中国传统图案类型多种多样,运用在不同的装饰手法当中,然而陶瓷艺术是我国工艺美术当中不可或缺的。本文对中国传统图案在当代陶瓷装饰艺术中创新运用的两种基本形式即传统图案的再设计和创新制瓷工艺对传统图案的表现进行了简单的分析,着重讨论了创新运用在当代陶瓷装饰艺术发展中的未来趋势。
一、相关概念解释
1、关于中国传统图案
中国传统图案是中国几千年传承下来蕴含着最能代表中华民族思想文化的视觉符号。中国古代的先人从生活中将大量的优美景色描绘出来,提炼出具有民族特色的图形,通过写意象征等手法将哲理性和美感融为一体,如竹、松、梅、菊等代表高洁的情怀,龙凤、麒麟、貔貅代表财富、地位,并蒂莲、蝶恋花则象征爱情,具有吉祥寓意的图形是中国传统图案的重要组成部分。与国外的绘画思想不同,中国人观察自然喜欢加入自己的想象,按自己的审美理想去创作图案,因此才出现了龙纹、凤纹等现实生活中并不存在的图案。
2、关于当代陶瓷装饰艺术
在陶瓷上装饰图案已经有了几千年的历史,新石器时代的彩陶就已经具有很强的装饰性,后来宋代的瓷器和明清时期的官窑也都以装饰精美著称于世,有很高的艺术价值和收藏价值。陶瓷装饰艺术反映了人类对于美的追求,例如八仙过海、鲤鱼跳龙门等图案反映人们对美好未来生活的向往等。
随着社会经济和技术不断进步,出现了多种学科、多种技艺、多种材料、多种手法于一体的新趋向,这些新趋向极大地促进了现代陶瓷装饰的发展,推动陶瓷装饰艺术向更高层次和纵深方向发展。比如我国传统图案“牡丹”代表富贵,“金鱼”有金玉满堂之意,在现代陶艺的装饰中,牡丹和鱼的形象也随处可见,但是却赋予了新的时代内涵,造型丰满大方、灵动、颜色鲜艳。这就是现代陶瓷装饰艺术家在继承传统的基础上不断推陈出新,运用多种艺术形式及装饰手法展现当代的陶瓷文化特色。
3、关于创新运用
在陶瓷装饰艺术中,传统的装饰手法具有一定的形式美法则,有其独有的韵律和规律,比较多见的是平视构图、立式构图和格律式构图,创新运用则区别于这些运用手法,更多地融入了当代的设计思想和设计手法对陶瓷载体进行装饰,这些艺术作品不仅具有传统民族特色,而且更符合人们日益变化的审美需求。创新将是今后设计师追求的重中之重。
二、中国传统图案在当代陶瓷装饰艺术中的创新运用形式
1、对中国传统图案元素的再设计
在平面的造型中,无论传统还是现代点、线、面都是最基本的构成元素,既可以表现具象形态又可以表现抽象形态和意象形态。利用传统图案中的某些元素,运用新时代的点线面构成方法来重组图案。通过对形与形之间的规律变化、组织安排,来构建画面的动静和疏密。
青花系列作品之一《蓝风》
对中国传统图案的再设计,就是将传统图案与现代的陶瓷装饰设计相结合,首先设计师需要认真研究传统图案纹样和其所包含的寓意,学会从传统图形中提取合理的元素,结合现代陶瓷设计手法,比如:打散、切割、错位、变异等方法,将这些元素进行重新设计整合,分解重构,将时代元素融合进去,最后运用到陶艺装饰的设计之中。是施于人教授的青花系列作品之一《蓝风》,他的作品从设计的角度出发,将传统的青花纹样元素运用现代的设计思想进行解构和重组,整个作品既传统又不失现代设计感,包括整个点线面的运用,融会贯通,耐人寻味。通过这样的步骤创作出来的作品不仅能够保留传统艺术的神韵,还能具有明显的时代特征。
