下：
其一、性质的区别。釉里红是一种类似于青花料的釉下彩绘色料而不是颜色釉。从使用方法上来看，从存世的元代釉里红瓷器观察，釉里红它和青花料在生坯上绘制以后再罩釉的方法是一致的。正基于此，它的装饰工艺和青花料的装饰工艺完全一样，所以才会诞生“青花釉里红”这样的综 合装饰工艺手法的瓷器。而颜色釉都是大面积施釉 并直接烧制而成，它是依靠釉水色彩的变化来装饰瓷器的。通常在釉料之中调整各种微量元素的含 量，就能达到改变釉色的目的，如铜红、钴兰、铁 黑、铅绿等等。
其二、种类的不同。颜色釉五彩缤纷种类繁多，有三种划分方法：一是按烧成温度分类，分高温颜色釉（1300度左右）、中温颜色釉（1200度左右） 和低温颜色釉（1000度左右）；二是按烧成后的火焰性质分为氧化焰颜色釉、还原焰颜色釉两种；三是按烧成后外观特征分类，可分为单色釉、复色釉（花釉）、裂纹釉、无光釉、 结晶釉等。一般来讲，业内一般按颜色将颜色釉分如下几个大类：白釉、青釉、黄釉、红釉、蓝釉、酱釉、绿釉、黑釉、青白釉等等。所以，颜色釉的表现形式囊括面较大。而釉里红的种类主要是釉里红线绘、釉里红留白、釉里红涂绘三大类，表现形式上相对要简单些。
二者的结合。釉里红虽不是颜色釉，但从其工艺和定位意义上来看，它又属于颜色釉里的一个分类。此前，这两种工艺基本上是自成一体的独立表现形式，到了近、现代，二者既可分而展现其独特的艺术魅力，也可以完全融合在一起爆发出奇妙的、极具震撼力的艺术效果，且所表现的题材和内容更加丰富多彩。
四、艺术家和作品的再现
颜色釉和釉里红自起源发展至今，诞生了很多的扛鼎和罕世之作。在这里主要列举当代陶瓷艺术家在颜色釉方面的成就和特色。
如陈鸿高是新中国成立后第一批颜色釉大师之一，他的孔雀蓝釉、各种青釉作品为我们充分展现了颜色釉的艺术魅力，也为后来颜色釉的长足发展奠定了基础。
邓希平是景德镇市建国瓷厂总工程师，她从事景德镇传统颜色釉研究开发三十六年，先后创造新型颜色釉30多种，并创作了许多颜色釉艺术珍品，在国内外频频获奖，并被国内著名的博物馆收藏。
中国工艺美术大师宁勤征先生在近三十年的研究、探索、自主创新、开发中，推出了最具时代风采的高温中华红颜色釉陶瓷作品，如《映日梅花香更浓》、《独立春风第一香》等。他以绘、刻、堆、填、涂等多种工艺手法相结合，运用多种高温颜色釉有机搭配，综合在一件作品整体当中，再历经1330多度高温还原焰烧制。它自然天成，千年不变，万载永新，是体现火的艺术的最佳典范，被誉为“中华第一红”，填补了景德镇陶瓷艺术领域里的一项空白。
五、未来趋势
当代颜色釉和釉里红除了在传统的基础上继续异彩纷呈外，二者几乎完全融合在一起了。其制釉技术更加多元化、多样化，色釉瓷更加丰富多彩。从单色釉发展成复色釉、窑变釉，在结晶釉的创作上更是变幻无穷，瓷器上美丽花纹的结晶，独特韵味的艺术，极受人们喜爱与赞赏。运用这些颜色釉制作出的陶瓷美轮美奂，其意想不到的艺术效果让人惊叹。如今部分陶瓷收藏爱好者在对传统陶瓷技法审美疲劳的同时，陶瓷颜色釉装饰，将会让人眼前一亮。此路尚需更多的陶瓷艺术家不断去探索和弘扬光大，其未来的艺术和市场空间定将独放奇彩。
陶瓷讲堂--说釉之祭红釉
《景德镇陶歌》中有一首描述祭红的诗歌：“官古窑成重霁红，最难全美费良工。霜天晴昼精心合，一样搏烧百不同”。
