宜兴是中国的陶都，紫砂陶的故乡。她位于太湖之滨，山明水秀，素有“陶的古都，洞的世界，茶的绿洲，竹的海洋”之称。宜兴又处于亚热带，四季分明，气候宜人，因上天的厚爱，地下蕴藏着得天独厚的紫砂土。特别有利于陶瓷的生产。
紫砂陶的第一要素─ ─紫砂土，主要有紫泥，绿泥（本山绿泥），红泥三种，统称紫砂泥，产于宜兴本地，他们以天然的矿物组成，蕴藏在岩和普通陶土的夹层中，故有“岩中泥”，“泥中泥”之称。
紫砂土经过隧道式的开采，经风化，粉崐碎，过筛，加适量的水拌和，,放于阴凉处陈腐，锤练（真空搅拌），才能达到理想的可塑性。三种原料可单独使用，也可根据需要进行相互配比混合使用，从而产崐生更多的紫砂泥色。经不同温度，气氛火焰烧成，色泽更为丰富，可分别呈现天青，栗色，深紫，梨皮，朱砂紫，海棠红，青灰，墨绿，黛黑等色，故有紫而不艳，红而不娇，绿而不嫩，黑而不墨，灰而不暗的高雅色调。 紫砂土是一种质地细腻，含铁量高的特种陶土，它的分子排列与一般陶瓷原料的颗粒结构不同，经1200摄氏度的高温烧成，成鳞片状结构，有着理想的细密度的一定的气孔率。制品表面加工细密，不需要施釉，在泡茶昧会产生任何的化学反应。所以用紫砂壶泡茶不失原味，使茶的色，香，味皆宜。
古人对饮茶有“水是茶之母，壶是茶之父”，“茶壶以砂为上，盖不夺香，又无熟汤气的”的赞语。其二，昆砂壶传热比较缓慢，相对地保温也好，使用时提携抚握不炙手触觉也舒服。其三，紫砂壶冷热急变性较好，寒冬腊月，注入沸水。或放置文火上炖烧都不易炸裂。其四，由于制品表面加工细密，有越用越光，越用越新，越用越觉精神的妙处。其五，泥色丰富多彩，质感温润雅致，古朴稳重，用久之后的昆砂器，就好象呢子毛料那样显得厚实，挺括，匀净，高雅，似古玉生辉。由于紫砂泥料的特性，用它做成的花盆也有良好的透气性和吸水性，使花木不易烂根，生长茂盛。用它做成的紫砂蒸汽锅，用来蒸煮菜肴味美，汁鲜，汤纯。各种不同式样的紫砂陶，能反映出各种不同的有格和个性。并可形象地说，圆肥胖敦，柔和丰满，健壮刚强，纤娇秀丽，英俊潇洒，拙衲含蓄，倜傥风流，清癯闲静，仪态纷呈，雅俗共赏，向爱好者们 发着浓郁的情感。
由于紫砂原料的可塑性好，紫砂陶的成型工艺有着与其他陶瓷工业与众不同的生产方式和技艺。这是几百年来历代艺人们的技术实践，形成了一套特有的手工制作技法。如制作园器，用泥条泥片镶接后打身筒成形；方形器，用泥片镶身筒成形，最后细 部加工完成 。一般从处理泥料到坯件成形的全过程，均由同一个人制作完成。因此，一件作品的工艺质量，艺术价值的高低，都取决于设计制作者的水平，艺术素养，操作技术的熟练及丰富的实践经验。
一件完美的作品，首先必须讲究选料，其中包括泥色与形式的结合，实用功能与形式美的结合。在设计构思时，要考虑到所采取的工艺过程，手段，技法，其中包括志形时所用泥料的软硬程度，即含水量要适当。在制作过程中必须掌握坯件在自然干燥过程中，干燥程度不同对作品的影响。一件合格的半成品进入窑内烧成，必须放置合理的窑位，掌握火度，气氛温差要适度。只有这样，才能使设计制作的作品达到预期的效果，只有这样，才能使紫砂土与火的结合产生出紫砂特有的效果。因此，一件完美的紫砂作品在各道工序中凝结着陶艺工作者的心血。
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浅谈钧瓷的窑变艺术
钧瓷在五大陶瓷中，它是以窑变而著称的，不以人们的意志为转移。它的窑变也不以制作者名声大小而优劣，是自然窑变的结果。
1 引言
随着人们生活水平的提高，对精神生活的需求也日渐加强，因此，对钧瓷的喜爱也越来越强烈。收藏钧瓷已成为一种时尚，这也使钧瓷的发展出现了前所未有的兴盛局面。随之人们的错误认识也逐渐产生，并且已经形成了势头。本文主要阐述了煜华钧窑烧制的钧瓷《石榴瓶》的作品，借此谈谈有关钧瓷窑变的粗浅认识。
