从元代开始,风行的青花瓷,具有中国国画的笔致韵味。由于它是用毛笔把图象直接抒画在瓷器上,烧成后,在洁白光润的瓷画上,透出青色国画般的艺术形象而且青白相映、幽靓苍翠,十分富有艺术魅力。
青花装饰主要通过线条的粗细、疏密、点线等笔法来表现各种艺术意象。一笔之下,有刚柔、虚实、浓淡、轻重的变化,运笔之法有中锋和顺、逆、拖等。
青花绘画装饰的构图注意水路变化,即掌握整体黑白效果、大小块面、纹样组合的黑白空间。空间的疏密大小,也就是相对地由纹饰的疏密大小所造成。把非纹饰部分的白地,看作与纹饰部分同样重要的因素加以对待。
元代青花的绘画,继承了汉唐以来的现实主义优良传统,在表现客观事物的风貌上更加精辟。宋以前的牡丹纹饰,大都只有正视和侧视两种形态,而元代青花上的牡丹则多姿多态。上海博物馆收藏的元青花缠枝牡丹纹瓶,所绘牡丹,俯视、向背、聚散、飘逸,各尽所致,或绿叶拥簇;或疏花独放;或挂于枝头,低首不语;或嫩枝托护,昂然直上;或侧转返顾,娇态十足;或妖娆端庄,落落大方。
元代瓷器上的绘画艺术,既不同于唐代那种雍容富贵,又别于宋代之精致秀丽,而呈现出一种浑厚而又妖娆雅致的神韵。元代青花气势磅礴,笔势飞动,讲求大效果,并不拘于细枝末节。即使是云纹、海水、四方、二方连续那样需要规矩的图案纹样,也只是大体规整而已,且凭借其用笔之纯熟,悬肘运腕而写,转折有致,极富动感。
元代中晚期的青花绘画构图满实,但不死不僵。江西高安元代窑藏出土元青花云龙纹兽耳盖罐,全器纹饰有12层之多,但并不因此有拥塞之感,反倒有壮美之情韵,令人叹为观止。在器物的肩部、底部和盖面上虽然都用了变形莲瓣纹,但是,莲瓣纹内所附加纹饰却不雷同,有花卉、八宝、火焰等,因而在重复中显现出变化,加上其独有的运笔方式,使原本极易呆板的图案式纹样表现出动感。
明代瓷器的绘画风格可分为早、中、晚三个时期,永乐、宣德朝为晚期;成化朝为中期;嘉靖、万历朝为晚期。
永乐、宣德时期,青料流动性较大,发色深蓝苍翠,明艳深厚,料色透入釉层,线条往往有晕散现象,很象中国画在宣纸上所形象的墨晕,加上错落有致的晕点,使画面越发显得浑融沉着而华滋,景德镇的陶艺家为了追求中国画的水墨韵味,则更有意识借助和发挥这种青料的自然属性,形成了一种披离错落、豪放潇洒、气韵生动的艺术风格。此时的绘画表现题材,同元代相比,变化也大。植物纹样和动物画面激增。蔓草纹中有牡丹、莲花、蔷薇、宝相花、山茶花、菊等,与四季花共同表现。花和叶子比元代要小,富于写生趣味,形式自然,蔓草逶迤轻盈,加之白地与青色纹样比例适中,相互衬托,更加美丽动人。永乐、宣德时的瓷画风格改变了元代遒劲、挺拔的格调,而呈现出一种浓艳凝重、古朴典雅的风采。北京故宫博物院收藏的宣德青花海水龙纹扁瓶,瓶身以连天翻涌的海水作背景,怒龙横行于惊涛骇浪之间。
作为我国传统陶瓷装饰技法之一,刻瓷采用钻石等硬质工具在瓷器上镌刻出山水、花鸟、动物、人物、书法等纹饰,根据画面需要再填以墨彩。刻瓷作品观之有形,触之有感,既有“金石之韵”,又有“笔墨情趣”,风格迥异,自成一刻,极具魅力。
一件体量不大的精美刻瓷作品,在制作过程中,往往需要数天或者数十天的刀雕凿刻才能完成。刻瓷与其他陶瓷装饰技法相比,要求制作者不仅要有深厚的绘画基础,更要掌握娴熟的镌刻技法。众所周知,瓷器硬度高,釉面光滑,既硬又脆,需用坚硬的工具进行雕刻,关键部位一刀失误就会前功尽弃。古往今来,学画者众,事刻瓷者寡,历存的刻瓷作品数量也因此较少,透过这些存世不多的刻瓷作品,其发展轨迹渐呈世人,延续至今。
