雕塑是城市的文化旗帜、精神亮点、审美标识。大同提出“中国雕塑之都”的命题，大家可能有这样的疑问，大同凭什么提这样一个文化战略与思考？首先来源于大同几千年历史积淀的文化选择。大家知道，大同从赵武灵王封疆拓土开始，已有2300年的历史，做过北魏都城、辽京陪都，创造了两个划时代的文化高峰。其中，云冈石窟是历史上首个由国家组织的大规模的雕塑工程，是中西文化在那个时代的创造。北魏时期最优秀的文化都集中在大同。可以说，大同的雕塑文化是前无古人，是一个时代的文化顶峰。文脉的基础、历史的基因、历史的积淀，我们文化的身份让我们选择了雕塑之都。
其次，是我们打造特色城市战略的必然要求。在城市集体无个性，千城一面的时代，我市不希望被平庸所淹没，而是希望以特色化的创造在城市建设中独树一帜，走向全国、走向世界。在此，我们要提到梁思成先生。他当年在大同进行了20天的调查，给我们今天对历史的恢复提供了基本依据。他整旧如旧的思想和浑然一体的修复理念给了我们指导。在“梁陈方案”的启迪下，我市提出“一轴双城”的城市建设理念，“跳出古城求发展，立足古城搞保护”。文化是我市最大的特色。一个有个性特色的城市，一定是有文化的城市；一个有文化的城市，一定是有雕塑的城市。雕塑是构成城市文化的基本元素。有雕塑精品，才有城市文化的气场，城市文化的重量，城市文化的张力。
雕塑文化具有地域性、审美性、时代性和标志性的特征，具有其他文化现象不可替代的精神感召力、思想渗透力和艺术影响力。雕塑文化是地域文化价值链中的高端部位。地域文化作为一种文化形态，是历史文化的长期积淀，是一方水土养一方人的独特精神创造。城市雕塑伴随城市文化在历史的长河中发展，本身就是在一个特定地域文化空间中生成的历史范畴。地域文化是城市雕塑的灵魂和生命，离开地域文化，城市雕塑就失去生命的根基。雕塑文化性格体现地域文化的基本特征，必须与城市的地域文化生态相融共生。
雕塑文化作为一种伟大的艺术创造，具有独特的审美价值。雕塑让城市更精彩。精美的雕塑令人赏心悦目，给人以艺术的享受、精神的陶醉、理想的追求、情怀的表达。一座城市的独特魅力在于人文关怀，需要温馨愉悦的文化载体，需要心灵敞开的文化交流，需要自尊自信的文化提醒。城市雕塑最能体现一个城市的独特文化气质和文化软实力，培植城市的文化认同感和精神归属感，成为凝聚城市精神的巨大力量。
雕塑文化是时代的产物，是在历史的长河中一点一滴积累起来的。一个时代有一个时代的风格。历史文化的成就不能替代今天的创造。大同作为传统雕塑文化的故乡，必须创造新时代与历史相匹配的雕塑文化。百年新云冈计划的产生正是基于这种文化战略的思考。一个拥有深厚文化底蕴和文化特色的城市，才是一个具有持久竞争力的城市。每个伟大的城市都是以文化立世和扬名的。在传承历史文脉的基础上创造新时代的文化高峰，是大同的城市价值追求。
雕塑文化作为城市的精神亮点，具有文化象征的特殊意义。城市文化标志是一个城市的文化象征，彰显城市的个性，擦亮城市的面孔，留住城市的记忆。一个伟大的雕塑作品，就是城市的地标和名片，让城市声名远播，成为影响深远的名城。
创造中国雕塑文化之都需要几代人的努力。我们衷心期望雕塑家、艺术家，继续深情关注大同，把大同作为艺术创造的平台，为大同创造新时代最伟大的雕塑艺术。我们设想在南城墙瓮城、月城、关城5万平方米的空间，建设中国雕塑博物馆，希望诸位雕塑家、艺术家予以大力支持，共同打造中国第一、世界一流的雕塑之都，为中国文化的崛起和振兴作出贡献。
点评
中国艺术研究院美术研究所所长、教授吴为山
耿彦波先生从大同的文化史谈到了大同雕塑的文化价值和大同对中国文化的贡献，使我回忆起2010年9月20日，大同被命名为“中国雕塑之都”的时刻。这是对大同历史文化精神和价值的认定，也为大同在文化建设的新时期如何承古开新确立了传统文化的参照系。
耿彦波市长从城市管理者的方位，从历史的高度，以未来城市文化建设的战略眼光提出实施“中国雕塑之都”新云冈计划。这是一个集城雕、典藏与展览为一体的系统工程，甚至通过大同大学创办中国雕塑学院而保持雕塑艺术的可持续性发展。
大同具有2300年建城史和410年建都史，北魏郦道元在《水经注》中对这里山水奇观的描述更显真容巨壮，当时昙曜高僧创造的云冈石窟圣像巍峨端庄，这是古代文化的气场，更是一笔无价的文化财富。今天的城市文化建设已经从政治宣传的任务、经济发展的需要到精神层面的文化自觉，谁抓住了文化的核心问题，谁把握了文化建设的科学方式，谁就在未来的竞争中占有主导位置。
耿彦波先生提出雕塑是城市文化的旗帜，这是一个城市管理者对大同古代、西方城市文化研究的一个响亮的文化观点。展望中华民族的伟大复兴，大同抓住了历史机遇，将在未来的建设中创造出具有“中国精神、中国气派、时代风格、地方特色、国际视野”的当代中国雕塑之都，而达到“美人之美，兼容并包，天下大同”的境界。
大同市博物馆馆藏北魏雕塑艺术
中国国家画院雕塑院执行院长、教授陈云岗
大同历代文化遗存丰厚且异彩纷呈。特别是遗存至今的雕塑艺术遗产灿烂辉煌，其中最著名者当首推云冈石窟、上下华严寺等石窟建筑群中跨越千余年的雕塑艺术，同时也包括分散于各县区、乡镇、寺庙等，以及历代陵墓中的艺术遗珍。大同市博物馆中所藏的雕塑艺术，便是大同市艺术遗产中重要的组成部分之一。