这首诗主要是谈论祭红烧造之难。官古窑是指民窑中烧的最好的作坊，品质不输官窑，仍觉“最难”。精工细作且不论，还要看天，晴雨、冷热、气温高低，都要恰到好处。但就算万事俱备，结果仍是“百不同”。所以民谚有云：要想穷，就烧红。实际上，自永宣创祭红，有明一代，民间根本不得一见，甚至永宣之后，官窑也几成绝响。直至清康熙后，方始重烧。民间也只有极少数顶尖的高手能够烧造。即使御窑厂，每次烧红亦是大大挑战。这些当然还都是表面现像，是结果。深究一下过程，祭红的烧制更令人觉得不可思议。
现代科学的研究发现，祭红属铜红釉，铜红的呈色必须在高温流动的状态下才能完成，但祭红并不流动，或极少的流动。这在现代科学的逻辑中，是个悖论。另一个高难度的动作是烧窑。古代柴窑，一窑之内，温度、气氛差别很大，而祭红的烧造极为敏感，适合烧造的位置很少，只有一两个匣钵，故被称为“寸金地”。民间古代更有凄婉的传说：民女为烧祭红，跳入窑中祭窑，方始烧成。尽管当代科技昌明，工业发达，祭红的烧造技术比之以往，已有大大的提升，但仍非轻易能为。在传统制瓷的品类中，仍是难度系数极大的一种。
不过祭红的闻名，最根本的原因，仍是红釉之美。乾隆帝有诗云：“晕如雨后霁霞红，出火还加微炙工；世上朱砂非所拟，西方宝石致难同；插花应使花羞色，比画翻嗤画是空。”可谓鲜而不过，娇而不艳，沉静自然，芳华内敛。不过历代文人所述甚少，也难怪，几人得见？
祭红与郎红的区别：由于都是以氧化铜着色而且是一次烧成，外观也相差不太远，所以人们往往错把“郎窑红”当“祭红”，其实仔细观察“祭红”与“郎窑红”无论从色调风格，釉面特征，烧成温度均有显着的区别，如“郎窑红”呈色极为鲜红，透明度强，具有较大片裂纹，器件上部略有流釉现象。而“祭红”的红色则较深沉安定，釉面列裂纹，无浮光也没有流淌现象。最大区别就是郎红釉会流动，而祭红釉却不流动。（祭红与郎红对比）
标准红色瓷“中国红”
中国陶瓷艺术源远流长，千百年来，众多色彩斑斓的瓷器中唯独没有象征吉祥、喜庆，最为中国人喜爱的大红色瓷器。红瓷——“中国红”的问世实现了陶瓷人千年高温大红釉的梦想，被业界人士誉为“神品”。
红色瓷之所以名贵，除了它的颜色。光泽具佳外，更因为它“千窑难得一品”，“十窑九不同”。如蜚声海内外的祭红。郎窑红这样的瓷中珍品，但它们都不是真正意义上的大红色釉。中国红的研究成功为陶瓷领域增加了一个极其名贵的新品种。
科研人员胡天霏同志经过十多年的潜心研究，从三千多个配方中筛选出能耐1300-1350度的高温大红色釉，釉面光洁明快，如朝霞似的火焰，配之以中国传统的龙凤图案，雍容华贵，极具有装饰艺术效果，皆显出独特的无可代替的东方之美。
“中国红”耐高温瓷器的诞生，震惊了国内陶瓷界，结束了中国瓷无标准红色的历史，向世人再一次证明，中华民族具有悠久历史的，光辉灿烂的陶瓷文化在国际上的领先地位不可动摇。
大红是喷薄的朝阳，是燃烧的火焰，是生命的宣示。自瓷器问世以后，人们就想把大红搬上釉面。但千余年来，能耐高温的真正陶瓷大红，却只存在于瓷业人士的魂萦梦绕追求中。
1983年原湖南省分析测研究所副研究员胡天霏先生及助手毛明福先生承担了大红研制任务，前后20多年，终于获得成功，并在本公司首先实现了工业化生产，揭开了陶瓷发展史上崭新的一页。
当代艺术陶瓷市场潜力无穷
艺术陶瓷