2、运用多样化的制瓷工艺表现中国传统图案
《飞天》
在如今多样化制瓷工艺的情况下,陶瓷艺术作品丰富多彩,千姿百态。艺术家们运用不同的材料不同的工艺,制作出或清雅、或华丽、或精致、或粗犷的艺术风格。作品《飞天》,此作品就是运用了敦煌壁画中的飞天图形,其运用了泥条贴塑的陶瓷制作手法,创造了浮雕的视觉感受。流畅的线条,潇洒的笔触,再施以细腻清丽的蓝色冰裂纹釉面,赋予了传统的飞天全新的风貌,令人赏心悦目。
三、中国传统图案在当代陶瓷装饰艺术的创新运用发展趋势
1、透彻理解中国传统图案的寓意和形式
在应用传统图案时应透过其物化表面深入研究它的精神内涵,只有深入领悟了传统图案的艺术精髓,才能将现代与传统有机地结合在一起。传统纹样产生于民间来自于生活,具有很深的根基。不论采用何种表现方式,强调夸张、变形的追求形式美感和吉祥的寓意,在风格上商、周、秦、汉时期的纹饰体现了中华民族的博大气质,唐宋时期的纹饰体现出宽容开放的精神气度,明清时期的纹饰体现出细腻、 谨慎、含蓄的风范。瓷器上的纹饰俊秀、活泼,都是现代陶瓷装饰艺术设计中取之不尽的灵感源泉。
2、更加注重中国传统图案的运用形式
随着信息时代的发展,人们的思想和眼界越来越开阔,单一的设计形式是永远满足不了当今人们的审美,如果在艺术手法和形式上得不到创新,那么陶瓷艺术是无法发展的,如何在继承传统的同时又能达到创新,那么运用形式、艺术表现手法就很重要,新的思想需要完美的艺术表现。
在当今陶瓷装饰品中,不论传统的、民间的还是现代的,都是随着社会的发展而发展。无论国内还是国外的陶瓷设计更加注重图形的视觉表达,科学的进步给陶瓷艺术设计开辟了前所未有的新领域,因此也产生了新的设计思想和要求。人们在热衷于电子技术和电脑设计的同时,必然会在传统图案艺术中汲取大量养分,利用现代陶艺表现手法,创造和弘扬传统文化。
3、更加适应国际审美要求
作为几千年的世界陶瓷大国,立足于传统,寻找切入点与国际接轨,是中国发展具有说服力的陶瓷艺术作品的必由之路。寻创造具有中国特色的设计艺术语言,从传统图案中汲取营养是不容忽视的。一方面,要引入具有国际观念的设计思想,对于目前中国缺乏创新的现状具有十分重要的意义。另一方面,普及我国优秀的陶瓷传统文化和制瓷工艺,重视艺术创作者的素质培养,提高全民的艺术修养,从而促使中国陶瓷艺术更具民族特色和发展潜力。
·釉里红瓷
釉里红瓷是传统陶瓷中的艺术珍品,属于元代中期景德镇劳动人民的重要发明之一。釉里红瓷制作工序与同时代的青花瓷大体相同。它是以氧化铜作着色剂,于胎上绘画纹饰后,罩施透明釉,在高温还原焰气氛中烧成。因红色花纹在釉下,故称釉里红瓷。
釉里红是元代景德镇窑创烧的一种釉下彩绘。釉里红即釉下的红色,它以氧化铜在瓷坯上着彩,然后施透明釉,1300℃还原焰烧成。但真正色彩鲜艳的极为罕见,这是因为它的制作过程复杂。这一工艺始于元代,明代达到成熟阶段,清代以后,更有所发展。元代釉里红大多呈灰白色,器物以碗、罐居多。装饰简单,有缠枝莲、缠枝牡丹、草叶纹等。
·釉里红瓷