2 《石榴瓶》作品的来源
《石榴瓶》在钧瓷作品中不属于创新作品，是传统作品，它最初来源于我们常见的水果、石榴等。在我国民间，石榴含义丰富。榴开百籽，“籽”和“子”谐音，象征多子和丰产；中秋佳节赠送石榴，也成为迎接吉祥的象征。石榴的“榴”原作“留”，故被赋予“留”之意，“折柳送别”与“赠榴传谊”成为我国的一种民俗。
每一个钧瓷作品都有一定来历，人们根据石榴的这些特点创作出钧瓷作品《石榴瓶》。在中国的五大陶瓷，钧瓷、汝瓷、定瓷、官瓷、哥瓷中，钧瓷与其他陶瓷有着本质的区别。汝瓷和哥瓷造型奇特，没有窑变效果，它们的釉色也较单一。青花瓷追求的是画工，尽管其色彩丰富，但毕竟是人为控制，显得相对生硬。
3 《石榴瓶》的窑变艺术
钧瓷则不同，是靠窑变和釉色取胜的。除了釉色外，窑变是十分重要的。一件钧瓷作品如果釉色不好，又没有窑变效果，将失去了她的本色。煜华钧窑烧出的《石榴瓶》系列，如图1～图4所示，可见钧瓷窑变之一斑。
由图1～图4可知，前三个作品都以葡萄紫和茄皮紫为底色，窑变出片片绿色，如初春的小草，春意盎然；那紫，那绿，窑变出多种层次，深深浅浅，远近高低各不同，这就是钧瓷窑变的神奇效果。我们说钧瓷的窑变是自然窑变的结果，是不以人们的意志为转移的，如果钧瓷能像青花瓷那样把自己理想的图案画上去，那就不成为钧瓷。入窑一色，出窑万彩，才是钧瓷的本质。
4 钧瓷的窑变特色
《观音瓶》也是一件传统的钧瓷作品，属于神瓷系列，千百年来人们不知道烧制过多少，凡是开始制作钧瓷的人都要烧制它。这主要是因为它工艺简单、容易烧制成功。但真正的珍品，精品并不多，都是以釉色取胜，以红釉最多，红色在我国民间具有喜庆，祥和的气氛，容易激发人们的热情。
一件钧瓷精品，一件钧瓷珍品是不以一个人名声的大小，地位的高低而成功的。有的人名不见经传，他有可能烧制出钧瓷珍品；有的人名声较高，即使是国家级的大师，也不一定能烧制出一件钧瓷珍品；有的人烧制一辈子钧瓷，不一定烧出一件珍品；有的人初出茅庐，就能烧出钧瓷珍品。由此可以看出，钧瓷是自然窑变的结果。
5 钧瓷发展过程中出现的误区
随着钧瓷名声的提高，也出现了以奇特造型取胜的现象。有的在人物、神像、十二生肖上下功夫；有的在耳饰上下功夫。一件钧瓷作品要配上许多装饰品来点缀，笔者认为这是对钧瓷的错误认识，它会导致钧瓷向一个不良的方向发展，偏离钧瓷发展的正确道路。
奇特的造型不仅钧瓷能做到，其他陶瓷也能做到。如：青花瓷、汝瓷、哥瓷等。而窑变的效果，却只有在钧瓷上才能做到。以钧瓷作品《钧桃》为例，它是一件传统的钧瓷作品，没有任何耳饰，造型也不奇特。桃子在我国民间通常用来祝寿，吉祥之意。在钧瓷发展的历史上不知道多少人烧制过钧桃，出现过多少窑变已经无从查证。后来又有人烧制出《钧桃》，这个钧桃是红色的，顶端装饰了一个老寿星的头像，下面飘着一捧胡须，更加增添它的吉庆气氛。任何一种陶瓷都要保持它的专一性和唯一性，只有保持了这些特性，它才能在市场竞争的大潮中保持着永远不败的地位，它的真正价值才能体现出来，它才能珍贵。
6 结语
综上所述，钧瓷是以窑变来取胜的，以窑变占据市场，以窑变来确定其在陶瓷业中的地位。她的窑变是不以人们的意志为转移的，横看成岭侧成峰，是丰富多彩和奥妙无穷的。
浅谈釉上花鸟瓷画
自小喜爱画画的我如愿成为了一名陶瓷美术工作者，在瓷器上画画已成为我的日常生活。认为陶瓷是一门神奇而又独特的艺术，是泥与火的交融，是工艺与画作的交融。中国人早在约公元前8000～2000年就发明了陶器，陶瓷原料是地球原有的大量资源黏土经过淬取而成。陶瓷材料大多是氧化物、氮化物、硼化物和碳化物等。常见的陶瓷材料有粘土、氧化铝、高岭土等。陶瓷材料硬度较高，除了在食器、装饰的使用上，在科学、技术的发展中亦扮演重要角色。