清乾隆年间已经有人将山水等纹饰镌刻于瓷板之上,再用紫檀木镶边,做成挂屏供室内陈设之用。清光绪年间,刻瓷艺术得到较大发展,用刻瓷技艺装饰的瓷器品种逐渐增多,有花瓶、茶壶、帽筒、罐、缸等。
清末从事刻瓷艺术的艺人逐渐形成了一个行业。在清末烟画的一幅作品中可以看到刻瓷师傅正在依照顾客的要求,在其购买的茶具上雕刻书画,由此可见刻瓷业在当时的影响力。
民国时期,刻瓷艺术继续流传。中国陶瓷馆(淄博)所收藏的清代、民国时期的46件刻瓷作品中有44件源于民国时期。民国后期,由于政局不稳,经济萧条,民不聊生,制瓷业落入低谷,刻瓷艺人生活无法保障,纷纷转行另谋生计,能坚持下来的也寥若晨星。
粉彩作为一个陶瓷装饰的画种,在我国的陶瓷艺术园地独树一帜,并以其淡雅柔丽的风格,数百年来唤起了人们的无限美感。
"粉彩"装饰从清代开始在原"古彩"的基础上逐步演变形成。到了康熙,乾隆年间可说是到了兴旺阶段,装饰手法上绝大部分都是从中国画来装饰的,从大量的资料和实物样品中可以看出清代这段时期,粉彩已不是原有"古彩"的那种用线不分浓淡,用色单独,只靠几种颜色的表现形式,而是在造型上吸取了中国画工笔重彩用线有浓淡变化,用色自然写实的表现手法,由原来古彩用线单调,无浓淡用色、无阴暗层次,演变成具有中国画用色丰富,阴暗层次强,用线有浓淡粗线之分。花叶用广翠加以打底色,分出明暗层次,花头也巧妙地用玻璃白打底然后再用洋红、净苦绿、紫色等加以洗染,这种工艺操作方法完全是国画工笔画中的操作方法,其效果简直是中国画在陶瓷上的再现,不同的只是所用材质不同。采用中国画装饰的粉彩瓷,其工艺性更加和中国画表现技法溶为一体了,粉彩在这段时期发展到了登峰造极的水平,有些精品在皇宫中才可享用。直到现在仿古瓷中的粉彩精品都要落上清康熙,乾隆年间制的底款,以示是代表当时粉彩的顶峰时期的象征,而这些作品绝大多数都是以中国工笔画为特征的粉彩装饰纹样,其价值连城。
粉彩写意花鸟是借鉴、吸收国画写意花鸟的特征和技法,结合陶瓷材质的特点而发展起来的一种陶瓷装饰。粉彩写意花鸟在技法上脱去了粉彩工笔花鸟那种线条勾勒轮廓,层层洗染的工序以及工致、细腻的刻求,拓展、发挥了笔触、料色痕迹的表现力,强化了笔触和料色在运转流动中所自然体现出来的韵致,并吸收了书法的用笔,融书画于一体。在形象刻画上重简洁、提炼,重神韵意向,而且易于抒发作者的思想情感,表现作者的艺术个性。
粉彩写意花鸟的创作要做到胸有成笔、意在笔先。因为粉彩写意花鸟具有写意国画的特点,要求形象高度概括,笔法洗炼,追求神似和韵味,因此一般不打轮廓,这就必须做到从全局着眼,心中有数,从画主体开始,大胆果断下笔,每画一个局部都必须顾及到整体效果,边画边看,统筹兼顾,逐步完幅,最后细心收拾,臻于完善。
粉彩写意花鸟水点法以水来调和颜料,这样可以较好地表现笔触和料色的韵致。一般用玻璃白打底,画花朵时往往在笔毫上先蘸较淡的料色,笔尖上蘸少许浓料色,施手法使料色产生由深及浅的色阶,然后进行描绘,自然分出层次,犹如国画中的没骨法。这样画出来的花瓣色彩层次丰富、滋润鲜活。所画的枝干也富有立体感,再以羊毫笔稍加皴擦,便产生出丰富的肌理效果。画叶一般用油性颜料,叶片不先勾线,先勾线的缺点是上料时容易被樟脑油榨开。