明洪武年釉里红较为盛行,呈色浅红而带灰色。当时的器物釉面有的有纹片。除了玉壶春瓶、玉壶春执壶及口径在20厘米的大碗为釉底外,其它均为糙底。装饰以线描为主,纹饰有缠枝菊纹、缠枝牡丹、缠枝莲等,与元代的人物故事、动物、鱼藻等图案相比,就显得简单了。器型除了瓶、壶外,还有盘、碗、罐等。清雍正时的釉里红呈色鲜红且有层次,烧造得极为成功,可谓历史高峰。当时器型有盘、碗、瓶等,纹饰以三鱼、五蝠为多见。
·釉里红瓷
釉里红瓷是指用铜红料在胎上着彩,然后罩以透明釉在高温还原气氛中一次烧成,使釉下呈现红色花纹的瓷器。现有的出土资料和传世实物表明釉里红瓷器首创于元代景德镇。由于釉里红以铜红料为呈色剂,铜红釉在烧造技术上难度很大,正常显色不仅与彩料中的铜含量和基釉的成分有关,并且对烧造的气氛和窑温的要求都十分敏感,配方和烧成条件的任何细小变化都会导致色调不正,因此发色纯正的釉里红瓷在元代很少见,大多是灰红色。明代洪武时期釉里红仍然较少,发色多是比较淡的红色或偏灰的红色,但较之元代有了很大提高,永乐宣德时期的釉里红发色极佳,浓厚鲜艳似宝石,也有淡红色的,这与当时的透明白釉提炼已达到极高水平有关。宣德以后釉里红走下坡路,直到清代康、雍乾三朝才得以复苏,这时的釉里红发色较为纯正艳美。
釉里红的最大特点是烧制难度大,成品率极低。它是以铜为着色剂,在白胎上直接绘制各种图案纹饰,在上面施一层釉,铜在高温还原焰中发出了红色,所以名叫“釉里红”。
包装设计是艺术设计中不可缺少的一部分。在人们的日常生活里,包装是随着人类文明的进步而逐渐发展起来的。在包装设计及应用的发展中,人们越来越开始重视和关注包装的作用。它的作用早已不再是单纯盛放物品,而是表现一件商品以及一个品牌的理念和价值,是对商品最直接的宣传。包装对每个消费者来说都不会陌生。无论是哪个国家的人,只要接触到商品,就会看到商品的包装。一个商品质量的好坏,包装也起到至关重要的作用。本文主要阐述的是青花瓷元素在包装设计中的运用。
一、青花瓷历史文化简介
青花瓷的历史文化悠久,专家学者们常常把元青花和清代康雍乾时期的青花瓷视为青花瓷中的佳品。在古代,青花瓷的使用频率就是相当高的,大家都喜欢青花素雅的色彩,无论是普通老百姓家用于日常生活中的器皿,还是官宦人家用来摆放在家中以彰显身份、地位的摆件。都能看出从古至今,青花瓷的色彩以及纹饰都是被人们所喜爱的。
青花瓷是最富有东方民族风情和最契合中国人心理审美的的瓷器品种,青花瓷起源于唐代,兴盛主要出现在元、明、清三代,描绘的纹饰主要是日常的花卉及生活场景。元代青花陶瓷改变了配方,陶瓷纹饰也开始丰富起来,有人物、动物、植物,也会描绘一些场景和一些诗词歌赋。做工也更加细腻,到了明代更是将青花瓷的发展逐渐推向高峰。器皿造型更加丰富,纹样装饰也更加精彩。甚至开始销往海外,造型更加稳重与多元化。青花瓷的发展在清代康熙时期达到巅峰,乾隆后期开始逐渐走向没落。青花瓷纹饰的特点在于清新、雅致、端庄而又不失高贵的气质,承载着我国悠久的历史文化,岁月的变迁,也使青花瓷显得更加富有魅力,是我们中华民族不可或缺的文化瑰宝。
二、青花瓷纹饰在包装设计中的意义