大同市博物馆馆藏雕塑艺术品，以北魏时期墓葬出土的石刻艺术、俑像艺术，民间寺庙中铸铜、陶瓷雕塑艺术为主。其中尤以司马金龙墓、冯氏永固陵、宋绍祖夫妇墓、北魏墓群等“三墓一群”几座北魏早期大墓出土的雕刻艺术为重，数量多、做工精，艺术质量上乘。除此之外，辽金时期，几乎所有经过隋、唐及宋代累积的艺术成就，都被吸收、熔铸于以大同为中心的辽塑之中，产生了异常辉煌的辽塑艺术中的精彩之作。大同市博物馆馆藏雕塑艺术品大致具有以下特征：精美、饱满、质朴生动、纯真粗犷、细腻传神等等。
纵观以大同为中心的北魏故地，流布至今的各类雕塑艺术遗存，不仅有以云冈石窟、上下华严寺辽塑为代表的中国优秀古代雕塑艺术，还拥有着以北魏时期各时代墓葬出土的雕塑艺术，极为确凿有力地证明了大同地区是一座拥有中国重要雕塑艺术遗产的城市，她的地位在中国雕塑史上具有不可替代的重要性。
点评
中国雕塑学会名誉会长、教授曹春生
陈云岗就大同市博物馆馆藏雕塑艺术品所作的报告和梳理，使我们能够更多地了解到，大同作为北魏国都这样特殊的经历给中国历史遗产保护留下了丰富的文物，写下了辉煌的一页。云冈石窟在中国石窟群中是首屈一指的，其规模巨大、内容丰富，都给世人留下了深刻的印象。听了报告，我们对大同的文物有了一个新的认识。今后要加强对山西、大同地下文物的了解与研究。陈云岗是雕塑界学者型的雕塑艺术家，希望他会有更多、更好的研究成果。
从曾竹韶奖学金评选看各院校创作教学现状
中央美术学院造型学院副院长、教授隋建国
通过对前四届“曾竹韶雕塑艺术奖学金”评选情况的总结、分类，我们发现，一部分是从60年以来的传统学院派生出来的，以写实造型为主的雕塑系统，称之为形象与材料；另一部分是近年来涌现出来的具有现代意味和元素的雕塑系统。由作品可以看到清华大学、中央美院、湖北美院、广州美院等学院教学中的一些特色。他们教学中有的突出写实，有的突出实景再现，有的突出浪漫抒情，有的突出人物造型。一些学院结合现代元素，开展了动漫装饰与雕塑融合教学，作品时代特色鲜明。
点评
中央美术学院雕塑系主任、教授吕品昌
“曾竹韶雕塑艺术奖学金”是在雕塑界同仁和有识之士的共同关注下开启的。隋建国先生和众多人一起，为奖项的组织、资金、策划、展览等作出了巨大贡献。在当前科技信息高度发达的情况下，院校之间的这种差异性就显得十分可贵。特别是经过长期教学积累所总结出来的教学优势和特色应该保留和发扬，应该走出自己的特色。现在，这项活动移师大同，也是各院校雕塑艺术团队和同行认可的一个学术平台。随着参展队伍的扩大，将来会有更多的院校和学生参与进来，这预示着“曾竹韶雕塑艺术奖学金”的系统会慢慢成熟、健康发展起来。
开悟与开放：从过去走向未来
北京大学教授、博士、2011威尼斯双年展中国馆策展人彭锋
大同是一个以佛教雕塑闻名的城市。市郊的石窟和市内的寺庙，保留了规模巨大、历史悠久、品质卓越的佛教雕像。选择“开悟”作为本次展览的主题，希望能够与大同的雕塑和文化传统发生关联。更重要的是，“开”还有“开始”的意思，一方面直接点明了展览是首次举办，另一方面还蕴含着展览有很长远的未来。
选择“开悟”作为展览主题，希望与艺术家一起来思考人类发展的方向。也许展望未来的最好方式，就是回溯传统，因为传统中已经蕴含了未来的诸多可能。“开悟”让我们回溯过去，并从过去走向未来。但我特别看重的，既不是过去，也不是未来，而是现在。事实上，只有现在是真实的存在，过去与未来都只是以想象的形式存在。甚至可以说，过去和未来，都是由现在延伸出来的维度。当云门禅师说“日日是好日”的时候，实际上是告诉人们“活在现在”是一件多么幸福的事情。尽管雕塑家不都是禅师，他们却以另外的方式捕捉到了现在，将瞬间变成了永恒。“开悟”让我们回溯过去，由过去走向未来，最终于现在逗留。实际上，真正的幸福，不是来自于未来的目标的实现，而是来自于现在的态度的转变。这种态度的转变，就是开悟。大同经过若干年的建设，不仅在恢复古都，而且在建设新区。雕塑双年展的成功举办，有可能会促进大同人民生活态度的转变。我期待在不久的将来，大同人民以他们倡导的生活方式再一次引人瞩目，为我们树立新型城市生活的榜样。
点评
中央美术学院教授殷双喜
作为一位哲学教授，彭锋教授的《开悟与开放：从过去走向未来》以宽阔的思维、独特的观念，为艺术界提出了很多有价值的观点。彭锋教授在此次双年展中运用的“开悟与开放”理念，就是一个比较开阔的策展思路，这里的“悟”有开始、开放的理念，这是针对大同非常古老而现代、非常传统而激进的历史现状特设的。彭锋教授提出“艺术给这个城市带来什么？”就是说她带来一种新的观察生活的眼光，一种对生活的态度，一种生活方式。虽然很多城市都在做城市雕塑、雕塑公园，但最根本的还是这个城市的市民逐渐形成一个和这个新时代相适应的心理状态和生活状态，如果这个城市的高楼、马路和艺术作品立在那里，老百姓熟视无睹，他们的生活方式、感受还和从前一样，那么我们的城市建设和艺术活动是外在于这个城市的。如何让艺术深入到老百姓的生活当中去，转换他们对生活的观察、理解，形成一个新的生活态度，这是我们这个社会今后发展的一个大趋势，就是建立在经济发展基础上的“心灵和谐”。