工笔花鸟画意在工整细致,从艺术的角度描绘了时花候鸟的景象。娄彩具备高度模仿工笔花鸟的优势特征,技法学习方便简单,因此可吸收借鉴很多式笔花鸟的章法、技法和画法,但它绝不应该是工笔花鸟的再现。粉彩艺术特点是画法生动多变,形象细腻逼真、颜色丰富、粉润柔和,其颜色粉质感强,是其它彩绘所不及的。我们要结合造型、釉色以及工艺材料,使它把工笔花鸟匠艺术溶化在自身的工艺技法和艺术处理中去,化成自己的风格特点,赋予自己的艺术精神。
好的作品要有好的素材,好的素材来源于平时生活中细致入微的观察和积累。粉彩工笔花鸟装饰创作和国画一样,也需要经常进行实地观察和写生,要求创造者熟悉掌握各种花卉树木、规律,生存空间及其风格特点。如柳树:冬枯春发,主干有枯老苍霜的特点,而枝条却给人软嫩的感觉。所以,在绘制中一定要刻划出主干纹路苍老、柳枝软嫩、柳叶细而长,特别是垂柳,要表现出轻柔飘摇的姿态的特点。粉彩工笔花鸟瓷画既继承了传统陶瓷彩绘的优秀技艺,又有其自己独特的表现技巧取豪夺。它不受工艺的限制,在配料、作画、用笔上,可以灵活地运用各种造型手段和表现形式创作,是粉彩瓷画的重要特色。
粉彩是根据题材和画面把画者的思想感情和艺术见解贯穿于整个对客观事物的表现过程。正如李可染先生指出:"意境是艺术的灵魂,是客观事物精萃部分的集中。加以思想感情的淘铸,经过高度艺术加工,达到情景交融、借景抒情,从而表现出来的艺术境界、诗的境界,就叫意境"。将意境充分表达在瓷器上,以之感染受众,唤起他们在思想感情上的共鸣。这是粉彩工笔花鸟陶艺作品的又不艺术特色。同时粉彩也根据时代特色的人文精神把艺术创作和现代审美观念相结合,把聪明才智运用到粉彩工笔花鸟技艺中的开拓创新里。在传统技艺的基础上,融入民族艺术和民族文化的精华,形成丰富多彩的创作形式。充分考虑表现自己的感受,呈现特定花鸟形象与人们精神生活的联系,以引发受众的联想与想象,由花鸟想到人,由自然想到人生,唤起有一定理想、道德和情操的人对于社会生活的体验,以传达特定花鸟给予观者的感受和触动。粉彩陶瓷工笔花鸟艺术作品的主题、画面的虚实、手法的运用,装饰技法的选择、技艺的掌握,都需要经过创作实践,才能得心应手,恰到好处,在作画时表现出娴熟的造型能力,材质精、手法新、意蕴深的作品,才会产生令人神往的艺术感染力。
工笔花鸟作为粉彩花鸟的"源"而言,很大程度上制约着粉彩花鸟发展,在现今情况下,我们应该从多角度出发,充分挖掘粉彩花鸟自身特征,形成自己的艺术风格,使它有更大的发展空间。相信经过大家的努力,粉彩花鸟会有更一步的发展。
收藏的行当之中,艺术瓷器收藏是一门高难度的知识,瓷器以简单来说分为:古代瓷和现代瓷。
当今还有许多的爱好者还是照样沉迷于古董瓷器里面,几千年的民族文化艺术瓷器珍品有多少呢?真正拥有者又有多少?可现在古玩市面上到处都有很多千年珍品。可见:大家这就可为这些到处流传的珍品艺术瓷器真假问题打上大问号了。
所以,现代那些有眼光的瓷器收藏爱好者,把目光投向现代艺术瓷器,这既可作为一种艺术欣赏,另外又可作为一种投资收藏,(以我个为建议:收藏现代名家、大师作品远比收藏古玩市面上的假货来得合算吧!)这又不失是两者皆宜的情趣爱好哦!