包装设计也是一种视觉传达,无论是国内还是国外,人们在选择一件商品时,首先看到的就是其外在的包装,通过眼睛的感受来感觉图形、色彩以及内容。而青花瓷最吸引人的特征,就是其美丽的青花纹饰,纹饰不仅美丽,又充满历史底蕴与文化内涵。通过将青花瓷的图形及色彩运用到包装设计上将是一次美丽的视觉盛宴。无论是视觉感受上,还是纹饰内容上都能吸引到消费者的注意力,并且会有令人眼前一亮的感受。人们看惯了五彩纷呈的包装,看到这典雅的青花搭配,必定会有全新的视觉体验。在文化上,无论是国人还是外国友人,一眼就能认出这满满的“中国风”。这样的包装设计,承载的不仅有商品,还有我国悠久的历史文化,即使历经千年的打磨,这种历史文化内涵所传达出的文化气息也是无可替代的。消费者在看到这样的商品时,不仅被它全新的搭配所吸引,也为祖国的传统文化而感到自豪。
三、青花瓷纹饰在包装设计中的运用
包装设计是艺术设计中不可缺少的一部分。在人们的日常生活里,包装是随着人类文明的进步而逐渐发展起来的。在包装设计及应用的发展中,人们越来越开始重视和关注包装的作用。它早已不再是单纯盛放物品的作用,而是表现一件商品以及一个品牌的理念和价值,是对商品最直接的宣传。包装对每个消费者来说都不会陌生。无论是哪个国家的人,只要接触到商品,就会看到商品的包装,一个商品的好坏包装也起到至关重要的作用。青花瓷元素也可以尝试在包装设计中进行运用。
笔者非常喜欢青花瓷这种素色的搭配,也喜欢它纹饰的清新。所以当对青花瓷有一定的了解后,对笔者的学习和专业上有很多启示与帮助。通过对青花的喜爱,又了解到了蓝印花布,去过南方城市,看见了蓝印花布的制作过程,给人感觉都是一样的清新脱俗。虽然一个是瓷器,一个是在布面上进行的扎染,但笔者感觉它们之间是相通的。虽然方式不同,但艺术的美是相通的。在本科期间,曾经根据这一元素创作了一组名为中国蓝的包装设计。设计的主体颜色就是白色和青花蓝色,运用青花瓷器与中国书法结合设计出招贴海报。包装主要分为白底蓝花和蓝底白花两种。简单、原始的蓝白两色,创造出一个淳朴自然、千变万化、绚丽多姿的蓝白艺术世界。青花瓷得到了形式和内容的完美统一,因而青花瓷确实真实地反映了一种深厚的文化和艺术积淀。在今后的学习和设计中还会常常用到青花元素,不仅仅是出于它的艺术价值,更爱它清新淡雅的外表下,浓浓的传统文化气息。以后还会更深入的去了解青花瓷,也会对今后的学习和设计有更深刻的理解与帮助。
四、结语
通过对青花瓷的初步了解和研究,对陶瓷艺术也有了进一步的认识,也更加的喜爱陶瓷艺术。无论是陶瓷艺术还是包装设计,都是艺术的一种表现形式,它们是相通的。陶瓷艺术不仅见证了我国文明的发展,也给后人留下了丰富的文化财富。当笔者看到这一件件精美的陶瓷艺术作品时,不禁反思,古人在没有任何高科技与大机器的条件下都能制作出这么美轮美奂的作品,现代拥有这么好的学习条件,又有什么理由不去努力创作出更好的作品呢。在以后的学习和生活中,也会更加注意观察身边的陶瓷作品,注意观察身边的每个生活细节,也许生活中最平常的元素就可以形成一个优秀的设计作品,艺术是没有国界的,任何元素都可以成为设计的创新点,让设计融入更多种表现形式,丰富自己也为今后的学习和设计储备能量。