编辑推荐
古瓷开片机理及艺术效果
我们从高空俯瞰祖国的锦绣山河，高山峡谷，沟壑纵横，阡陌交通，层层梯田，湖泊平滑如镜，江河九曲蜿蜒，充满了生机与活力，这就是我们美丽的家园。读者若将这类古瓷上的纹片与之产生联想，确有异曲同工之妙，发怀古之幽思，叹妙瓷之精湛。古瓷是有永恒艺术生命力的。关键是藏家不要单纯追求其经济价值，应更多去发掘其无穷无尽的文化内涵。
古瓷开片的种类
虽然古陶瓷多数的窑口和相当部分的品种，或多或少地存在着不同程度的开片现象，多数是被看作烧造缺陷对待的。但也有一些品系却形成了特定的艺术效果，有些甚至可以作为鉴定古瓷真伪的特定要点。
“冰裂纹”开片：这是形容在冰晶玉洁的釉面上形成了象冰雪一样清彻的裂纹。这种裂纹十分致密，没有缝隙，杂质无法侵入，历经数百年，仍然显得晶莹剔透。这是一件宋龙泉窑三足炉（图11），冰裂纹清晰可见。这件清康熙年间烧制的观音尊（图12），器形典雅，犹如亭亭玉立的南海观音。从上至下鲜艳如初凝的牛血般的釉色，显得雍容华贵。清代诗人许斋有在《郎窑行·戏呈紫衡中承》诗中写道：“迩来杰出推郎窑，郎窑本以中丞名，……比试成宣欲乱真，乾坤万象归陶甄，雨过天晴红琢玉，贡之廊庙光鸿钧。”郎窑红是冰裂纹的典型代表。这种开片以纵向为主，横向较少，与血丝般的牛毛纹内外呼应，奇异非凡。
“文武”开片：这是形容陶瓷器物上下左右，通体开片。其中呈大型的不规则开片，比喻为“文片”，当中又套有较小型的开片，比喻为“武片”。这是一件宋哥窑胆式瓶（图13）。自古以来就有“文武之道，一张一弛”的比喻，以此来形容这类开片的形式颇为恰当。这种开片以宋官窑、哥窑特征最为显著（图14），也是这类瓷器除紫口铁足之外最大的特征，后世明代成化、清代雍正、乾隆年间仿哥窑制品多仿之（图15、16、17）。
“鱼鳞”状开片：这是一种十分独特的开片现象，主要集中在北宋汝窑、宋官窑和少数南宋龙泉窑制品上，其他品种未曾见过。形态是在肥厚釉层的层与层之间产生的层间开片现象。这是故宫藏北宋汝窑三足奁（图18）和北宋汝窑敞口洗（图19）。读者可以从图片上清晰地看出这种层间层层叠叠、晶莹闪亮、犹如鱼鳞状一般的开片。原因是这类瓷器釉层很厚，有些甚至超过了胎体厚度（图20）。如此厚的釉层是多次上釉形成的，每次上釉都要等干燥后再施，故各层釉之间薄厚不均，瓷器烧成后，层间应力不同，在层间产生断裂。目前河南汝窑研究所已掌握了这类工艺，不过仿品开片过于密集，显得刻意做作，不如真品那般酣畅自然。
“金丝铁线”型开片：《简明陶瓷辞典》解释为“纹片的一种，传世哥窑瓷器的特殊纹饰，因开片有大、小之分，大开片呈深灰似铁，小开片呈酱褐色，似金丝而得名”（图21）。这种释义仅将开片的特征表述出来。这种开片属于人工二次开片，这在古陶瓷品系中是绝无仅有的。古代工匠利用哥窑出窑前骤然冷却的方法，釉面内应力急剧释放产生大的开片。然后将瓷器浸泡入含铁的溶液中，裂纹将铁物质吸附进裂纹内形成“铁线”效应。再将这种一次开片的瓷器放入窑炉内烘烤，不等釉面熔化，再进行第二次骤冷，使釉面再次在大开片中产生小开片，再将烧成的瓷器放入陈腐的茶叶水中，裂纹再将茶碱之类的色素吸附进缝隙中，就形成了大片套小片，铁线裹金丝的艺术效果。这种哥窑特有的工艺是自宋以来古代工匠人为掌控开片的典型例证，并被元、明、清继承与延续至今。当代仿品中也使用了这种工艺，但远未达到真品的古拙之气。
22
“百圾碎”开片：这也是哥窑开片的一种（图22），只不过是纹片更细碎而已，是出窑前降温过快，致使釉面四分五裂，裂纹密如攒珠。晚明天启年间的“煨瓷”（图23）釉面上被称作“鱼子纹”的开片也是这种效应，不过是名称叫法不同。《饮流斋说瓷》中提到“器小开大片，器大而小片皆足贵也。晚近以来则不贵哥窑之开片，而贵郎窑之开片。大抵开片瓷器，概以扪之无痕者乃为可贵也。”这是自古以来人们鉴赏的标准。
“苍蝇翅”开片：这是唐三彩特有的现象（图24）。唐三彩是唐代盛行厚葬之风的产物，并吸收西域风情，塑造出了器型丰富、绚丽多姿的器物，充分昭示了盛唐文化，受到世界各国的青睐。唐三彩属于陶质胎体，胎釉结合度不好，在千百年地下埋藏中，受到水气的侵蚀，器物裂析成苍蝇翅膀大小的细碎透明开片，四周微微翘起，如同干涸的池塘泥土四周翘起一般，属于历史性自然开片范畴，至今造假者无法仿制。这也是鉴别唐三彩真假的要领之一。
“芝麻纹”开片：这类开片形态与唐三彩釉面开片类似，细如芝麻颗粒，但因附着在瓷化胎质上，附着力相对强，釉层无翘起现象。唐长沙窑制品最具代表性（图25）。
不知藏家是否注意到一种有趣的规律性现象，不论是何种瓷器，不论是哪个朝代的瓷器，也不论是圆器或琢器，只要是用辘轳一次性拉坯成型的器物，其开片主要纹路的延伸方向均是从器物的底部自下而上，从左向右延伸倾斜。产生这种现象是因为拉坯时操作辘轳的旋转方向是自右向左转，也就是顺时针方向，这种旋转的胎体内部并不十分均匀，产生了一种自下而上，自左向右的密度差，内应力的方向差异正是这个方向。故施釉烧成后，其釉层开片方向正好与拉坯方向相一致。这就进一步证明了胎釉之间开片方向是与其内应力的拉伸方向保持相同，顺着拉坯方向从下到上、从左向右延伸（图26、27、28），当然这种规律不包括那些异型器物，用贴塑方法，或捏塑等其他方式成型的，就没有这种现象（图29、30）。