现代艺术瓷又称细瓷,艺术瓷雕造型丰富、线条流畅,釉烧产品,胎体质感很好,外观晶莹碧透;而素烧产品,瓷尊外形雕刻上纹理体现得更加清晰明了,表情更加细致丰富。瓷泥色泽方面:有玉白、象牙白、猪油白、粉红、微绿、微兰、宝石黄、骨白等胎体瓷质细致明洁。
艺术瓷雕又具有浓郁的民族风格和中国气派,这也是收藏领域中不可或缺的一大玩点。同时,也受到中外艺术瓷器爱好者的青睐。
比起古代的古董瓷器,现代瓷器价格要低得多,对于一般的收藏爱好者来说都是能接受的。就看到现代(名师、名家)的瓷雕随着年代的推移,何尝日后不会升值呢?大家都应该了解,古董瓷器与现代瓷器的区别仅仅在于历史价值和艺术价值的不同。一件上乘的现代精品艺术瓷同样受到追棒哦!何况随着它年龄的增长,以后这些现代精品不就获得两个价值了吗(历史价值与艺术价值)?
瓷器的制作工序严谨,从选料、制胚、晾干、上釉、彩绘到焙烧,每道工序都不能出 纰 漏,其艺术雕塑之复杂,使烧成佳品较为困难。何况,人们的审美眼光也不一样,有的喜欢古朴的、有的喜欢典雅的、有的喜欢素洁的、而有的喜欢现代派、抽象、意识流夸张的、张扬的,所以一件作品的成功与否很难达到众口一词,全凭收藏家自己的眼光和对艺术的理解与鉴赏能力。这便是收藏的特有魅力。
当今,新艺术瓷的收藏没有赝品的困扰,无真伪之别,只有艺术水平欣赏高低之分。不像古董瓷器那么难把握,假货赝品满天飞,行家、大鉴宝家也会看走眼的。因为听古瓷市场上的信息传言:现在古董瓷器制造者高明得很,专门研究的是鉴宝家与鉴定大师们的鉴宝特点而彷制古董瓷器的,这就为古董珍品的真假造成混乱,真可谓是真假难辩!不少古瓷的玩主受骗上当的不在少数。就连一个玩古瓷器玩到老的高培元先生也常在古董瓷器市场上受骗上当。更何况初入此道者呢?
那么,以我个人的见地,大家如果对古董知识与鉴赏能力研究不够通透。何不把目光转向当代名家新作与名家珍品呢?
下面让我来浅说艺术瓷器选购的几个要点: 一定的修养和眼光是必须的,选购那些艺术上乘的精品 艺术瓷器,除了要考虑价格因素外,对瓷器要仔细察看,一看器形态是否周正,有无变形;二看釉色是否光洁,色度一致,不要有砂钉气泡眼、脱釉等疵点。
青花或彩绘,颜色上要特别注意观察。要求颜色不艳不晦,不深不浅,有光泽,因浅则过火,深则火候不够;艳则颜色过厚,晦则颜色过薄。
再看绘制技巧,是否精细工整,一丝不苟。千万不要买那种有打印轮廓,再草草勾勒填色,千篇一律的流水线生产的瓷器,这种瓷器无艺术性可言。
要轻轻弹叩,检查有无肉眼难觅的裂纹,再好的瓷器,一有裂纹便大打折扣,不但身价大跌,而且失去真正的收藏意义。
总之,艺术瓷雕兼具欣赏性和收藏性。对艺术瓷雕感兴趣的话,不妨作些投资,同时也可丰富精神生活,在欣赏与收藏中取得更高层次的收获!