陶瓷绘画艺术是艺术家抒发情感的一种状态。陶瓷绘画艺术与其他艺术不同,它是在陶瓷载体上绘画,绘画完成后还需要经过一定程序的加工,才能显示其成功与否。陶瓷绘画艺术它既美化了陶瓷载体又再现了文化品味,让欣赏者赏心悦目。可以说它的文化层面是大美精神的承载,是主观意识化的状态,因此它的艺术状态行为是独创的。例如:陶瓷青花艺术,它的状态魅力在于;色泽单一却显高贵素雅。“天青色等烟雨而我在等你,月色被打捞起晕开了结局,如传世的青花瓷自顾自美丽你眼带笑意……”青花之美,美于幽静,青花之色单与任何一种颜色相比都略显幽暗,就如同一块美玉,温润、淡雅、清澈,但易碎的特性使其更加弥足珍贵。其次造型的创造应该是展示视觉的力度、节奏的变化、生命之美态;笔墨形式的创意,要呈现神韵、氤氲之气;色彩的渲染状态,应达到色彩斑澜的诱惑力、色彩辉煌的冲击力;构成的态势,要以画面的整体感、和协性、大气、现代感为美,包括吸收现代的平面构图、立体、几何构成以及打破时空的构成等。总之,陶瓷绘画艺术是唯美之术,是创造神态、品位、格调的状态之术。
陶瓷绘画艺术形式中的生命体现在立势,势在艺术状态中是一种态势,它是以生命的动静、虚实取势,这种势产生节奏变化,产生氤氲之表象,所以立势是激活陶瓷绘画艺术的重要手段。然而,立势必须以文化含量为底蕴,方能隐现出陶瓷绘画而独有的书卷气、文质气,达到诗情画意的视觉艺术效果。
立态势即是立象。立象之味、立象之气、立象之势,归根结底是立神似之象,这是中国画意之精髓。也正符合陶瓷绘画艺术,因为陶瓷绘画艺术有“瓷上国画”之称,它容纳了国画之精髓。民国时期粉彩瓷绘受中国画影响,绘画大师以瓷代纸,瓷绘工艺出现了国画艺术效果,并成为一种时尚,得到社会的广泛承认。具体说瓷画艺术是在追求一种艺味、趣味,即有意味的形式,在艺术创造的过程中,不管你采用什么方式、方法、手段,最终都是为了达到气韵生动的奇妙之态。例如:一个不经意的生活小景或片断,没有媚俗地向你感官推销,而是让你从容地进入画面,由此产生一种状态。在不大的空间里,你却有一种别有洞天般的艺术感觉;在有限的时空内,你会体验到一种无限的、不紧不慢的精神漫游,这种精神漫游让你既感受不到深重,更看不见广告式的说教与灌输,而是在虚静中让你体验生活的真实,产生与众不同的立象之意。
艺术人生是短暂的,能把握住成熟期是艺术家的头等大事,通常成熟的最佳年龄状态大约是四十至六十岁,或五十至七十岁,也就是二十余年的最辉煌的创造期。这个阶段艺术家的世界观、方法论已基本确立,智能、技能、体能都在最佳年龄段上,谁能把握、发挥这个优势的年龄状态,谁就拥有艺术,成功的可能性便大。如果超过和失去这个高峰状态,不管你有多大的才华和雄心壮志,再也找不回流失的时空,可能成为终生的遗憾。
遗憾的失去时机是多方面的:一是真正的艺术观没有确立。缺乏对艺术的虔诚性、坚定性、献身性,见异思迁,半途而废。二是思想方法有误。学习和创作的方法犹如军事上的战机,贻误战机,战略目标则达不到,错过美好年华。艺术标准是无止境的,大多数从事艺术的人奋斗一生成功者甚少,那么成功的方法是什么呢?我认为关键是抢占时空,因为时空对艺术家来说就是生命、就是艺术。三是缺乏艺术家的人格力量。真正的艺术家是懂得事物规律的,而陶瓷绘画艺术之规律是大器晚成、大智若愚,所以须奋斗终生不敢懈怠。通常说人品即画品,人品好才能产生人格的力量,才能把握住名利、得失、金钱与艺术的关系。在艺术人生中,只有艺术是永恒的,其他只是过眼云烟而已。