在距今14000年前，于万年仙人洞首次发现的从旧石器时代向新石器时代过渡的人类活动文化遗迹，其出土的栽培稻和陶器，距今一万年以前，是现今已知世界上年代最早的栽培稻遗存和原始陶器之一。在原始社会，文字尚未完善成熟。图案形象直观性强，在当时具有标志性、装饰性等性能，所以对彩陶图案的研究也会给古文字研究提供佐证。中国自古是一个多民族聚居的国家，在原始时期，氏族部落更为繁杂，在特定的生产条件下形成了独特审美需求的文化特征，它们各自代表氏族文化的标志性形象，也产生着不可低估的精神凝聚力量。而随着氏族文化的盛衰变化，陶器装饰也出现了不同内容的形式。
黑格尔认为最早的艺术就是象征艺术，并且他认为这就是东方艺术的特征。在中国传统文化中，从《周易》开始，古人就已经按照自然来关照人和事，开启了我国绘画以象征为手段的先河。《易传》云：“八卦成列，相在其中矣。”说明了“观物取相”是汉文化的思维方式，也与儒家“兴起人意，能移精神”的补益功能相契合。中西绘画有着巨大的差异，首先我要说的是对于不同的绘画，我们要用不同的审美角度去观察，去体会，不能单一地说什么是好的，什么是不好的。中西方有着不同的历史文化背景，构成了中西方绘画思想等各方面的差异，但是归根结底，对于美学的追求，人文精神的体现等，都是相似的，西画以其真实厚重的画面感，给我们以视觉上强烈的色彩享受，中国画以其古韵内涵的特色，让我们置身其中才能感受它的博大与气韵。西方人崇尚开拓进取，故重客观探索，重对景写生，还原真实存在。这种静态固定观物作画，形成焦点透视，出现近大远小的物理性透视空间，无论是真景写生还是画家创作某种想象和虚构的题材，观者总能给自己找到一个固定的位置，使人产生身临其境，如观真景的感觉。由于西方画家固定观察物，发现物象在固定光源影响下呈现出的那种相对稳定的明暗色彩变化关系，故西方画家重明暗法和自然光色塑造形象，以求立体感，正如米开朗基罗所说：“最好的绘画应该像雕刻”。观西方风景画有真景实境之感，观者可走进画面；再观中国山水画，有如人与山水合一之感，观者有身在画中，可游可居之感。
我最擅长的题材是花鸟，花鸟画在中国画中是三大科的一个大科。在原始社会的中国，人们对于花鸟的认识是处于一个“超自然力”的理念之上，在狩猎场面中，图腾表现中及体现神权意识所出现的花鸟图像都是鲜明的一种巫思行为。其中鸟的图像与当时巫思的鸟占活动有着很大关系，原始先民们根据鸟的自然习性和生物特性理解鸟禽类给人们带来的信息，进而“知天事，迈人命。”将鸟视为人与天之间的吉祥使者。中国花鸟画就是在这种环境下发展起来，成为一种观念先行的图式艺术。史书记载，魏晋南北朝时期已有不少独立的花鸟画作品，如顾恺之的《凫雁水鸟图》，可以说明这一时期的花鸟画已经有了一定的规模。虽然现在看不到这些原作，但是通过其他人物画的背景可以了解到当时的花鸟画已具有相当高的水平，又如顾恺之《洛神赋图》中的飞鸟等。到六朝时期，已出现不少独立形态的花鸟绘画作品，其中如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等。到了唐代，花鸟画业已独立成科，著录中计有花鸟画家八十多人。如薛稷画鹤，曹霸韩干画马，韦偃画牛，李泓画虎，卢弁画猫，张旻画鸡，齐旻画犬，李逖画昆虫，张立画竹等等，已能注意到动物的体态结构，形式技法上也比较完善。五代是中国花鸟画发展史上的重要时期，以徐熙、黄筌为代表的两大流派，确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型，“黄筌富贵，徐熙野逸”。清代石涛、恽寿平、朱耷（八大山人）和扬州八怪等都在花鸟画发展史上占有重要地位，特别是八大山人以其独特的绘画语言，表现内心的忧伤与家国丧失之痛，其笔墨与造型均独树一帜。