对于 选购与收藏来说,价值往往存在于独具慧眼之中,这便是收藏的特有魅力。
釉下彩绘是运用钴料是青花瓷器的两个基本工艺要素。早在唐代,我国就产生了青花器的雏形:1972年陕西省乾县麟德元年(664年)郑仁泰墓出土了一件白釉蓝料彩罐钮,它是有确切年代可考的我国使用钴料的实物例证。1975年,江苏杨业唐城遗址出土的几片青花瓷片,经国内专家学者研究论证,决定为“唐青花残片”。
据有关文献记载,目前流失到国外的完整唐青花器有六件,国内发现的完整唐青花器大概十余件,其中绝大部分在私人藏家手中。关于青花的起源,新《中国陶瓷史》:“基本有两种不同的观点。国内外一部分学者认为我国青花器是受波斯影响,从原料到制作工艺都从波斯传入。另一种意见则主张青花器是中国的创造,至于历史上确实运用过进口的钴料,那只是引进原料的问题。而且进口钴料和国产钴料究竟哪一种首先应用在陶瓷工艺上,也还有待进一步探索。我的意见属于后者。有资料表明,早在春秋战国时,我国在制瓷工艺上就已经应用钴料了!
唐青花瓷可以证实我国青花瓷的原始阶段。70年代浙江两处塔基出土了一些宋青花瓷片,也是研究我国青花瓷发展的重要材料。宋代有300余年历史,但青花瓷在这麽长的历史时期中却没有得到明显的发展,这与宋代的历史文化有着密切的关系。宋代统治者崇尚复古之风,追求造型美、线条美、古朴美。宋代5大名窑汝、官、哥、定、钧莫不如此!
元王朝的建立,由于最高统治者是蒙古族人,蒙古族人性格开朗豪放,偏爱民族风格浓郁的装饰,色彩对比度大,纹饰繁密,加之元朝政府十分重视对外贸易,波斯文化不可避免地对中国文化产生了一定的影响。在瓷胎上绘制图案,要远比刻画、堆塑随意的多,而且表现力也强的多。釉下青花彩绘就是在这一历史条件下快速发展起来的。元代仅有不足100年的历史,中早期的青花瓷器仍处于原始阶段,纹饰比较简单,发色大都偏灰,所施的釉也多为青白釉。瓶、罐之类的琢器,都有接胎的痕迹。
釉里红瓷器的烧制成功是元代景德镇瓷工的重要发明。釉里红是以铜为呈色剂,首先在胎体上绘制纹饰,罩上透明釉后在高温下烧制而成。铜红时窑室烧成气氛要求十分严格,必须在高温还原焰气氛中才能呈现红色。它是元代景德镇瓷器中最难烧制,也是最为精美之作。元代釉里红器的胎质一般呈灰白色,釉面以青白釉为主,器底无釉处呈火石红色。铜红原料在烧制过程中极不稳定,窑室气氛稍有改变,其呈色就变得灰暗发黑,或出现铁锈色。还原铜在高温下非常容易挥发,不易做出色阶清晰的图案,所以只能平涂线描,画面比较单调。因此,釉里红器产量非常少,能流传到今天的器物也就更加稀有了!而青花釉里红是指在同一器物上先用钴料和铜料给彩,再罩透明釉,高温下一次烧成的瓷器。由于铜红和钴蓝所需的气氛不同,能同时呈现两种不同的理想色调,就更加困难了。在今天的传世品中,极少有两种颜色都十分艳的器皿。
进入元代中晚期,随着对外贸易的快速发展,为适应出口贸易的需要,青花器发展十分迅速,从器型到纹饰,逐步成熟起来,典型的景德镇“青花瓷釉”的成功使用。同时宣告成熟的“至正型”青花瓷器的到来。成熟的元青花器的烧制成功,打破了传统的青瓷、白瓷、青白瓷的单纯釉色和刻、印、划、剔花以及釉上红、绿、黄、黑、褐彩的局限,以其优雅的兰色,为后世瓷器装饰颜色画法开辟了一条新路。
从我国青花瓷由原始到成熟阶段,可以体会到聪明的古代瓷工,为提高制瓷水平曾作出多少艰辛的努力。元青花的发展成熟,又为明、清两代精细的青花瓷打下了十分坚实的基础。纵观我国制瓷业的发展进程,可以深刻体会到:无论是哪一个时代,政局稳定是科学进步、市场活跃、艺术繁荣的基础。
陶瓷艺术的发展一般是从古代和现代两个角度来衡量,对于古陶瓷的收藏和鉴赏价值来说,它注意是体现到历史和艺术价值,对于一些热爱古玩的爱好者来说,选择古陶瓷还需要一双火静静的眼睛,这样才可以分辨出一些真正有价值的瓷器,避免一些假冒伪劣产品的鱼目混珠,因此真正的消费者也可以说是真正的鉴赏家,他们在选择古陶瓷的过程当中也是有一定的阅历的!
