沙画表演是一门神奇的艺术，一种前卫高雅的艺术表现形式，最早由来自匈牙利的世界著名沙画大师FerencCako所创造。它是指在白色背景板上现场用沙子作画，并结合音乐通过投影展现在屏幕上。沙画具有的那种独特的表演魅力，能使现场观众进入梦幻般的感觉和前所未有的视觉享受。沙画艺术是21世纪刚刚兴起的一种与舞台艺术相结合的表演形式，突破传统艺术，创意神奇、画面绝美，配合优美的背景音乐，天衣无缝的表演令人震惊。沙画可以根据各种题材创作，从画面的不断变换到最后公司LOGO或产品形象的演变过程，创意独特，技法熟练、浑然天成，能表现特定主题。我国传统文明能够说是博学多才，如何用沙画演绎我国传统绘画艺术以及各种文明精粹能够说是一个十分难可是是一件十分有意义的工作。我国传统文明能够说是面十分广，包括山水水墨画，陶瓷，茶叶，岩画，剪纸，年画，修建，我国书法。用沙画不可能一一的悉数写意出来，咱们就特意选择了一个分支-陶瓷，来演绎。陶瓷艺术已经有几千年前史，一向伴随着我国民族的生长，我国英文简称“china”都是从陶瓷而来。沙画作为新式的动态艺术，完全是靠沙画师个人的策划和了解来演绎我国的陶瓷文明（陶瓷的前史，由来，开展）。再用沙画演绎陶瓷艺术的过程中，咱们也收集了很多的材料，来了解咱们的文明，然后才干非常好的用沙画来演绎，让观众能够在赏识沙画的同时，感同身受，来感触咱们的文明，学到知识。沙画和陶瓷的联系是十分有代表性，能够说是西方艺术与我国文明的联系，取其精华，来直观的传达咱们的文明厚重感。咱们信任沙画扮演和我国传统文明联系对遍及传统文明有十分重要的意义。今后还会有更多的沙画师以及更多的行业会有各种形式和方法来演绎咱们的文明，信任不久的将来，咱们会看到愈加昌盛的中华文明。
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人物画与陶瓷的结合
我想在每个人的人生中都有他喜欢做的事，把它称之为爱好也好，事业也罢，都是值得我们为之疯狂的。我很庆幸自己也拥有这样一件令我为之痴迷的事—绘画。而且在众多绘画种类中，画人物画是我的最爱。开始画纸上每个人物的表情那是一种情趣的释放，再后来无意之中我接触到了瓷器，于是我就开始在瓷器上作画，将瓷器与人物画的结合激发了我艺术创作的无限激情，并从此成为了我钟爱的艺术表现形式，我以后的艺术生涯也会为此而努力。
1.人物画的出现
人物画，绘画的一种。以人物形象为主体的绘画之通称。中国的人物画，简称“人物”，是中国画中的一大画科，出现较早的是山水画、花鸟画。大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画要求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。
在我的人物画中，对五官的描绘更加突出，大都细致地描绘了当时他们所表现的情感，记录了最真实的瞬间。不仅如此，在绘画的同时，画家大都会运用一些装饰色彩，它会使绘画增加真实感和逼真感。这样的绘画作品才更加深入人心。
2.陶瓷彩釉的出现
我们的祖先在长期的实践中发明了陶瓷，陶瓷是陶器和瓷器的总称，早在公元前8000多年前的新石器时代我们的祖先就发明了陶瓷。人类自开始制作陶瓷后，各方面都发生了深刻的变化，陶瓷器的发明不仅解决了人们的生活需求，还提供了艺术的享受。在现代生活中陶瓷得到了更多人的青睐，现代的流行因素也为创作者提供了更多的创作灵感。在陶瓷制作初期，瓷器被人类用来当作工具使用。经过历史的变迁，陶瓷越来越受到人们的喜爱，花色品种也越来越多，人们也不仅局限在它的使用价值上。在科学、技术的发展中陶瓷已扮演重要角色，这点在陶瓷的图案上就有明显的显示。现代的陶瓷有粉彩、新彩、颜色釉、釉里红、斗彩、青花、釉下五彩、综合彩、玲珑瓷等多种表现形式，每一种都有独特的韵味。在我的陶瓷艺术作品中，我喜欢将绘画与陶瓷相结合，这样的陶瓷作品就被赋予了全新的生命力。