国画花鸟画以其美好吉祥的深刻寓意，以其精美绝伦或是高洁淡雅的画面，以其画面所吐露出的芬香，和谐气质，让现代高压快节奏生活的人们得到了前所未有的宁静与祥和，抛开一些生活碎片，净化内心与心灵，彻底融入到花鸟画的美好意境中，徐徐升华，慢慢沉淀。国画花鸟所给予人的，是近在咫尺的与自然的交流，它是喧嚣的尘世中可能保有的一份健康与活力，它会从精神上给予人们启发和满足，令人取得由静观万物而获无穷乐趣。礼数之外的闲暇，半分小园中的惬意，你可以做最本色的自己，无论你在参禅悟道，还是礼佛洗心，花鸟画都会是最超然的境界。然而，在西方，他们实际上是没有花鸟这一门分科的，他们的花鸟处于他们的风景画和静物画中。中国花鸟画与西方静物画既存在着某些相同的思想，更多的是体现着同一时期东西方体现在不同人生观、价值观、世界观的差异化精神内涵。就根本意义而言，无论中国的花鸟画还是西方的静物画，它们都不是为描绘对象而描绘对象的“绘形”之作，而是借助对客观对象的描绘表达人的精神、情感，表现人的审美理想和审美趣味，是真、善、美的寓托，在这方面中西是没有区别的。
在陶瓷上作画，与在纸上或者是在绢上是有很大区别的。我一般画的是釉上花鸟，那么，什么又是釉上呢？首先，陶瓷就烧成分成釉上、釉下和釉中。釉上彩陶瓷又称“炉彩”。所谓釉上彩，就是先烧成白釉瓷，或者烧成单色釉瓷，也可以烧出多色彩瓷，在这样的陶瓷上进行彩绘后，再入窑经600～900℃烘烤而成。我国古代陶瓷器釉彩的发展，是从无釉到有釉，又由单色釉到多色釉，然后再由釉下彩到釉上彩，并逐步发展成釉下与釉上合绘的五彩、斗彩。
一般来说，我画的都是釉上粉彩。粉彩瓷是珐琅彩之外，清宫廷又一创烧的彩瓷。粉彩作品无论人物、山水、花卉、鸟虫都显得质感强，明暗清晰，层次分明。采用的画法既有严整工细刻画微妙的工笔画，又有渗入淋漓挥洒，简洁洗练的写意画，还有夸张变形的装饰画风。甚至把版画、油画以及水彩画等姐妹艺术都加以融汇运用，精微处，丝毫不爽；豪放处，生动活泼。粉彩的绘制，一般要经过打图、升图、做图、拍图、画线、彩料、填色、洗染等工序。其中从打图到拍图，是一个用墨线起稿，进行创作构思，如绘瓷决定装饰内容与形象构图的阶段。正式绘制时的定稿叫“升图”，把描过浓墨的图样从瓷器上拍印下来叫“做图”。接着把印有墨线的图纸转拍到要正式绘制的瓷胎上去即“拍图”，这样就可进行绘瓷。粉彩是雍正彩瓷中最著名的品种之一，彩料比康熙朝的要精细，色彩柔和，皴染层次多。大多数在白地上、少量在色地上绘纹饰。以花蝶图为最多，牡丹、月季、海棠、四季花也极为普遍。
从古到今，尽管世界各民族对美的鉴赏千差万别，但是，却都能以某种方式获得对美的享受。美来自于生活，制瓷者正是从表现生活的角度，有寓意地间接地表现了人的思想和感情，或直接描绘了现实生活的风俗和风貌。
浅谈陶瓷新彩工笔花鸟
在新彩作品中，新彩花鸟画是一个重要的组成部分。它以细致的线条、准确的造型和精微的色彩进行严谨的创作，呈现出工整、工细与工丽的画风，具有强烈的绘画装饰性效果。新彩花鸟画内涵丰富，作品往往呈现情与景，意与境相互交融，其图式形象生动，格调高雅，意境深邃，具有蓬勃的生命力和感染力，留给人们自由想象的空间，给人以一种浪漫的、寓意浓厚的艺术享受。而且寄寓了人们主观的精神情感，深受世人推崇和青睐。
在工笔花鸟中，构图的主要标准是思想内容和艺术形式的有机统一。构图也是体现思想内容的一种手段，定气势，宾主，虚实相生，疏与密，聚与散，均衡稳定，呼应，穿插等。也可将西方现代派的一些构成方式与传统工笔画的方程融合起来，这样也就决定选择传统技法的多样性。众所周知：花鸟画注重寓意，但不乏只从寓意着眼，更多的是画家在作品中所倾注的思想感情，启发性地从中获得美的感受。