而说到陶瓷艺术的时候,与古陶瓷相对于的就是目前现代化陶瓷工艺,现代化的陶瓷艺术的发展注意是起到鉴赏和艺术化的两大特点,注意是以陶瓷的材料还有制作的工艺来为结合考虑的,尤其是制作的工艺,无论是从形态还有色泽方面,具有一些艺术特性的陶瓷产品,个性越新颖,那么在市场的认可度越高,价格也会相应的增高!不过尽管制作陶瓷艺术的工艺品在设计的构成当中需要很复杂的供需,但是在研制的过程当中,基本上越是贵重稀少的陶瓷产品,它的数量越少,这也是为什么陶瓷产品能够被一些收藏家越炒越火的原因之一,如果一个陶瓷艺术产品在世界当中独一无二的化,它的价值是有目共睹的!
陶瓷产业化的发展在艺术的道路上还需要有创新的理念,无论是古陶瓷还有现代陶瓷,都需要与艺术化真正的融合在一起,这样才可以推动陶瓷产业的发展,如果艺术与陶瓷脱节的化,那么陶瓷产业与艺术都不可能达到共赢的局面!
陶瓷绘画是陶瓷装饰中的一部分,它是将中国画的艺术形式在不同造型的陶瓷胎体上进行装饰,主要方式是采用陶瓷类矿物质颜料,在高温火的作用下反应,从而实现其艺术价值。陶瓷绘画通常分为釉下彩和釉上彩,釉下彩是指在己成型好的坯体上作画,接着上釉入窑烧制,最终得到成品;釉上彩则一般指在烧好的白胎上进行彩绘,再去烘烤,使彩料发生玻化作用,从而达到预期的效果。陶瓷绘画的艺术表现手法相当丰富,既可以是工笔,也可以是写意和工写结合;既可以追求中国画的水墨韵味,同时还可以展现西洋绘画的丰富色彩和明暗体积的塑造。所以通常在立体的造型上进行陶瓷绘画,它所展现的是陶瓷的形体美、质地美、绘画装饰美的综合体现。
在中国陶瓷绘画中,花鸟画则是一个宽泛的概念,除了本意花卉和禽鸟之外,还包括了畜兽、虫鱼等动物,以及树木、蔬果等植物。翻开中国绘画史,首先出现的是彩陶,继而青铜器,其后是帛画和画象砖,可见当时的绘画是从属于工艺品。随着社会的发展,绘画艺术的分工越来越精细,同时也引起了部分影响,使得绘画同政治、宗教、文学逐渐地结合,进而从工艺美术中分离出去,成为以笔及颜料为工具的独立的、纯粹的造型艺术--绘画。共同反映出各个历史时期的社会美学观点和民族文化心理特征。
在原始彩陶和商用青铜器上,常常采用花鸟图案,“花鸟”充满神秘色彩,遗留着图腾的气息。据史书记载,到六朝时期,己出现不少独立形态的花鸟绘画作品,如史道硕的《鹅图》、顾恺之的《凫雀图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等,唐代时期,花鸟绘画已独立成科,著录中计有花鸟画家80多人。如曹霸韩干擅长画马,薛稷擅长画鹅,韦偃擅长牛,卢弁画猫、李泓画虎等等。
如今,花鸟画仍然是广大群众喜闻乐见的画科之一。在工艺美术上,花鸟画的装饰作用更胜一筹。其原因可能与百姓生活相联,同时大自然中的花鸟不仅仅与人类生活有着紧密的联系,而且以其优美的品性和生动的形象,给人以精神上的陶冶和美的享受。所以无论是在陶瓷、染织、装璜还是雕刻工艺品,都离不开花鸟画。尤其是陶瓷工艺装饰,因为花鸟有一种吉祥的寓意,在陶瓷表面绘画吉祥物,更能表达人们对生活的热爱和向往。因此有着较高的欣赏价值。