“开片”产生的艺术效果
开片是陶瓷烧造过程中或是历史原因而产生的釉层断裂现象。一般认为是一种缺陷，对玲珑剔透、完整无损的各类瓷器的美观产生了影响，在或洁白如玉，或青翠欲滴，或碧蓝如洗，或鲜艳如血，或娇黄妩媚，或姹紫嫣红的釉面上产生的裂纹影响到瓷器整体美观。但是我们睿智的祖先正是利用这种缺陷，化腐朽为神奇，人为地制造出开片效应，产生了变幻莫测、鬼斧神工的艺术效果。
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这件北宋年间官窑大口瓶（图31），在温润如玉、凝若堆脂的天青色釉面上，布满了纵横交错，或大或小，或长或短，或连或断的纹路，使人产生遐想。古陶瓷是静物，尤其是陈设器物，陈设在室内，给人以宁静、肃穆的感觉。那条条纹路、块块纹片纵横交错，忽断忽连，目光沿着纹线追寻而产生浮想联翩，产生了跃动迷离之感。赋予了静置器物之生机，赋予了古陶瓷千年不朽、长青不衰的艺术生命力，这就是开片艺术的魅力所在。
我们从高空俯瞰祖国的锦绣山河，高山峡谷，沟壑纵横，阡陌交通，层层梯田，湖泊平滑如镜，江河九曲蜿蜒，充满了生机与活力，这就是我们美丽的家园。读者若将这类古瓷上的纹片与之产生联想，确有异曲同工之妙，发怀古之幽思，叹妙瓷之精湛。古瓷是有永恒艺术生命力的。关键是藏家不要单纯追求其经济价值，应更多去发掘其无穷无尽的文化内涵。
这件南宋哥窑花口洗上的金丝铁线（图32），何其典型，何其明显。藏家欣赏它时一定会琢磨如何产生的这种艺术效果，古人是如何在坚硬的瓷面上穿针走线，勾勒出变幻莫测的各式纹片。
故宫博物院珍藏的清雍正仿哥窑弥勒佛鎏金像（图33）。可以看出古代工匠如何娴熟地掌握了开片艺术，将慈眉善目、笑口常开、憨态可掬的佛祖，塑造得惟妙惟肖，充分表达了弥勒佛“容天下难容之事，笑天下可笑之人”的雍容大度，普渡众生的宽宏海量。佛像的僧衣袈裟恰到好处地开片成佛家长老身披的“百衲衣”。而佛陀的面部及裸露部分却未见任何开片。这就是开片艺术出神入化之处。
古瓷“开片”艺术是祖先给我们留下的宝贵文化遗产。需要加以认识研究和对待，古陶瓷收藏爱好者不应局限在对各类古瓷经济价值的分析与追求，更不必对目前拍卖市场屡创新高的炒作之风而产生虚幻的期盼与渴望。追风逐浪对大众收藏目的与宗旨并非是理性的选项，藏家莫将自己的藏品看作钱柜或银行。新闻媒体也要充分地把握舆论导向，对收藏爱好者加以引导，力戒以功利躁动的心态对待收藏。笔者深信，收藏最大的社会效益是对传统文化的继承与保护。对于藏家最大的乐趣莫过于研究与鉴赏，这是藏品价值理性的回归。
“黑花”开后“青花”开
宋代名窑蜂起、名瓷迭出，是中国瓷业的巅峰。
赵宋一代，瓷窑众多，特色各具，其中以五大名窑（钧窑、汝窑、官窑、哥窑、定窑），八大窑系（磁州窑系、耀州窑系、钧窑系、定窑系、龙泉窑系、景德镇窑系、建窑系和越窑系）为代表，它们最能突显宋代瓷器的沉静素雅之美。
在学术界，大都把扒村窑归于磁州窑系。磁州窑系的典型特征是“白地黑花”，“白地黑花”是扒村窑的典型产品。
扒村窑与钧窑近在咫尺，也大量烧制钧瓷，把它归于钧窑系也未尝不可。“学界也有人把扒村窑称为磁州窑系扒村窑类型，甚至主张把扒村窑从磁州窑系中独立出来。”教之忠先生说，“无论是五大名窑还是八大窑系，都是后人对宋瓷的一种总结与概括。”
无论是磁州窑还是磁州窑系，大体上是个考古学概念。扒村窑归入磁州窑系，只是考古学上的一种归门分类，这与仰韶文化以渑池县仰韶村命名是一个道理。尽管仰韶文化最早发现于仰韶村并以此命名，但这不是说仰韶村是仰韶时代最为文化先进的地方。
磁州窑系是宋、金、元时期中国北方最大的一个民窑体系，它上承唐代北方烧制白瓷、黑瓷的诸多窑口，如巩义窑、相州（安阳）窑等，到了宋代蔚然而为北方最大的一个民窑体系。
现代考古学已经证实，至少在北魏、北齐时代，巩义窑、相州窑已经相继烧出白瓷。白瓷的出现，是中国陶瓷史上划时代的伟大事件。有了白瓷，才会有白地黑花、白地青花（青花瓷），才能在瓷器上绘出最好最美的画卷。
磁州窑系窑口烧瓷品系繁杂，以白瓷、黑瓷为主。装饰以白地黑花为主流，纹饰题材取自民间生活。
磁州窑与磁州窑系是两个概念，尽管磁州窑在河北，但磁州窑系的重要窑口，大都集中在河南。
磁州窑系窑场主要分布在今日河南、河北、山西三省，以河南为多、为早，如河南鹤壁窑、禹州扒村窑、登封曲河窑都创烧于唐。唐代北方民窑除主烧白瓷以外，兼烧黑瓷、花瓷、青瓷、三彩等，品类多而不单一。至于磁州窑系之磁州窑本身，创烧历史倒是晚于河南磁州窑系诸多窑口，烧瓷年代不会早于北宋神宗熙宁、元丰年间。
北宋时期的墓葬，不见出土磁州窑系瓷器；禹州白沙宋墓壁画上，绘有磁州窑系的瓷器形象。
磁州窑系的代表性窑口主要有：河北磁州窑，河南修武当阳峪窑、鹤壁集窑、禹州扒村窑、登封曲河窑，山西介休窑与江西吉安吉州窑。
磁州窑：宋代文献不见记载，明初文献开始提及，但很简单。此后，文献记载日渐增多，但对它的评价不是很高甚至有失公允。这也许全在它的民窑身份与大胆创新——烧了白地黑花瓷器。１９５７年，河北省文物工作队对磁州窑进行了考古发掘，证明其创烧年代不早于宋神宗时代。