工笔花鸟的设色技法具有多样性，点、染、平涂等，它因对象的不同，质感在相应的轮廓内渲染。色彩达到物象的真实性和生动性。而写意则简炼，更具程序性与不可易性。花鸟画是表现人的意志精神的，是以自然的面貌，以画面的生趣，天趣来再现的，把画家的审美追求与自然形象融为一体。写生花鸟画创作的主要基础，它因掌握花卉的造型基本规律，进行艺术的再创造。而最高要求是通过精确的形来表达花卉的内在精神面貌，而形的精确不等于精神面貌，但神一定是存在于精神的形象之中。齐白石曰：不似为欺世，太似则俗气。花鸟画高于自然，美于自然，才具有美的艺术价值，因此，在创作中，我们应关注画面主体色调与背景色调的冷暖之间的对比，强弱程度，是否突出主体的同时，又能否和谐统一，而不是关注画面的物象色调与自然真实物象色调是否一样。
新彩陶瓷花鸟画崇尚文、意、趣，而这一切都是通过笔墨技巧来体现的。在这里，笔墨本身不是“具象”的，相对具体塑造的艺术形象来说，它是形式的因素，但却有着引起形象的联想和意趣的感受功能。正如蓝色和红色能引起冷暖的视觉感受一样，在瓷胎上不同的用笔能引起不同的视觉感受。水分饱满、行笔流畅的笔迹能引起春天般滋润的视觉感受；徐缓的用笔能引起持重含蓄的联想；流利灵动的用笔能引起洒脱欢畅的联想；快速而多变的用笔能引起龙飞凤舞的联想。新彩花鸟画这种笔墨形式因素，是画家的独特风格在艺术技巧方面的主要表现，也是陶瓷装饰所独有的绘画语言。
新彩花鸟画的创作，不仅要重在写实，重在传神达意，形神兼备，而且在主题内容和表现形式上，更要注重对花鸟艺术形象的刻画，做到轮廓清晰、结构严谨、线型协调，把画者的思想感情和艺术见解，贯穿于对花鸟表现的客观过程。既要发挥新彩的附着力强，颜色鲜艳的特点，又能跨越和突破生活的真实展开联想。“出新意于法度之中，寄妙理于豪放之外”。从意境的深度和广度上构思、渲染，使艺术风格流露于指笔方寸之间，以突出事物本质的表现手法加以对花鸟形象的塑造，将意韵充分表达在陶瓷载体上。花鸟形象有神才能富有生机、才有生命力，才能感动大众，唤起人们对艺术形象的思想感情共鸣，从而取得挺拔、大方、庄重、统一、整体的艺术效果。
传统和现代自古以来就是一个讨论的问题，然而，没有哪一个画家解决不好这个问题，或避开这个问题对这个问题的解决，而能有所成就，成为一代巨匠。传统和现代是绘画史线索的两端。所有的画家都要在这两端之间的线索上找到准确的位置，它们两者是相互统一。现代工笔花鸟画大概有几种表现形式，写实、装饰、传统和中西融合。我们应继承传统而又要有创新的理念。
然而，事物发展进步的评定准则适用性是阶段性的。就表现技法的完善和笔墨趣味的高杨，都不是艺术的终极目的。从龟甲“取物象形”到“骨法用笔”至“以形写神”，表现出技法的演进和艺术本质的复现，以至有效地利用技法形式来表现人类的审美情感和心性意象，才是艺术的本来目的。
现代工笔花鸟的表现技法是很难用几种面貌和方法来概括的，然工笔花鸟画所表现题材的深度和广度，还是技法探索的多样，都是前所未有的，工笔花鸟画正走向现代走向多元。
浅谈釉上山水的禅意
佛家说悟禅有三种境界：“看山是山，看水是水；看山不是山，看水不是水；看山还是山，看水还是水。”
涉世之初，纯洁无瑕，初识世界，怀着对这个世界的好奇，一切都是新鲜的，对一切事物都以童真的眼光来看待，眼睛看见什么就是什么，万事万物在我们的眼里都还原成本原。人家告诉他这是山，他就认识了山，告诉他这是水，他就认识了水。
第二个阶段，人经历了许多物是人非，对于这个世界问题越来越多，越来越复杂，红尘之中有太多的诱惑，看到的并不一定是真实的，一切如雾里看花，似真似幻，似真还假，进入这个阶段，人是激愤的，不平的，忧虑的，疑惑的，警惕的，复杂的。人不愿意再轻易地相信什么，易在现实中迷失方向，随之而来的是迷惑、彷徨、痛苦与挣扎。有的人就此沉沦在迷失的世界里，看山也感慨，看水也叹息，借古讽今，指桑骂槐。山自然不再是单纯的山，水自然不再是单纯的水。追求一生，劳碌一生，心高气傲一生，发现最后并没有达到自己的理想，于是抱恨终生。中国文人一生步履匆匆却翻不过那重山，他们的生命线一端系在“魏阙”，一端系在“江湖”。身在魏阙的，目光越过碧瓦飞甍，落在青山绿水之间，朦胧中山水似在含情相邀；身在江湖的，频频回眸帝王宫阙，投注在天子身上，眼波哀而不怨。就这样，儒、佛、道三家共同教化下的中国文人被佛、道催促着走进山水，却又被儒家长绳一抖，限定了步伐。