随着人们生活品位的提升，对艺术的追求就越来越强烈，作为当代高端陶瓷艺术品的收藏一定会有的相当的资金介入推动这方兴未艾的市场。收藏是投资而非一般消费，给我们带来的首先是心灵的陶冶，艺术的熏陶，和视觉的享受。藏品升值带来的经济利益更是收获，以此检验我们的才智。有时精神上的获取甚至大于物质上的所得，我们享受的恰恰是收藏的过程。
相对于古瓷而言，当代艺术陶瓷 作为崭新的投资收藏门类，其优势显而易见。现当代陶瓷艺术品 以其独特的工艺，强烈的时代性、独创性、学术性以及视觉冲击力征服了藏家，其巨大的艺术魅力和经济价值是其他许多艺术品门类难以比肩的。而且藏家的收藏心态也逐渐成熟，关注更多的是艺术价值。同时，当代艺术陶瓷 不存在断代的难题，作品价值的高低显而易见。加上市场刚刚起步，价位依然偏低，未来升值空间较大。
谈到价格，是个敏感问题，但参考正泰瓷社近年的销售价格不难看出，尽管这些年老师作品价格不断地上升，但比较当代油画和其他艺术品类依然是个价值洼地。就如同站在三层楼观看地面是有高度，但比较摩天大楼或珠峰则是小巫见大巫了。陶瓷作为一种载体，睹之有型，叩之有声。他的繁复工艺及视觉效果是任何一种载体也无法比拟的。从保管角度只要不人为损坏，它可与地球同在。既一件藏品可代代相传。这足以推测其应有的价值。
同时，中国当代艺术陶瓷也有着宏大的国际市场的支撑。目前国际上认可的最大的当代艺术品投资有两大类，一个是油画，另一个就是中国的艺术陶瓷。国内外的美术界都非常重视中国当代艺术陶瓷的发展，因此这个投资收藏项目非常值得期待。
当代艺术陶瓷作品不仅接受国内收藏市场的检验和全球艺术品市场的检验，也需要接受更高端审美品位收藏家的检验。谈到这，就不能不谈收藏的理念问题。真正的收藏大家是建立在收藏者的个人爱好基础上，且不仅仅满足于个人的兴趣，还要作为一种事业付诸热情，甚至成为一生的钟爱。古今中外大的收藏家更会连续几辈人接续这个事业。
香港著名收藏家、云海阁主人张宗宪作为世界上举足轻重的中国艺术品收藏家及古董商，他曾说过“收藏家绝不是三天五天的收藏，真正的收藏家至少收藏20年、30年，甚至一辈子，并且最后捐给博物馆或相关学术机构，这样才能算真正的收藏家！”张宗宪认为；收藏只能是投资而非投机，好的收藏家，首先要有这方面的兴趣，肯学，还要多看、多听、多买。
美国拉斯维加斯娱乐业的显要人物亿万富翁斯蒂芬·A·韦恩是当今世界级的艺术收藏家之一，他的回答更能代表收藏家的观点，“收藏家他们明白自己所拥有绘画绝对是物超所值，同时他们也知道如果把这些画卖掉了就再也找不到替代品。”在关于收藏家和投资人有什么不同时，韦恩给出的标准是“收藏家对作品的欲望要高于他对钱的欲望。”他们的共同点除了都具备大量收藏资金之外，对一些收藏家来说艺术品是一种生活的必需，对一些收藏家来说艺术品是一种生存的激情，而对更多的收藏家而言艺术品更意味着以上两种价值的结合。因此在当下这个“价值优先”的时代，纠缠于艺术市场将走到多么高的位置？它何时能够发展到顶峰？对于收藏者而言无疑是庸人自扰。而坚持所谓的“价值优先，品质精良”，既是藏家的不二法门，也应该是艺术作品投资人的不移原则。
可喜的是，中国当代艺术陶瓷收藏者，是艺术价值和经济价值的发现者。他们不仅具备了专业研究的热情和水准，建立和充分利用自己的收藏体系。更加令人钦佩的是，许多藏家不但倾注了大量的财力和精力，更凝聚了多年乃至一生的心血和智慧，他们以自己的努力成果，积累物质文化财富，作为历史长河中有限阶段的传承和保护者，通过系统的主题收藏，让艺术品经过系统的整合，延续中国文化，焕发新的价值，并最终服务于国家和社会，功德无量。未来艺术陶瓷 市场将会越来越火热，市场前景值得关注。