修武当阳峪窑：不见文献记载，上世纪３０年代在焦作煤矿任职的英国人Ｒ·Ｗ·Ｓｗａｌｌｏｗ调查过该窑址，此后北京古董市场上开始叫卖当阳峪窑的东西，从此引起注意。
鹤壁集窑：不见文献记载，１９５４年河南省文物工作队普查时，才发现了窑址。
禹州扒村窑：１９５０年著名陶瓷专家陈万里写了《禹州之行》，它才为学界所了解。扒村窑白地黑花器物有瓶、罐、盆枕、盘、碗等，黑花笔调粗放、简练，下笔任意，勾画简单，皆在似与不似之间。
登封曲河窑：１９６１年３月发现，代表作要算珍珠地划花装饰，但珍珠地划花当创始于新密西关窑，曲河窑对它有了改进与发展。
山西介休窑：上世纪５０年代被发现。创烧于北宋，至今尚未进行考古发掘。
江西吉安吉州窑：文献不见记载，烧制的瓷器具有磁州窑系的白地黑花风格，因此学界把它归入磁州窑系。
之所以节外生枝地简要罗列学界公认的磁州窑系的这几个代表性窑口，旨在寻找唐青花的“下家”，元青花的“上家”。
青花瓷起源于唐代巩义窑，目前已经成为中国陶瓷界的共识。唐代青花瓷器是中国青花瓷的滥觞期，宋青花、金青花比唐青花还要少见，但到了元代，青花瓷一下子成熟起来——固守在“青花”上，寻找青花瓷的发展脉络，寻来找去，命若游丝的宋青花、金青花还是不能背负起中国元、明、清的巍峨大厦。
回到中国瓷业巅峰的赵宋一朝，环顾五大名窑钧、汝、官、哥、定，八大窑系之磁州窑系、耀州窑系、钧窑系、定窑系、龙泉窑系、景德镇窑系、建窑系和越窑系，也许会顿然发现：五大名窑八大窑系中，唯有磁州窑系诸窑在瓷器上书写着最新最美的图画，指示着中国瓷业的发展方向——只不过，这种图画，是黑花，而不是青花。
巩义窑创烧的唐青花瓷器，是外销产品，这也是中国陶瓷界的共识。至少在元代之前，国人喜欢黑色与黑白分明，不爱青色与青白不分。蒙古人尚青，改变了国人的色彩欣赏习惯，明、清继之。生产白地黑花瓷器的北方磁州窑系代表窑口，全都“死”在元代，明、清成为遗址。这，也许是“黑花”凋零，转为“青花”的一种见证。
巩义窑因处在赵宋皇陵区域，宋初被迫停烧。十里窑场的大多数工匠，自然不会从此种地，不再烧瓷。而磁州窑系诸窑，恰好以巩义窑为中心，画圆布局的。这，难道只是巧合？
宋、金相对于唐朝，对伊斯兰世界的影响力乃至贸易往来，无疑是减弱的。特别是金，海上与陆上都难以与伊斯兰世界沟通，在金朝地盘的磁州窑系诸窑，把参与海外贸易“青花瓷”，转换为中国人喜欢的“黑花瓷”，自然而然。
没有“黑花瓷”，元青花瓷没有道理一夜成熟，明、清没有道理主宰中国瓷业几百年。
“瓷上青花”与“瓷上水墨”
素胚勾勒出青花笔锋浓转淡瓶身描绘的牡丹一如你初妆冉冉檀香透过窗心事我了然宣纸上走笔至此搁一半
…………
没有“黑花瓷”，青花瓷也就真的如周杰伦的《青花瓷》一样“走笔至此搁一半”，缺少它的“前一半”了。
画以墨为韵，瓷以青为贵，青花在瓷胎上的色性，一如水墨在宣纸上铺展，具有无法言说的韵味：或明朗宁静，或曲折幽深，或如蓝天白云，或如荷塘月色，淡到极致，也浓到极致。青花以它的这种独特瓷韵，自蒙元以降，始终是中国瓷器的主流。
但“瓷上青花”并不是中国传统中的“画中水墨”——谁都知道，宣纸上的中国书画，黑白分明，书画颜料，是黑墨，不是青墨。
国家文物鉴定委员会副主任委员、中国古瓷学会会长、故宫博物院研究员耿宝昌先生认为，扒村窑瓷器才是真正的历史中国的“瓷上水墨”。在为《中国扒村窑艺术》一书作序时，他这样写道：扒村窑“将釉下彩的黑并加染淡赭互相衬托，以增进彩绘艺术的美感，绘画内容丰富，纹饰用笔工细、粗犷兼备，既有人物、动植物、鸟禽，也有来自民间的民谚童语为装饰，取意都是民间喜闻乐见祈福求祥；并且生产釉上的红绿彩瓷与三彩。绘画内容丰富，生活气息浓郁，实为瓷上水墨。它为磁州窑系的一个新的亮点”。
中国文联副主席、中国民协主席、著名作家兼书画家冯骥才先生，不是古瓷专家，面对扒村窑瓷器残片，话语无多。在展开的宣纸上，他挥笔而题的，正是“瓷上水墨”。
作为民协主席，他看重的是作为中国民窑代表窑口的扒村窑瓷器残片绘画所遗存的民风风俗；作为书画家，他看重的是扒村窑白地黑花瓷器是“瓷上水墨”。
这，当然是他冒雪乃至冒险探访扒村窑的两大根由。
北宋末年靖康之变后，磁州窑系部分工匠南迁江南等地，继续烧制瓷器，这是中国学界的共识。他们烧什么？是否还是磁州窑系的代表瓷器“白地黑花”？
江西吉州窑遗址试掘所获资料判明：吉州窑北宋时烧青白瓷，出土标本有注子和注碗。注子腹如球形，没有纹饰；注碗有敞口深腹与瓜棱形两种，没有纹饰。这类标本压在最下层，时代最早。压在青白瓷上面时代稍晚的，则有釉下彩瓷器，也就是磁州窑系的白地黑花等。也因此，学界把江西吉州窑列为磁州窑系，尽管磁州窑系通常被称为中国北方最大的一个民窑体系。
吉州窑釉下彩绘，也就是白地黑花等，对景德镇青花瓷器影响颇大。元代青花瓷器中的蓝地白花画法，借鉴的，正是吉州窑。因此，已故著名陶瓷学家、中国古陶瓷学会前会长冯先铭认为：“……很可能是北方陶工为了逃避金军入侵，南迁到吉州窑，以磁州窑的技法生产出瓷器。后来到南宋末，吉州窑许多陶工迁移到景德镇，这时白釉黑花技法传到景德镇。”