《洛神赋图》
我虽说知道其几大阶段概意，但是并没有说是真正地悟到了其中奥秘。画山水，并不是只是画出眼中的山水景色，而是在表达内心的情感。
山水画，是一种表现山川之妙并能为人类寻求某种精神寄托的画种。据史书记载，秦汉时期已有了山水画，但实物未见流传。而今天我们所能见到的最早的山水画，当是东晋名画家顾恺之的《女史箴图》和《洛神赋图》中的背景山水。前面我们在人物画一节中已谈到，顾恺之的这两幅画是以表现人物为主体的，山水只是人物背景的衬托。从六朝到唐山水画家虽然很多，但他们的笔法，位置却很古拙。其在魏晋南北朝时已逐渐从人物画中分离出来，形成独立的画料，到唐代已完全成熟。五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，达到高峰。从此成为中国画中的一大画科。元代山水画趋向写意，以虚代实，侧重笔墨神韵，开创新风。明清山水画，除少数画家外，大多以摹古为能事，突出笔情墨趣，如明代早期的画坛就以崇尚南宋画院的院体、浙派为主。他们多强调主观的审美感受，融各家之长，手法灵活多变，构图不再遵循从揖让的传统格式，自由安排，强调生活情趣。清代是中国美术史上的一个重要时期，文人化体系内部在艺术思想、创作态度、艺术风格上出现了新的变化，这也与当时的政治思想文化的变化相随。
我今天主要想说说文人山水，在我常画的作品之中大部分与文人山水相关，我喜欢写意山水，而不是就仅仅看着眼前死板的刻画。一幅画就像一首诗，一个灵魂，是独一无二的。以主观意想为创作源泉，以自由的心灵创作，必将使一些物质精神化，一切世俗观念理想化，从而获致一种与非现实世界可以比拟的，画之外的审美境界。文人画在很早就出现了，其有四个要素：人品、学问、才情和思想。文人画的“以形写神”，“气韵生动”等的理论被唐代张彦远肯定并加以宣扬以后，经五代到北宋而得到进一步的发挥，此后文人名流辈出，对宋代及后世文人画发展产生了极大的影响，凡诗，书，画，皆以尚意为高，强调主观心意的重要性，使绘画艺术从重在表现客观而转向主观心灵。“红豆生南国，春来发几枝？”
你一定认识这位著名的唐朝诗人，他的诗里有深远的禅意，苏轼曾评价道：“诗中有画，画中有诗。”他就是被誉为“诗佛”的王维，也是文人山水的始祖。但在他之前的人，很少会这样画，唐朝的富丽堂皇，画的都是青山绿水，而他墨色晕染的山水画，一切都是静悄悄的，这种隐逸的品味和诗境，到了两宋忽然被文人热烈追捧起来，他的画成了文人山水画最直白规范的表达方式。
文人画有水墨画与写意画两种，通常来说，很多人会把这两种画种归为一类，觉得写意画与水墨画并无不同。当然，单就技法和表现形式而言，约定俗成也无妨。但是，如果从理论角度去推敲，两者应有严格的区别。水墨画专指技法和表现形式而言，即用粗犷、豪放、简练而概括的笔墨表现对象的绘画。而写意画除了与表示水墨画含义相同的内涵外，还表示一种绘画观念。其实写意画是与工笔画相对而言的一种画法。它要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。“写意”一词意为披露心意，援用到绘画上，指写“心中意气”，也就是指源于生活而又高于生活的艺术。水墨画虽然强调“写”，但也不能排除技巧的精湛，水墨画的制作，在技法上主要表现为鲜明的符号性和绘制时严格的程序性。就技法而言，皴、擦、点、染无不带有符号性。