“王者之香”寻瓷记
一种文化需要传承，一种传播需要载体。作为茶产业发源地的成都，随着千年古茶与珍稀兰花的结合，仅限量1000套的“王者之香”就成为了成都茶文化传播的重要名片。茶之道行于器，好的瓷器是对茶的解读，也是好茶传播的重要载体，为了给千年难遇的顶级兰花茶“王者之香”寻找到一个能够读懂它的顶级瓷器，专家们带着这一使命专程奔赴景德镇，历时半年有余，经过数十次的推翻与重造，终于通过中国顶级瓷器茶具收藏品牌——九段烧的首次量身定做，诞生出一套王者之香“雅藏”系列专用茶具。
这将是一场茶都与瓷都文化的完美对话。“王者之香”雅藏系列专用茶具细腻的质地、独特的设计与巧夺天工的制作，再次将景德镇瓷器产业提升到了一个前所未有的高度；更重要的是，承载着“王者之香”中所蕴含的成都数千年茶文化精髓，传播到世界各地。
第一回
当兰遇上茶“王者之香”诞生
国香、国饮、国瓷，在中国几千年的历史文化中，代表着中华文明的精髓和国人的智慧与性情，深入到生活的方方面面，成为了雅俗共赏之物。
为了让国香、国饮与国瓷能完美地结合一体，成都民企——四川省花秋茶业有限公司决定担此重任。于是，以顶级兰花与千年古茶完美结合的“王者之香”诞生了。4月15日，顶级兰花茶“王者之香”的封坛仪式在邛崃花楸山举行。六位大师分别将“王者之香”郑重地装入坛中。
“王者之香”是资深兰花专家和资深茶学专家经过多年的潜心研究创新而成的一个独具特色的珍稀花茶品种，选用优质、名贵、清纯、高雅的兰草鲜花和高山野生生态高档绿茶，采用传统窨花技术和现代茶叶加工新技术相结合的方法制作而成，其突破了还原兰花的生态放香技术，使之与绿茶相互融合，是品极茗和赏国花的最佳姻缘和至佳境界。
这是目前茶界第一批顶级兰花茶，由于其两大原料中使用的珍贵兰花品种只见于幽深山谷之中，非常稀有；而茶更是只能取自于邛崃花楸山上的野生高山茶树王，因此，仅有1000套限量供应。据悉，在5月下旬开坛前期只有100套投放市场。届时，“王者之香”将一套难求。
国香与国饮的缘份，在中国文化中均可找到出处。儒家以兰与茶为君子之道，可以清心雅志；佛家以兰与茶为禅之道，可以明心见性；道家以兰与茶为自然之道，可以修身养性。因此，“王者之香”不仅仅是一款有着极好口味的高端商品，它更承载了千百年兰与茶的中国传统历史文化。
茶之味发于水，茶之道行于器。5月下旬，这六封顶级兰花茶就将破坛而出，作为中国名贵稀有的茶中珍品，需要怎样的瓷器才能承载王者之香鲜嫩幽香的品质、传播其深厚独特的人文精神？
于是，半年之前，专家们就踏上了为“王者之香”的寻找国瓷之旅，而中国瓷器第一镇——景德镇自然成为此行的主要目的地。
第二回
为“王者之香”“九段”首次破例
经过不断的寻访，专家们在景德镇遇到了九段烧窑主段镇民先生。这位瓷器界的大师一直以来坚持手工绘瓷的原则，将中国传统历史文化蕴含到符合现代审美观的图案中；同时通过工艺创新，创造出目前业界无人可以比拟的甜白釉精品瓷具。
这不正是“王者之香”所要求的高品质吗！专家们非常欣喜。然而，坊间都清楚，段镇民先生从不为任何人订制瓷器，“王者之香”能有这个例外吗？
令人们没想到的是，恰恰是“王者之香”，让段镇民先生破了例。
听闻“王者之香”寻找相配的瓷器一事，同样爱茶的段镇民先生到成都考察，对成都的茶文化和王者之香进行了全面了解。段镇民先生发现——