青花瓷，说得文气一点儿，无非就是白釉青花、白地青花、釉下青花瓷器等；但不管是白釉黑花、白地黑花、釉下黑彩瓷器，说得简洁一点儿，不就是“黑花瓷”吗？
唐青花——宋黑花·宋青花——金黑花·金青花——元青花·元黑花——明青花·明黑花（此时尚有少量烧制）——清青花，这样的序列，也许道出了中国“花瓷”——青花与黑花，“瓷上青花”与“瓷上水墨”向前演进的历史轨迹。
在宋代五大名窑与八大窑系中，作为民窑的磁州窑系的白地黑花，为明、清瓷器的演进种下力量。除磁州窑系诸窑，五大名窑与其他窑系，都在追求窑变与釉色，没把“花儿”烧在瓷器上。
不能因为青花走进皇宫变得高贵了，就割断它与民窑黑花的血缘，“一个民族如果忘记了自己的历史，就不可能深刻地了解现在和正确地走向未来”。
扒村窑作为北方磁州窑系最南端的一个窑口，当是“黑花”南迁变“青花”的重要跳板。宋、金之际，这儿是岳飞以武汉为根据地，实施北伐的主战场。岳飞退军后，很多百姓随军南迁，当然包括杰出的瓷器工匠。田野考古业已证明，扒村窑金、元瓷器烧制水平，大不如宋。
扒村窑地接南北，扒村窑“黑花”承前启后，当是中国陶瓷史上一个重要节点。
古瓷开片机理及艺术效果（组图）
我们从高空俯瞰祖国的锦绣山河，高山峡谷，沟壑纵横，阡陌交通，层层梯田，湖泊平滑如镜，江河九曲蜿蜒，充满了生机与活力，这就是我们美丽的家园。读者若将这类古瓷上的纹片与之产生联想，确有异曲同工之妙，发怀古之幽思，叹妙瓷之精湛。古瓷是有永恒艺术生命力的。关键是藏家不要单纯追求其经济价值，应更多去发掘其无穷无尽的文化内涵。
古瓷开片的种类
虽然古陶瓷多数的窑口和相当部分的品种，或多或少地存在着不同程度的开片现象，多数是被看作烧造缺陷对待的。但也有一些品系却形成了特定的艺术效果，有些甚至可以作为鉴定古瓷真伪的特定要点。
“冰裂纹”开片：这是形容在冰晶玉洁的釉面上形成了象冰雪一样清彻的裂纹。这种裂纹十分致密，没有缝隙，杂质无法侵入，历经数百年，仍然显得晶莹剔透。这是一件宋龙泉窑三足炉（图11），冰裂纹清晰可见。这件清康熙年间烧制的观音尊（图12），器形典雅，犹如亭亭玉立的南海观音。从上至下鲜艳如初凝的牛血般的釉色，显得雍容华贵。清代诗人许斋有在《郎窑行·戏呈紫衡中承》诗中写道：“迩来杰出推郎窑，郎窑本以中丞名，……比试成宣欲乱真，乾坤万象归陶甄，雨过天晴红琢玉，贡之廊庙光鸿钧。”郎窑红是冰裂纹的典型代表。这种开片以纵向为主，横向较少，与血丝般的牛毛纹内外呼应，奇异非凡。
“文武”开片：这是形容陶瓷器物上下左右，通体开片。其中呈大型的不规则开片，比喻为“文片”，当中又套有较小型的开片，比喻为“武片”。这是一件宋哥窑胆式瓶（图13）。自古以来就有“文武之道，一张一弛”的比喻，以此来形容这类开片的形式颇为恰当。这种开片以宋官窑、哥窑特征最为显著（图14），也是这类瓷器除紫口铁足之外最大的特征，后世明代成化、清代雍正、乾隆年间仿哥窑制品多仿之（图15、16、17）。
“鱼鳞”状开片：这是一种十分独特的开片现象，主要集中在北宋汝窑、宋官窑和少数南宋龙泉窑制品上，其他品种未曾见过。形态是在肥厚釉层的层与层之间产生的层间开片现象。这是故宫藏北宋汝窑三足奁（图18）和北宋汝窑敞口洗（图19）。读者可以从图片上清晰地看出这种层间层层叠叠、晶莹闪亮、犹如鱼鳞状一般的开片。原因是这类瓷器釉层很厚，有些甚至超过了胎体厚度（图20）。如此厚的釉层是多次上釉形成的，每次上釉都要等干燥后再施，故各层釉之间薄厚不均，瓷器烧成后，层间应力不同，在层间产生断裂。目前河南汝窑研究所已掌握了这类工艺，不过仿品开片过于密集，显得刻意做作，不如真品那般酣畅自然。
“金丝铁线”型开片：《简明陶瓷辞典》解释为“纹片的一种，传世哥窑瓷器的特殊纹饰，因开片有大、小之分，大开片呈深灰似铁，小开片呈酱褐色，似金丝而得名”（图21）。这种释义仅将开片的特征表述出来。这种开片属于人工二次开片，这在古陶瓷品系中是绝无仅有的。古代工匠利用哥窑出窑前骤然冷却的方法，釉面内应力急剧释放产生大的开片。然后将瓷器浸泡入含铁的溶液中，裂纹将铁物质吸附进裂纹内形成“铁线”效应。再将这种一次开片的瓷器放入窑炉内烘烤，不等釉面熔化，再进行第二次骤冷，使釉面再次在大开片中产生小开片，再将烧成的瓷器放入陈腐的茶叶水中，裂纹再将茶碱之类的色素吸附进缝隙中，就形成了大片套小片，铁线裹金丝的艺术效果。这种哥窑特有的工艺是自宋以来古代工匠人为掌控开片的典型例证，并被元、明、清继承与延续至今。当代仿品中也使用了这种工艺，但远未达到真品的古拙之气。
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“百圾碎”开片：这也是哥窑开片的一种（图22），只不过是纹片更细碎而已，是出窑前降温过快，致使釉面四分五裂，裂纹密如攒珠。晚明天启年间的“煨瓷”（图23）釉面上被称作“鱼子纹”的开片也是这种效应，不过是名称叫法不同。《饮流斋说瓷》中提到“器小开大片，器大而小片皆足贵也。晚近以来则不贵哥窑之开片，而贵郎窑之开片。大抵开片瓷器，概以扪之无痕者乃为可贵也。”这是自古以来人们鉴赏的标准。