3.人物画与陶瓷的结合
人物画与陶瓷的结合是一次伟大的艺术创新，将形神兼备的人物形象完美地同洁白如玉的瓷器相结合，这不是艺术的衰败而是艺术的改革。无疑，这样的结合带来了艺术的全新风暴。在陶瓷最开始出现时期，人们将瓷器作为使用工具，随着时代的发展人类的生活越来越丰富，瓷器不仅仅局限在使用价值上，也逐渐被人们用来作为装饰用品，同时促进了陶瓷的发展。在这种背景下，陶瓷与人物画的结合更加受到人们的追捧，在新文化运动时期迅速发展，鼎盛一时。瓷上人物画，往往是对人物的描写越具体深入就越有把握用笔墨去概括和提炼。正因如此，现在的陶瓷人物画都是可以按照人们的喜好来作画的，这样的作品更加传神，有灵性，也更受人们喜爱。
人物画讲究协调统一， 因此在创作釉上人物瓷画时也可以适当地添加一些景物或事物，这样可以使得图案更加生动有趣，在客人有要求时也可以更好地满足他的要求，以便于他对此时情感的更好抒发。这样的绘画作品在与陶瓷相结合后就会成为一个更完美的作品，因为它体现了人们对精神层次的更高追求。
4.艺术情感的追求
艺术是人类以情感和想象力为特征来把握和反映世界的一种特殊的方式。即通过审美创造活动再现现实和表现情感理想，在想象中实现审美主体和审美客体的互相对象化。具体地说，它是人们现实生活和精神世界的形象反映，更多的是人们对精神世界的追求。
在现代生活中，人们的生活水平越来越高，在满足温饱问题之后人们对精神的追求也越来越重视，艺术情感是追求自由的感情，也是现代人所需要的，生活水平的提高也体现在了人们对艺术的更多追求，对艺术追求的同时人们精神生活也得到了提高。精神世界，是人生命中重要部分和生命状态的重要表现。精神世界的富有可以让人们的内心深处拥有安全感和归属感，这是一种凌驾于生命之上的一种情感，是我们每个人值得追求的一种感情。在创作过程中，我一直在寻找着这种情感，我希望我对生活的理解，对生命的敬仰能在我的艺术作品中得到淋漓尽致地体现，也希望这些作品能在情感上引起大家共鸣。
从我学会创作的那一刻起，我就一直在追寻着一种乐行天下，看淡万物的情怀。对于每一件作品，我都想让它超脱世俗；每一个人物，都赋予它自由乐观的信念。在现实生活中我们也许会遇到这样或那样的困难，但我一直坚信：只要我们乐观坚强，就会山穷水尽疑无路，柳暗花明又一村。我每创作一件作品，都会尽力去传递这种乐观，向上的正能量。这种力量也一直激励着我，鼓舞着我，同时我也希望它能感染更多的人。这样才会觉得我的作品是有价值的，有生命力的，也就愈发激发我的创作热情。
人物画与陶瓷的结合完成了一种新的艺术形式的转变，是对历史的传承与改进。它不仅丰富了瓷器的种类，也为人类生活带来了精神上的满足。在历史的长河中，我们已经孕育了足够的智慧来提升我们生活的质量，我们的生活也会越来越完美。
禹州神垕钧瓷文化地位简析
禹州神垕镇，“中国钧瓷之都”，是位居“中国五大名瓷”之首的钧瓷的发源地，它以盛产“入窑一色、出窑万彩”的钧瓷而闻名于世，至今已有1300多年的烧制钧瓷的历史，有着深厚的历史钧瓷文化积淀。早在夏商时期，这里的先民就从事农耕和冶陶，宋代时期已成为北方陶瓷中心，盛极一时，当时流传民谣“进入神垕山，十里长街观，七十二座窑，烟火遮住天，客商遍地走，日进斗金钱”。历史上因陶瓷兴盛、钧瓷御用而致使神垕地名被四次皇封，厚重的钧瓷文化孕育了神垕古镇。神垕地处山区，自然资源丰富，有“南山煤，西山釉，东山瓷土处处有”之说。据生产实践证实，烧制钧瓷如果离开这些条件，在任何地方都不会成功烧制钧瓷。至于其他地方烧制的仿钧，大家还是要注意甄别！