从历史文化上讲：成都是茶叶发源地，景德镇是中国瓷器第一城，一个为茶都、一个为瓷都；
从产业上讲：“王者之香”无疑是成都茶产业的顶级代表之作，而九段烧同样也是景德镇茶具的顶级收藏品牌；
从理念上看：“王者之香”富有创新精神，同样，创新精神也是九段烧为人们所赞扬的重要因素，正是基于两家企业共同的文化理念和社会责任感，有了“花秋”与“九段”的深度合作，也有了“王者之香”整体完美的呈现；
从本身价值上来看：“王者之香”是千年古茶与珍稀兰花经特殊加工工艺窖制而成，其珍贵不言而寓；而景德镇“九段烧”瓷器以“白如玉，薄如翼，明如镜，声如磬”的特点，成为中国瓷器工艺美术的最高境界。
如果“王者之香”与“九段烧”结合，无疑将带来一场茶都与瓷都的对话，这也是中国精致生活的回归，将把中国茶文化与中国陶瓷文化带到一个新的高度！
不是亲眼所见，无法想象设计的难度如此之大。以往的茶具使用的是亮瓷，不太符合“王者之香”沉稳的气质，所以最初大家尝试使用磨砂，然而，烧出的磨砂茶具手感却不够光滑，马上就被否掉，经过反复研究和工艺上的改进，最终烧出了手感温润如玉的哑光甜白釉。在器型的设计上，几易其稿，普通的器型到加入铂金；在瓷质的选择上，从影青杯再到独创青衣杯……次次以失败告终，次次又推倒重来……
将近一年的时间，在景德镇九段烧的窑中，反复设计、反复烧制、又反复毁掉……设计过程遇到了一个又一个意想不到的困难，每一个设计样品的制作都需要七十二道工序，每一次毁掉的都是段镇民和窑内画师、工人们的心血。在这一年的时间里，除“王者之香”的设计样品外，九段烧的窑无法烧造任何一件瓷器，等候“九段”瓷器的人们在窑外排起了长队，无奈更是不少人在镇上宾馆住下，等着九段烧重新开始烧瓷。为此，段镇民先生和九段烧放弃了极其宝贵的时间与巨大的经济利益。然而，正是因为“王者之香”的精神感染了每一个参与者，最终，完美无缺的器型、瓷质和图案在今年“五一”之前确定下来。5月2日晚，随着九段烧窑炉的轰然开启，最终呈现在大家面前的，是一套数十年难遇的精品！
第三回
当兰茶遇上瓷雅藏精品终面世
且说上回，炉门一开，所有的人都瞪大了眼睛、秉住了呼吸——这哪里是瓷啊，明明是一块又一块通透、洁白、温润而又经过了精心雕磨、描着生动图画的玉！
当段镇民先生小心翼翼地将出炉的这套7件“王者之香”专用瓷具端出时，一幅绝美的画面展现在我们面前：
绘有生动“孔子赏兰图”的茶罐
“孔子赏兰图”，体现了“兰为王者之香”的核心思想。同时也为了承载和传播王者之香蕴藏着的中国千年儒家文化思想。
与“王者之香”兰花茶品牌相配
源于孔圣人对兰花的评价。孔子酷爱兰花，有兰为王者香之语。此言含义一是兰香为香中之王，二是兰只为王者而香。
绘有“暗八仙图”的盖和“八仙图”的碗盖使用“暗八仙图”，碗使用“八仙图”，体现了“王者之香”饮者的精神境界。
以甜白釉制成的僧帽壶（公道杯）
甜白釉瓷给人以温柔甜净之感，所以称为甜白，素有“白如凝脂，素犹积雪”之誉，这种高质量白瓷，可以很好地衬托出“王者之香”的色、香、味；其工艺难度也很好地体出了“王者之香”的珍稀与来之不易。
为“王者之香”独创的青衣杯（品茗杯）
使用了为“王者之香”独创的“青衣杯”，再现“王者之香”的大“雅”品质。