“苍蝇翅”开片：这是唐三彩特有的现象（图24）。唐三彩是唐代盛行厚葬之风的产物，并吸收西域风情，塑造出了器型丰富、绚丽多姿的器物，充分昭示了盛唐文化，受到世界各国的青睐。唐三彩属于陶质胎体，胎釉结合度不好，在千百年地下埋藏中，受到水气的侵蚀，器物裂析成苍蝇翅膀大小的细碎透明开片，四周微微翘起，如同干涸的池塘泥土四周翘起一般，属于历史性自然开片范畴，至今造假者无法仿制。这也是鉴别唐三彩真假的要领之一。
“芝麻纹”开片：这类开片形态与唐三彩釉面开片类似，细如芝麻颗粒，但因附着在瓷化胎质上，附着力相对强，釉层无翘起现象。唐长沙窑制品最具代表性（图25）。
不知藏家是否注意到一种有趣的规律性现象，不论是何种瓷器，不论是哪个朝代的瓷器，也不论是圆器或琢器，只要是用辘轳一次性拉坯成型的器物，其开片主要纹路的延伸方向均是从器物的底部自下而上，从左向右延伸倾斜。产生这种现象是因为拉坯时操作辘轳的旋转方向是自右向左转，也就是顺时针方向，这种旋转的胎体内部并不十分均匀，产生了一种自下而上，自左向右的密度差，内应力的方向差异正是这个方向。故施釉烧成后，其釉层开片方向正好与拉坯方向相一致。这就进一步证明了胎釉之间开片方向是与其内应力的拉伸方向保持相同，顺着拉坯方向从下到上、从左向右延伸（图26、27、28），当然这种规律不包括那些异型器物，用贴塑方法，或捏塑等其他方式成型的，就没有这种现象（图29、30）。
“开片”产生的艺术效果
开片是陶瓷烧造过程中或是历史原因而产生的釉层断裂现象。一般认为是一种缺陷，对玲珑剔透、完整无损的各类瓷器的美观产生了影响，在或洁白如玉，或青翠欲滴，或碧蓝如洗，或鲜艳如血，或娇黄妩媚，或姹紫嫣红的釉面上产生的裂纹影响到瓷器整体美观。但是我们睿智的祖先正是利用这种缺陷，化腐朽为神奇，人为地制造出开片效应，产生了变幻莫测、鬼斧神工的艺术效果。
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这件北宋年间官窑大口瓶（图31），在温润如玉、凝若堆脂的天青色釉面上，布满了纵横交错，或大或小，或长或短，或连或断的纹路，使人产生遐想。古陶瓷是静物，尤其是陈设器物，陈设在室内，给人以宁静、肃穆的感觉。那条条纹路、块块纹片纵横交错，忽断忽连，目光沿着纹线追寻而产生浮想联翩，产生了跃动迷离之感。赋予了静置器物之生机，赋予了古陶瓷千年不朽、长青不衰的艺术生命力，这就是开片艺术的魅力所在。
我们从高空俯瞰祖国的锦绣山河，高山峡谷，沟壑纵横，阡陌交通，层层梯田，湖泊平滑如镜，江河九曲蜿蜒，充满了生机与活力，这就是我们美丽的家园。读者若将这类古瓷上的纹片与之产生联想，确有异曲同工之妙，发怀古之幽思，叹妙瓷之精湛。古瓷是有永恒艺术生命力的。关键是藏家不要单纯追求其经济价值，应更多去发掘其无穷无尽的文化内涵。
这件南宋哥窑花口洗上的金丝铁线（图32），何其典型，何其明显。藏家欣赏它时一定会琢磨如何产生的这种艺术效果，古人是如何在坚硬的瓷面上穿针走线，勾勒出变幻莫测的各式纹片。
故宫博物院珍藏的清雍正仿哥窑弥勒佛鎏金像（图33）。可以看出古代工匠如何娴熟地掌握了开片艺术，将慈眉善目、笑口常开、憨态可掬的佛祖，塑造得惟妙惟肖，充分表达了弥勒佛“容天下难容之事，笑天下可笑之人”的雍容大度，普渡众生的宽宏海量。佛像的僧衣袈裟恰到好处地开片成佛家长老身披的“百衲衣”。而佛陀的面部及裸露部分却未见任何开片。这就是开片艺术出神入化之处。
古瓷“开片”艺术是祖先给我们留下的宝贵文化遗产。需要加以认识研究和对待，古陶瓷收藏爱好者不应局限在对各类古瓷经济价值的分析与追求，更不必对目前拍卖市场屡创新高的炒作之风而产生虚幻的期盼与渴望。追风逐浪对大众收藏目的与宗旨并非是理性的选项，藏家莫将自己的藏品看作钱柜或银行。新闻媒体也要充分地把握舆论导向，对收藏爱好者加以引导，力戒以功利躁动的心态对待收藏。笔者深信，收藏最大的社会效益是对传统文化的继承与保护。对于藏家最大的乐趣莫过于研究与鉴赏，这是藏品价值理性的回归。
开 禁 迎 神
窑帮“童庆社”，每20年在装小器的“开禁”之后，都要举办一次盛大的迎奉本行师祖“广利窑神”的“迎神”活动。迎神时，要到师祖老家童街风火神童宾的出生地，去请画师绘制的两面飞虎大旗，并大摆筵席款待师祖的后代。
据说，每届“迎神”，窑帮和其他各行各业和居民，都把它当作大节目、大喜事来办，平时不舍得花钱的，这时也乐于用钱，人们对“瓷业兴，百业兴”有着浓厚的信念。有的老人介绍他们在1933年目睹的一次“迎神”盛况：
光扮有戏文的抬角，就有一百多架，还有几十条用纺绸制的长龙。一伙一伙的舞狮子、打蚌壳、踩高跷、扮地戏的，使人目不霞接。
扮抬角戏文的小儿女，除了浑身是全新的各色绸缎并刺绣的小戏袍外，还戴着珠冠霞帔，金头箍、金项链，金手镯、金戒指。个个都在羊富争艳，令人如身入宝山，目迷五色之中。据大略估计，仅这些手饰，就不少于三、四十斤黄斤。
针匙行业扎的一架吹箫引凤的抬角，更是别开生面，他们用一支一支的针匙摆成凤凰的羽毛，看起来栩栩如生，给人的印象很深。