钧窑是我国宋代五大名窑之一，与汝、官、哥、定诸窑并驾齐驱。而钧瓷造型端庄，窑变美妙，色彩艳丽，五彩缤纷，故为诸窑之首。
钧瓷的名贵缘由
钧瓷的名贵在于其独特的窑变，其窑变釉色是自然形成，非人工描绘，每一件钧瓷的釉色都是唯一的，独一无二的，即“钧瓷无双 ”，钧瓷以其神奇独有的“自然窑变”艺术，创造出绚丽缤纷、千变万化的钧瓷神韵来。同施一种釉，一经烧制即呈现出色彩斑斓、乳光交融、变幻无穷且特点各异的产品来。故称“入窑一色、出窑万彩”，是人意不可为的浑然天成，恰似：“月夜望星空，晖晕自然成”。在钧瓷的四大美“神奇妙绝”中居首位。
钧瓷的赏析
其釉透、活，胎质精纯，坚实细腻，叩之声园润悦耳，清脆动听；观之形端庄优美，古朴典雅，它的釉变色五彩缤纷，璀璨夺目，浑然天成，构成一幅幅神奇的图画，如寒鸦归林，夕阳残照，高山云雾，峡谷飞瀑，伯牙抚琴等等。这些釉变画，千变万化，意味无穷，具有非常耐看的魅力，名人曾用“出窑一幅元人画，落叶寒林返暮鸦 ”“入窑一色，出窑万彩”“雨过天晴泛红霞，夕阳紫翠忽成岚”“峡谷飞瀑菟丝缕，窑变奇景天外天”等来形容钧瓷窑变之妙，民间有“钧与玉比，钧比玉美，似玉非玉胜似玉”、“黄金有价钧无价”，国外更有“雅堂无钧瓷，不可自夸富”、“纵有家财万贯，不如钧瓷一片”之说。
钧瓷的发展简史
钧窑创烧于唐，兴盛于宋，复烧于金元，延至明清仍继续仿制，历经千年而盛烧不衰，形成了一个庞大的钧窑系。（参考：关于钧窑瓷器始烧年代问题的探讨）迄今为止，在禹州境内已发现北宋钧窑遗址多达40处，尤以神垕镇大刘山下最为集中。禹州现存最早的《钧州志》中说：“瓷窑在州西大刘山下”。在禹州市神垕镇下白峪村和苌庄乡等地，先后出土黑、褐釉高温窑变花瓷，被陶瓷学家称为“唐钧”，它是宋代钧瓷的先声。唐玄宗曾立令 “ 钧不随葬 ” ；宋徽宗时又成为御用珍品，诰封 “ 神钧宝瓷 ” ，每年钦定生产36件，禁止民间收藏，所以现在墓葬出土的钧瓷文物也甚为稀少。目前世界著名的博物馆虽有收藏，为数也寥寥无几。目前存世完整的古钧瓷不足百件。宋“靖康之变”(1126年)后，宋室南迁，官钧窑停烧，钧瓷一时受挫。到金、元时代，钧瓷有了新的发展，各地争相仿制，风靡一时，钧窑播火全国。元末明初，因战乱和灾荒，钧窑生产渐衰。明、清时期，制瓷中心南移，北方诸名窑衰退，钧窑也基本停烧。清朝晚期，钧瓷复苏。到光绪三十年(1904年)，神垕镇烧制钧瓷者已有10余家。民国年间，因战乱、灾荒频繁，钧瓷生产举步维艰。至民国三十一年( 1942 年)后，因大旱和政局混乱，艺人外流，钧瓷生产趋于停产状态。新中国成立后，在国家领导人的支持下成立国营钧瓷一厂、钧瓷二厂复烧钧瓷，此后，钧瓷频频作为国礼赠送给外国友邦，这也是所有其他瓷器所没有的殊荣。
钧瓷的烧制工艺
钧瓷的烧制是一种复杂的高难技术，前后整个钧瓷烧制共计七十二道工序，其中高温釉色窑变的还原程度很难控制；加上过去由于使用的是松木窑（柴烧），窑温难以达到均衡，从而影响到钧瓷釉彩的成色，在烧制过程中有70%的产品会报废掉，而其中的珍品则更为罕见。现代工艺中因为需求及审美的改变及要求提高，对钧瓷实行评级制，分为珍宝级、珍品级、精品级、合格级四个级别，具体可参看：禹州钧瓷评级标准及质量分级图表.