“青衣”在传统的典籍中代指儒生，在戏曲中为端庄美丽的女子，亦如兰花与茶所拟喻的高洁雅致的君子与蕙质兰心的女子。兰花茶的品茗杯巧妙地将景德镇传统的青釉与白釉结合，外青内白，取“青衣”之义，令人在品兰花茶的幽香甘醇之间，雅意顿生。
结语
素瓷传静夜，芳气满闲喧。“王者之香”代表的茶道精神有六个字：国，芳，清，雅，慧，仁。其核心乃雅字。雅，君子之道也。即正道，大道。极其珍贵的茶一定需要特别定制的器皿，便于茶本身的品鉴和保存，更为重要的是透过定制的瓷器将王者之香及王者之香所传递的茶道精神予以实现。由“九段烧”首次破例定制的这套“王者之香”专用茶瓷（器），因此被称为“王者之香雅藏系列”。
专家感概：这是一套根据王者之香兰花茶茶性特点以及文化内涵专门研发的一套全新器型，由此，国茶、国香、与国瓷文化终于完美地结合在一起，这套蕴含着千年中国茶与瓷文化的珍品，将带着王者之香气，传遍全世界。
唐三彩灯：器型较罕见 华彩映盛世
“唐三彩能诠释那个时代的富庶与繁盛，珍藏在洛阳博物馆的唐三彩灯，通体施绿、棕、白三色釉，华彩绚丽，技法超群，工艺考究，不仅是唐三彩中极为罕见的艺术瑰宝，还是大唐盛世的真实写照。”
唐三彩
有人说，唐三彩更能诠释那个时代的富庶与繁盛。珍藏在洛阳博物馆的唐三彩灯，通体施绿、棕、白三色釉，华彩绚丽，技法超群，工艺考究，不仅是唐三彩中极为罕见的艺术瑰宝，还是大唐盛世的真实写照。
器型罕见釉彩斑斓
在洛阳博物馆宽敞的展厅内，陈列的三彩俑精品不胜枚举，其中的三彩莲花灯，被评定为国家一级文物。
“唐代流传下来的唐三彩器物比较多，但三彩灯较罕见。”洛阳博物馆副馆长高西省说，目前国内发现的三彩灯，其顶部多是烛台，是用来放蜡烛的，而这盏唐三彩灯顶部有一个盏，倒入油，加上灯芯，就可以使用了。它是国内目前发现少有的顶部为灯盏的唐三彩灯。
唐三彩莲花灯
莲花灯器型端正，釉色斑斓，由灯盏、灯柱和灯座三个部分组成。最上面是灯盏，它由盏碗、莲花瓣盏托和托盘组成，内外均匀施有棕、绿、白三种釉色，像一朵盛开的莲花，造型十分优美。托盘下面是竹节状的灯柄，中部饰仰覆两朵荷花，两侧点缀多周连续小圆圈纹，被放置在一个倒扣的碗状底座上，底座上还有宝相花和力士的纹饰。
多元文化盛唐华彩
在唐代以前，陶瓷器多为单色釉。唐代时期，多彩的釉色和纹饰在陶瓷器物上同时得到运用，这是经济发达、文化融合、中外交流的折射。
莲花灯用色鲜艳逼着
该灯盏上的莲花造型、灯座上的宝相花和力士纹饰，均源自佛教。莲花，代表净土，象征纯洁;宝相花被视为佛像庄严之相，有“宝”“仙”之意，以某种花卉（如牡丹、莲花）为主体，加入其他花卉的形状结合而成;力士，是佛教中守护者的形象。这些造型、纹饰，都是流行于盛唐的装饰纹样。
高西省介绍，这件唐三彩灯虽然“个头”不大，通高44.5厘米，座径仅22.6厘米，但淋漓尽致地展现了盛唐时期开放、自信、包容的风貌。
之青花瓷鉴别技巧get
之青花瓷
之青花瓷鉴别技巧，青花瓷又称白地青花瓷，常简称青花，是中国瓷器的主流品种之一，属釉下彩瓷。青花瓷是用含氧化钴的钴矿为原料，在陶瓷坯体上描绘纹饰，再罩上一层透明釉，经高温还原焰一次烧成。钴料烧成后呈蓝色，具有着色力强、发色鲜艳、烧成率高、呈色稳定的特点。原始青花瓷于唐宋已见端倪，成熟的青花瓷则出现在元代景德镇的湖田窑。明代青花成为瓷器的主流。清康熙时发展到了顶峰。明清时期，还创烧了青花五彩、孔雀绿釉青花、豆青釉青花、青花红彩、黄地青花、哥釉青花等衍生品种。
青花瓷之唐青花鉴定