因此,成功的陶瓷艺术家必须具备大美的人格魅力,方能在艺术的实践中远见卓识,畅怀大鹏之志,奔向艺术状态的宏大战略,不达目的誓不罢休。所有这些使我们可以期待,进入状态的陶瓷艺术家会沿着其思想力度的理性去自然而然地参与生活,而不仅仅是让理性躺在生活的沙滩之上。在时尚中,我们丢掉的是一种耐心,以及在耐心基础上的理解与领悟,而生活中的体验与思考,使我们收获的不仅仅是形式与感官的刺激,更多的是参与生活所揭示出的一种状态、态度、思考及弥而不散的状态求解。
书法艺术经过历史长河的沉淀,从初始的应用工具渐渐的演变成了让人欣赏的艺术品,记得有一个很有名的书法家在写一个和平的“和”字时,当众大笔一挥,这个和字的神来之笔就在于和字的第一原文出处是华夏陶瓷网笔,把一个活生生的和平鸽外形表现出来了,和字的意义更加形象化了。一副好的书法艺术品,它不仅仅是表达文字中的含义,书法家通过文字的表现,能把内心思想情感以及人生态度表现出来。
钧瓷聚宝盆
作为陶瓷艺术品,书法艺术在它身上的应用有相当大的潜力可挖。景德镇的陶瓷艺术品应当利用书法艺术开拓出新型的陶瓷艺术品,目前书法艺术都是作为画面提名、落款以及诗句的形式存在,我觉得在现有的基础上,应当开创出更高层次的书法艺术和陶瓷艺术品相结合的表现行式。
我国工艺品上应用书法艺术题款盖印的传统装饰方法,自仰韶文化的象形文字至近代的五体兼备,源远流长。殷代青铜工艺和其它文物的不断发掘,给我们提供了丰富的宝贵资料。西周后期及春秋时期的青铜器上的铭纹也大量增加,著名的“毛公鼎”铭文长达源怨苑字,其它如“散氏盘”、“大克鼎”等铭文也相当长,在不同角度上反映了当时的政治经济和社会状况。瓷器上运用书法装饰,早期以唐代长沙窑用行楷体书写诗或底款的较为多见,如春字壶等。宋瓷中以书法作装饰的也有大量遗物,如“雪月风花”瓶就是以行划体均衡地按四个方向书写在器物的肩部,既别致又具有浓厚的装饰趣味。题诗作画到了清代的陶瓷制品上就更多,还有用工整的隶书或楷书把短文或诗词,用艳黑或西赤书写文章出处是华夏陶瓷网在整个器面上,用得非常大方美观。
我认为书法在陶瓷装饰上,无论采用哪些形式,必须注意不同的造型风格,不同的装饰内容,来选取不同的书体。不论写哪种书体,第一是讲究用笔,第二是讲求笔势,第三要体会 字的意趣。李可染先生认为书法有构图、线条、意态三个方面,这是从另一个角度概括地说明了各种书体的审美要求。所谓构图,无非是要求书法结体在形式上感到力的平衡、安定,达到多样而统一的艺术效果,在陶瓷装饰中还要求适合器型。所谓线条,指的是运笔过程中笔划的粗细、长短、干湿、快慢等所表现出来的节奏感,在一定程度上反映出书写的人在当时情况下的一定情绪。所谓意态,指书法的整章、整行或个别字,看上去给人们的一种感觉,使欣赏者因不同的经历、不同的年龄、性别、文化程度而引起不同角度的共鸣情感。
随着瓷都景德镇进一步对外开放,脚步的加大,陶瓷文化对外交流的面也更宽广了,我们应该发扬祖国的优秀文化传统,让世界更深入的了解中国了解瓷都景德镇,通过中国景德镇陶瓷艺术这载体,把祖国优秀的书法艺术传遍世界各地。