我喜欢将文人山水运用在陶瓷上。瓷瓶、瓷板甚至茶具上有诗有画，在生活中，闲暇时间，停下来，随时可以欣赏，这是多么惬意啊。通常，我是用釉上粉彩或者新彩的形式作画的。我个人比较中意青绿山水色调，再加入水墨效果，远处云雾缭绕，山水一线，以灰绿色做主色调。青山绿水，几处深山人家，一叶孤舟泛于水上，让我沉醉。还记得罗梭看破红尘硝烟，不堪尘世的重荷，执意来到瓦尔登湖畔，过着一种世外桃源的生活，在墨香古卷中看细雨闲花，望水而思，以碧波清流来洗涤心灵的尘埃。古今中外，文人面对山水总是柔情刻骨。山水文人一定超然物外，山水文人一定洁身自好，山水文人绝不从流，因为他们心中对山水有着一种信念。看山雨后，霁色一新，便觉青山倍秀，玩月江中，波光千顷，顿令明月增辉。
浅谈陶瓷山水画的构图
由于从小就喜欢游山玩水，对山水有种情有独钟的感觉。在景德镇这块艺术沃土里，我也开始学习陶瓷山水的绘画。初始老师教我们的是构图，告诉我们构图的重要性，这里我就想谈谈个人对山水构图的理解。通过这几年对新彩山水画的学习，对山水画的构图有一定的了解，认识到构图对一幅山水画关系很大，要能够充分运用构图的方法，使画面的布局十分合理，首先应该了解中国画家对自然山水的观察方法和中国画的透视法。
山水画是以自然山水的实境为依据，经过匠心经营，改造加工而成的。山水画是客观景物与画家思想感情相融合的主客观统一。如王云泉的山水画，纵横挥洒，大开小合，虚实相生，画外有画，画内有意，一山一水，一亭一树，皆成妙谛，达成形神兼备的神化之境，他对景德镇的山水画产生的影响，是很值得我们这些晚辈们学习的。
看山水时心眼要来回往复，由近及远，由远转近，上下高低，前后左右地看，这就是所谓的稠缪。盘桓是流连忘返，欲进不前之意。也就是说该注意的地方，即使是远处，也能看得比较清楚，不重要的景物，即使是近处，也可以视而不见。只有外师造化，了然于胸，作画时才能把自己的思想感情融合到对象中去，托情于境，借境抒情，情境交融，以达到“我之为山水，山水之为我”的境界。
关于陶瓷山水画构图主次层次，首先立主宾之位。即所谓“画有宾主，不可使宾胜主。谓如山水，则山水为主，云烟、树石、人物、禽兽、楼观为宾。”一幅画中有主要部分，或者比较主要的部分，这是指具体景物形体的分量，主要部分不一定是重要部分，如近部以数树为主，上部中间小的部分峰泉突兀为次，或者近部位置不拘，其他小部分以隐约的山峰配合。层次分明，才有空灵的感觉，没有层次，就不能表现自然空间的深度和广度。所以层次在山水画中颇为重要。要使画面有层次，首先要求下笔要洒脱，如果绘画不洒脱，再有层次也不会灵空。另一方面要“林峦交割，以清为法。”前后交待要清楚。各部分浓中有淡，淡中有浓，相互配合，相通一气，浓淡层次的变化就丰富了。不同的对象，要按近大远小、近详远略、近浓远淡的原则来描绘，还须以粗细、刚柔、轻重、疾徐的用笔加以配合，同样画树亦宜近详远略，如近处是小树，虽近而不大，远处是大楼，远却大，这就是用近浓远淡的笔墨层次来表达景物，使画面和层次比较丰富。
山水画，虽然是臆想中的虚景，但“虚为实之”，构图的方法，是从历代的绘画实践和人们的欣赏习惯中概括出来的，既是真实山水的千态万状，又是臆想中的艺术形象。“虚实相生，疏密相间，纵横开合，脉络气势”即是山水画构图之精妙之处。
虚实黑白。在陶瓷绘画中能看得清楚的地方就是实，空白釉面处就是虚，在一条线中也有虚实，虚实是通过釉料的浓淡变化和用笔的轻重缓急而产生的。
虚实感是由自然山水的客观景物所决定的。它在山水画的构图上十分重要。我们观察山水景物时，眼睛与对象之间总有相当的距离，这种距离感就要用虚的方法来处理。从另一方面看，引人注意的地方为实，不注意的地方为虚，同样要加以处理，以适应人们视觉的联想要求，因此必须掌握虚实浓淡的运用。古人说：虚难实易，计白当黑。要在空白处下功夫，使画面虚中有实，实中有虚，变化多样。例如上部山峰，下部林木，山与树之间虚，这虚即为云气，也是远近和两旁距离的处理方法。云气虽然虚，但在感觉上是实的，往往留着空白，不着墨与色，或只略施淡彩，使实中产生虚的感觉。画面还须有较大的虚实，在繁枝密叶之间，山石密皴中，结构繁复的建筑物中，都要应用虚实的方法。宾虹重墨的山水画中有多处的虚白，他自己说这是画眼，有眼即活。实处轩，虚处白，白处有时代表距离，有时为画面上轻重、均衡的需要，如音乐中的休止符，戏剧中的停顿处，白又可以代表太空，其中有万物生长之机。