唐青花鉴定技巧和方法 唐代的青花瓷器是处于青花瓷的滥觞期。现在能见到的标本有20世纪70—80年代扬州出土的青花瓷残片二十余片；香港冯平山博物馆收藏的一件青花条纹复；美国波士顿博物馆收藏的一件花卉纹碗；丹麦哥本哈根博物馆收藏的一件鱼藻纹罐；南京博物院收藏的一件点彩梅朵纹器盖。通过对扬州出土瓷片的胎、釉、彩进行研究，并对唐代巩县窑的物质和技术条件进行分析，初步断定唐青花的产地是河南巩县窑。近年来在巩县窑窑址出土了少量青花瓷标本，由此进一步确认了唐青花的产地就在河南巩县窑。
青花瓷之宋青花鉴定
宋青花鉴定技巧和方法 纹饰有菊花纹、圆圈纹、弦纹、线纹等。青花发色前一处的较浓、发黑；后一处的较淡。发色较黑者，应是外罩透明釉太薄的缘故。浙江省本身就有着丰富的钴土矿，这些青花瓷应该就是使用了本地的钴料。
青花瓷之元青花鉴定
元青花鉴定技巧和方法 元青花的纹饰最大特点是构图丰满，层次多而不乱。笔法以一笔点划多见，流畅有力;勾勒渲染则粗壮沉着。主题纹饰的题材有人物、动物、植物、诗文等。人物有高士图(四爱图)、历史人物等;动物有龙凤、麒麟、鸳鸯、游鱼等;植物常见的有牡丹、莲花、兰花、松竹梅、灵芝、花叶、瓜果等；诗文极少见。所画牡丹的花瓣多留白边;龙纹为小头、细颈、长身、三爪或四爪、背部出脊、鳞纹多为网格状，矫健而凶猛。辅助纹饰多为卷草、莲瓣、古钱、海水、回纹、朵云、蕉叶等。莲瓣纹形状似“大括号”，莲瓣中常绘道家杂宝;如意云纹中常绘海八怪或折枝莲花、缠枝花卉，绘三阶云；蕉叶中梗为实心(填满青料)；海水纹为粗线与细线描绘相结合。
青花瓷之明清青花鉴定
明清青花鉴定技巧和方法 明清时期是青花瓷器达到鼎盛又走向衰落的时期。明永乐、宣德时期是青花瓷器发展的一个高峰，以制作精美著称；清康熙时以“五彩青花”使青花瓷发展到了巅峰；清乾隆以后因粉彩瓷的发展而逐渐走向衰退，虽在清末(光绪)时一度中兴，最终无法延续康熙朝的盛势。总的说来，这一时期的官窑器制作严谨、精致；民窑器则随意、洒脱，画面写意性强。从明晚期开始，青花绘画逐步吸收了一些中国画绘画技法的元素。
盈盈一握间的艺术感 之斗彩鸡缸杯
·斗彩鸡缸杯
斗彩鸡缸杯是在直径约八厘米的撇口卧足碗外壁上，先用青花细线淡描出纹饰的轮廓线后，上釉入窑经1300度左右的高温烧成胎体，再用红、绿、黄等色填满预留的青花纹饰中二次入窑低温焙烧。外壁以牡丹湖石和兰草湖石将画面分成两组，一组绘雄鸡昂首傲视，一雌鸡与一小鸡在啄食一蜈蚣，另有两只小鸡玩逐。另一组绘一雄鸡引颈啼鸣，一雌鸡与三小鸡啄食一蜈蚣，画面形象生动，情趣盎然，后世多有仿制。
·斗彩鸡缸杯
成化斗彩鸡缸杯为明代成化皇帝的御用酒杯，烧造时因帝王之家的高要求，成品率不高，上品供奉宫廷，次品则被销毁，因而流传到民间的数量极少。在古代瓷器收藏家之中就已经流传这样一句话：“宁存成窑，不苟富贵。”另在《万历野获篇》中则有“成窑酒杯，没对至博银百金。”成化官窑瓷器受人追捧程度可见一斑。
·斗彩鸡缸杯
自明代以来，鸡缸杯便被视为千金难买。成化鸡缸杯曾于1980及1999年拍卖，均刷新中国瓷器世界拍卖纪录。类似在1999年在香港苏富比上拍出2917万港元，刷新了中国瓷器世界拍卖纪录。鸡缸杯，即饰子母鸡图之盛酒小杯，环绘公鸡偕母鸡领幼雏觅食。子母鸡图，早兴于宋朝，然画于瓷上，则从成化开始。由于鸡缸杯色彩缤纷鲜明，绘画率真可人，被业内称为神品。