自远古时代起,当人类尝试用艺术表现自身力量的同时,也在艺术中开始描摹那些充满无限生机和活力的花鸟。这些艺术化的花鸟,不但较之自然界的花鸟更具典型性。元、明、清朝以来,青花、粉彩陶瓷艺术丰富,它们都大量地运用花鸟画来装饰,特别是粉彩,它具有清秀文雅、纤柔精致、色彩丰富的特点,所以工笔花鸟画便成为主要的装饰手法。众所周知,景德镇粉彩瓷素有“始于康熙、精于雍正、盛于乾隆”之说。其问世发展至今,与中国画结下了难解之缘。尤其是在工笔花鸟画的影响下,无论是构图立意还是运笔设色及表现技巧和装饰风格,都在粉彩瓷上表现得淋漓尽致。中国工笔花鸟画对粉彩花鸟画的影响也可谓之深广。从某种意义上来说,粉彩花鸟画装饰风格的形成和发展,在一定程度上折射出中国工笔花鸟画的艺术成就,反映出“笔墨当随时代”深刻的哲理内涵。
陶瓷绘画更能表现出花鸟画优美的品性和生动的形象。清代的雍正时期,粉彩在画法上明显地受工笔画影响,尤其是花鸟画,无论在构图,设色和用笔方面,均可以看出工笔花鸟画的表现形式起主要作用。陶瓷绘画又不同于纯粹的中国画,它是一门工艺性很强的陶瓷艺术表现形式。在进行陶瓷艺术绘画创作时,它既要照顾到中国画的美学要素,而且又要符合其工艺特性,它的一切艺术美感最后都要通过“火”来实现,也就是“泥与火”的结晶。同时不同的造型也决定不同的绘画装饰,陶瓷的造型有平面和立体两种类型,平面的造型有如纸的特性一样可以进行独立的纯绘画创作表现,这与一般的中国画本质相同,最终作为一幅画供人们欣赏。
创作是学习陶瓷装饰绘画的最终目的。花鸟陶瓷装饰亦是如此。从生活中提炼素材,经过构思、艺术塑造等步骤,进而达到工艺性、思想性、艺术性的有机结合。炼出生活式的瓷上花鸟装饰,表现出自然界的花鸟在瞬息万变中的情态,花鸟的瞬间形神、动态、时间、场景尤为重要。所以作为一位为创作而创作的陶瓷艺人,钟情于大自然,亲身体验大自然生活,以敏锐的洞察力去发现和捕捉生活中花鸟的瞬间生动形象。所以我在花鸟绘画当中,也逐渐地形成了和大自然的美结合起来,这也是20世纪50年代陶瓷艺人的共识。
忠于自然,又不为自然所限,以特有笔触实现特定主题内容,大胆改革,大胆创新,才能匠心独具,婉转运用夸张和变化获取幽远的多方位形象感染力。所以有观念认为,时代变了,粉彩工笔花鸟画的技法也需要变,才能从“山重水复疑无路”走进“柳暗花明又一村”,这样才能体现现代人的技艺和能力。如已故陶瓷美术家汪以俊,他为建国十周年创作的大型瓷板画《六鹤同春》,鲜明地表现出了自己独特的创作思想和绘画风格,他集郎世宁中西两法,于花树禽石,以明暗渲染,淑沈南画鹤勾勒精确,疏渲道地,效恽南田描花绘卉,色泽典雅,明丽神彩之笔触,形象地表现出一个“鹤鸣阳谷、苍松滴翠、牡丹吐艳、灵芝流丹”的繁华景象。以谐音手法表达了自己对世界和平的良好夙愿。这件作品也被中外陶瓷界人士誉为现代工笔花鸟粉彩画的精品之作。还有陶瓷美术家章仕保的四幅条屏画《百鸟画》,如今也成为我们青年学习粉彩工笔花鸟画的好教材。因此我们作为下一辈学子,创新思维的概念是不能忘却的。
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