《海公子》：影像与陶瓷的完美结合
瓷做的鬼片《海公子》
《海公子》为当代陶瓷创作提供了新思路。用影像方式呈现陶瓷雕塑，所有造型、纹理、光泽，甚至是瓷器的呼吸感都能在1080p的画面中充分展示。
海公子的舌头探入张生的鼻孔，所到之处内脏躁动，鲜血沿着清亮的躯体滑落，瓷器破裂的声音回荡在整个小岛……
若是有展览分级制度，“海公子——耿雪个展”怕是要被列入限制级。在零艺术中心的展览现场也确实有这样的提示：儿童需在成人陪同下入场。
“情色、暴力、唯美、神经质”，“后背发凉”，“有种病态的美”……艺术家耿雪的新作品《海公子》收到太多类似评价。被《海公子》的阴郁气质吸引，参观者站在大屏幕前欲拒还迎，女人们用手遮住眼睛，却忍不住透过指缝小心地瞄上几眼。在中央美术学院美术馆里，《海公子》是一个独立的世界。
《海公子》是蒲松龄《聊斋志异》中的一个故事。张生泛舟独游小岛，艳遇妩媚娼妓，温存之际蟒蛇出现，重伤张生。耿雪用青花瓷将故事视觉化，创作了张生、美女、蟒蛇，以及小岛上的一花一草。而后以电影短片的形式讲述整个故事，青花瓷的阴冷气质与《海公子》相得益彰，耿雪在展现作品和电影叙事间找到了精确的平衡点。
《海公子》飘渺又神秘的气质刚好贴合瓷的质感。
2014年对耿雪很重要。今年，她第二次从中央美术学院毕业(研究生)，毕业作品《海公子》广受关注，举办了个展“海公子——耿雪个展”。
“《海公子》帮我冲破了艺术表达的瓶颈，对我个人来说，它是我整个创作线索中的一个重要的作品。”耿雪说。
将影像与陶瓷艺术相结合，这个想法是从去年夏天开始酝酿的。当时，耿雪正在德国卡尔斯鲁厄艺术设计学院交流学习。卡尔斯鲁厄以设计和多媒体专业著称，耿雪正是从那里开始了自己的影像创作实验。
“在那边拍了一些东西，回来后还是想继续拍一些和自己相关的。”耿雪的本科专业是雕塑，从大学时起，陶瓷就是她最主要的创作材料，“要是能把瓷和电影这两种东西结合就好了，之前似乎也没人深入完整地做过。”
在耿雪看来，各领域细分如此精密的今天，独立的艺术形式很难找到突破口，而艺术形式之间的嫁接却是发掘新艺术语言的契机。这也与她一直以来不断“跨专业”的背景有关，从绘画到雕塑，再到研究生阶段的版画和影像。
确定了创作形式，耿雪开始构思剧本。“先是自己画剧本，整体风格偏意向，更意识流。”创作之初，耿雪对故事没有清晰的把控，在反复的讨论、揣摩和实验后思路才慢慢清晰：“毕竟不是一个纯粹的影像实验，还是需要情节支撑，所以选了《海公子》这个故事。”
在《聊斋志异》中，《海公子》并不是最耳熟能详的。之所以选择它，是因为“要在创作中保持分寸，故事太强太熟悉会吃掉陶瓷和雕塑语言。”《海公子》是个完整的故事，却又不那么讲究逻辑，其中飘渺又神秘的气质刚好贴合瓷的质感。
耿雪在景德镇有个工作室，她在那里花了半年时间制作拍摄《海公子》所需的人物和场景道具。作品沿袭了她一贯的创作风格，小巧而干净，唯美却不甜腻。
“制作过程中就在尝试布光，尝试拍摄，希望找到一种方式，能够更好地呈现陶瓷的质感和神韵。”2013年12月底，耿雪回到北京，在十几个朋友的帮助下，开始集中拍摄《海公子》。“尽量按电影的品质去拍，定格动画每秒12帧，白天拍摄，晚上倒片子修图。”绝大部分拍摄是在耿雪北京工作室的地下室完成的，一小部分画面需要海水，他们就搭了个水池，“实景”拍摄。
整个作品花费10万元左右，耿雪都是自掏腰包。为了节约开支，欠了很多人情债，找了一群朋友帮忙，还被迫从一个只会用相机自动档的技术盲成长为会拍摄、会布光、会剪辑的独立电影创作者。