游行的长队，首尾有五华里之多。前导开路的是标有“风火仙师”字的一对大灯笼，接着是从窑神老家接来的两面飞虎旗。以前各届还有几对土铳呜放（铳硝由师祖老家赠送），军乐队、批事牌（肃静回避）、金瓜月斧等等紧跟其后。舞龙舞狮者依次而来。紧接着是香亭宝鼎，鼓乐笙箫，引祖师座轿。一批批捧香背烛、骑马、坐轿的信士弟子跟在轿后，最末才是四人扛着的大鼓，铜锣殿后。
沿途一片锣鼓声，爆竹声，喧嚣杂沓，响彻云霄。看热闹的人更是人山人海，其中有不少是闻讯远道坐船、骑马来的、也有的是在镇亲友家信或专程派人去接来观光的。几乎迎神盛地的前几天，家家都住有客人。
有的人对这次迎神费用作了粗略的估计，按当时每家窑户平均花费2、3百块银元算，100多家窑户和成千户“坯户”，当在5、6万块银元左右，折合当时大米约为1万2千多担左右。景德镇昔日有日耗“千猪万米”码头的称号，平时似乎过份夸张，但在神赛会中，却是恰如其份的。
紫砂壶：以实为本，以虚为用
大家都清楚中国哲学尤其强调虚实的对应关系。《老子》二章云：“有无相生，难易相成。”实、有离不开虚、无，（虚实关系是从道的有无关系引申发展而来）这两个对立因素相互依赖并发生作用，才能使“道”真正地发挥作用，这样说来，“道”既是“有”又是“无”。老子在十一章还做了一个很形象的解释说，车轮、盆子、房屋等物之“用”，在于中间的“空无”。甚至可以说在老子看来，有无虚实的统一是宇宙万物化生运行发挥作用的根本。后来庄子在《天地》篇寓言中出提出“象罔”的概念。“象”是“形”，“罔”是“无形”，“有形”为“实”，“无形”为“虚”。“象罔”是无形和有形、虚和实的统一，这是对老子思想的传承和发挥。这样的哲学思想不可能不对中国艺术产生深远的影响，以至于“虚实结合”简直成了中国古典美学最基本的表现方法，或者说是中国的艺术辩证法。它神奇的光彩必然在中国传统艺术的各个领域里闪耀，小说、绘画、书法、戏剧、建筑、紫砂……
中国画最讲究“留白”，画面中的空白并不填实，有的是河有的是天却不让人感到空，反而更有意味。当然绘画毕竟是平面艺术，似乎离紫砂壶的造型有较大差距，那么我们还可以拿中国传统建筑来比较。园林建筑最能体现中国人的审美精神，设计者通常利用廊、窗、亭等的布局来“借景”，以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚。我们大可以把一把绝妙的紫砂壶作品也当作一座园林来欣赏，那里有曲径通幽，有院落与厅堂，有景物的呼应，有巧妙的花草点缀。
“疏可走马，密不透风”，紫砂壶的虚实对应正体现着这一中国美学精神。我们来看大彬提梁，此壶的身筒还是比较大的且呈丰满的扁球状。但我们在欣赏时为什么不会有笨重的感觉呢？妙就妙在提梁那硕大的圆环上，此一圆环所围成的“虚”的空间恰好在视觉上缓解了下部厚重的感觉。而且上下两个圆弧构成鲜明的虚实对照，使整体上让人感觉气势雄健，浑然一体，正所谓“周接四海之表，浮于元气之上”。这样大胆运用虚实的设计，我还看到有当代徐汉棠的菱花提梁壶，而且可以说这款壶型的提梁所形成的“虚”空间更大，更空，甚至和“实”的部分不成比例。但由于此壶身筒部分的形体饱满、筋纹刚健，再加上“虚”的部分本身有空灵之感，所以并不让人感觉有什么不协调。可以说这把壶是以实为本，以虚为用的经典，把紫砂艺术的美表现的淋漓尽致。
以现代生活的视角去认知鉴赏艺术品，传承传统文化精神
现代生活中无处不见传统文化的影子。但是随着岁月的流逝，社会的发展，越来越多的经典文化无法得到很好的传承，例如蕴含着我国上千年文化与精华的工艺品。试问，又有多少人了解青花瓷、知晓珐琅彩，懂得紫砂壶……因此，从现代生活的视觉去传承这些艺术品，传承精深文化又显得尤为重要了。
市面上有一款传统传统武侠巨制《侠义世界》，它在游戏界引起了巨大轰动，受到业内媒体和行内游戏巨头的关注。它能够如此被关注的原因不仅仅只是因为其“真实的武侠人物，真实的游戏场景，真实的历史剧情，真实的武侠元素”等带给玩家们的强烈震撼，而是因为其中的物品道具最大限度地还原了真实，它们都是些名家艺术大师们创作的贵重珍品，例如“汉代绿釉陶壶”“唐三彩”“宋白瓷”“元青花”“明斗彩”“珐琅彩”和“釉里红”。玩家们在玩游戏中最著名的场景“七色地狱”时，必须寻找到这些艺术品才能成功闯关，玩下来之后每个玩家基本都对它们耳熟能详。俗话说寓教于乐，这款游戏能让玩家在一边玩的同时还能学到更多的传统文化知识，不愧是一款经典的游戏。
当然，传统文化不仅仅在这些游戏上得到有所体现，而且在音乐方面也得到了巧妙的传承。还记得周杰伦那首唱红大江南北的“青花瓷”吗！“素胚勾勒出青花笔锋浓转淡，瓶身描绘的牡丹一如你初妆”、“釉色渲染仕女图韵味被私藏，而你嫣然的一笑如含苞待放……”优美雅致的歌词透露着浓郁的古典芬芳，美轮美奂好似将我们带入了典雅的青花瓷的世界。
传统文化是历来的艺术大师们创作的旷世美作，虽然总让人在不经意间觉得古老，想到厚重，回忆到很久以前，总认为与我们“摩登”生活的格格不入。但是，当我们褪尽一身的浮华和那层所谓现代化的外衣时，传统文化就像一股精神一样的驻留在这些艺术品当中，值得我们欣赏，值得我们珍藏，它们自然流露出得那种古韵，那种历史的质感如同乐曲流露，或哀或喜，都撩动着我们心灵深处的弦。因此，对于传统文化我们得懂得坚守，对于那些收藏品与艺术品，我们得学会认知与鉴赏，因为只有熟识才知道它们的伟大价值。