疏密相间。画中有密处，也有疏处，按不同的对象，主要部分相对茂密，其他部分疏简。如房屋的瓦楞密，墙面门窗疏，同样的对象，在不同的部位，疏密也有不同，密和疏到什么程度，要看其整体布局的需要。树、竹的枝多部分要密，四旁枝稀处疏。丛树密，单树疏，这是客观情理。山石的皴法，一种是自具纹理的疏密，另一种是艺术加工的疏密。全幅的结构可以繁密或疏简，但必须使画面繁不嫌塞，疏不嫌空。疏密与繁简，有相同处，也有不同处，繁的不一定密，简的不一定疏。上部密下部疏密中有疏，疏中也有密。这就是结构中的繁简相间和疏密相间。繁密的布局中，山峦重迭，简的画中，疏树横坡。
纵横开合。一纵一横，交错有力，高峰横云、江边电塔，山上天光塔影，奇松横坡。一幅山水，如只有高峰或只有横的云、林、坡、树，就会缺乏变化。有时画两个山峰是纵，加崖边横出的树，或用染云，或峰后淡墨的远山，使两峰之间连成横势。也可以在近景处加横坡丛林，路径和建筑连成一片。整幅大的纵横关系，局部再搭配小的纵横，使之自然，丰富而有气势，生动而又精辟。还有横的两旁的山石峰峦或丛林要出纸边，形成画外有画的宏阔气势，即使小幅也深觉其“大”。
脉络气势者，山水画中各部分连贯自然，尤其是山，要有来龙去脉，脉络连贯、气势自然。有气势才有精神，使画面生气勃勃。否则不能全神。山的脉络如何，平时要多看山的远近左右，来往转折，再观察分析。只有多看才能理解，理解才能明确，也才能记住。“闭目如在眼前。”
另一方面，还需多读古人画论，看古今作品。除了山的脉络之外，平地横坡、林木、水流、村舍等都要顺势自然。“理路之清，由近低而高远。景色之备，从淡简而绸缪。……目中有山，始可作树；意中有水，方许作山……”，“路有出入，水有来源。”来龙去脉要交代清楚。
“似奇而反正”是中国字画的结构规律，与西画的变化中求统一的构图法相同。奇是变化，正是均衡。奇、正相反相成，好的构图要在变化中求统一。比如说构图像一杆枰。一边称五十斤柴草，体积很大，另一边秤砣体积很小，但提起来两边均衡。
山水画表现的景物比较大，相对说，透视关系不能大。你要画泰山，但你近处有一棵小树，按透视来看，它可能比泰山还要高，这怎能表现出泰山的雄伟？所谓“一叶障目，不见泰山”。我们常常在一些拙劣的风景照片中看见这样的构图。所以画大场面时要把透视关系缩至最小，最好把中景作为近景，这样近大远小差别就会减少。
古人对中国画的构图，有极为精辟的见解。如”经营位置”，指的就是独具匠心的构图，这是形成中国画民族特色的重要因素之一。它与西方绘画的构图法大不相同。一般说来，西方绘画总有一个固定的立脚点，只能把视野所见的东西收入画面（当然有时也有些集中、变化），中国画创作，可以全然不受这个限制而大大超脱了固定的立脚点、超越了一定的视野范围。当你观察生活，感受生活，获得了一定的意境，有了一个中心内容时，你可以把经年累月的所见所知乃至所想全部重新唤起，只要是与这个中心内容有关，情调一致的，都可以组织在一幅画里面。因此中国画常常包含极其广阔的内容，如前面所说的千岩万壑、层峦叠嶂、大川长河，可同时出现在一幅画面之中，使人站在这样的画幅面前，感到祖国河山的壮丽伟大，引起热爱祖国的感情。
画面结构同写文章一样，段落结构，组织安排，要有一个统一的构思。眼前的景物，只是一个局部，而一幅画，则应该是一个整体，是集中、提炼、概括而来的。好比布阵，是将自然的素材，经过艺术加工，使之有条理，在画面上形成一个完整统一的整体，这就要在构图方面下点功夫，只要有了好的构图，才能创作出优秀的陶瓷山水作品。