耿雪迷恋中国传统文化，尤其是那种“有点小扭曲，精致到病态的文化”。
夏彦国是耿雪“海公子”个展的策展人，也是她的同学和多年好友。在此之前，夏彦国一直有个心愿，或者说有个承诺，那就是为耿雪策划一个展览。
“说来不可思议，我在作品还没完成时，就和夏彦国说，今年我有个作品，会很好，希望做一个个展。更不可思议的是，他就这么答应了。”耿雪有过不少做展览的机会，但她一直拒绝，直到《海公子》出现，她才觉得自己准备好了。
“《海公子》解决了我的作品呈现问题。”耿雪的陶瓷雕塑都是小件，容易淹没在大空间和大型装置作品中，“这也是我不太喜欢参加各种群展的原因。”
不仅是耿雪的个人作品呈现问题，《海公子》也为当代陶瓷创作提供了新思路。用影像方式呈现陶瓷雕塑，所有造型、纹理、光泽，甚至是瓷器的呼吸感都能在1080p的画面中充分展示。在特写镜头下，小作品被放大了，却又不是单纯的放大，在气质相契合的故事情节和背景音乐的衬托下，作者把对瓷的理解表达得更生动、准确。
大学以来，耿雪一直坚持以瓷作为创作材料。她的本科毕业作品《韩熙载夜宴图的一种表述》就曾引起关注，是当年最优秀的毕业作品之一。离开校园后，耿雪并没有积极融入国内的艺术圈和名利场，她不断申请驻地艺术家项目，先后在日本、韩国、英国、德国等地游走，按自己的节奏创作和生活。
“耿雪对自己的定位特别清晰，她清楚自己要做什么样的艺术家。”夏彦国说。
这一点，在她对创作材料的选择上就可见一斑。大学三年级第一次接触瓷器，耿雪就与这种从大地上生长出的材料一见钟情。“它经过高温，表面寒凉，这种冷冷的质感是我喜欢的。”就像从作品中看到的那样，耿雪迷恋中国传统文化，尤其是那种“有点小扭曲，精致到病态的文化”。
“日本的文化很细腻，有个朋友告诉我，他们有个词汇，专门用来描述‘光线透过叶子洒在地上的光斑’，那种美感和想象空间很吸引我。我们的传统文化里是有这种东西的，以前，我们有精致的古汉语诗词，我们玩砚台，玩瓷器，到了极致时都有些病态，我觉得这种病态是情感和审美敏感到了一种极致，而出现了难以言说的特别高级的东西。”耿雪说。
所以，她始终在自己的作品中寻找新的语言来表达这种难以言说的东西。在《上河图》中，表面热闹祥和的古代城市街景中暗设了断桥、挂满人头的树和贩卖人头的手推车。“我在那个作品里藏了很多血腥暴力的东西，是一种焦虑感。但由于太精细，很多人没能发现，还觉得作品挺漂亮。”
《海公子》恰恰解决了这个问题。它让耿雪作品中那种混杂着敏感与焦虑、唯美与阴暗、个人情感与文化追溯的复杂性找到了与受众沟通的途径。“之前的作品一直包着，现在终于敞开了。”耿雪说。
《海公子》还没有剪辑完成时，2分40秒的宣传短片已经被耿雪挂在了网上，并在几天内得到几万的点击量。同时，这个宣传片还参加了在今日美术馆举办的“st.art就地出发——中国当代陶瓷艺术国际大展”，在展览上备受关注。
策展人子贺常驻景德镇，专注于研究中国陶瓷的现代性课题。尽管近年来一批中国当代艺术名家跑去景德镇建工作室，但他们的加入并未给陶瓷当代艺术找到新的表达方式。“整个陶瓷艺术还停留在陶瓷器物装饰以及实物艺术的范畴，现代陶艺仅仅是现代主义美学的一个材料补充，它并不是主体。”
他希望通过“就地出发”这个展览探讨陶瓷与当代艺术的关系，将陶瓷艺术从西方语境、工艺品和实物状态中解放出来。而耿雪的作品符合他的诉求：“她有东方魔幻主义的东西，她没有在用影像做观念，也不是在用陶瓷做观念，她的尝试不是西方美学系统可以阐述的，这正是《海公子》的价值所在。”
