景德镇立镇千年，千年制瓷，由于其独特的地理位置和资源，一直是全世界热爱陶瓷人们的向往之地。这里的人们绝大多数都从事着与陶瓷相关的工作，是名副其实的“瓷都”。
一直以来，笔者主要攻克的是釉上粉彩瓷画。所谓釉上粉彩，就是一种釉上彩瓷种类。粉彩作为釉上彩瓷中的代表瓷种之一，又名软彩，深受大众喜爱。粉彩瓷是在珐琅彩的基础上发展起来的一个新瓷种，一跃成为清宫新贵，一段时间内超越青花瓷的地位，成为瓷界霸主。粉彩瓷运用玻璃白将颜料乳化，使颜色变得粉润温软，以此得名粉彩瓷。粉彩始创于康熙，极盛于雍正，乾隆粉彩中的一部分继承了雍正时期在肥润的白釉上绘疏朗艳丽纹饰的特点，在此基础上又有发展。粉彩代代相传至今。
手绘荷鹭情长粉彩花瓶
在釉上粉彩的众多题材中，我最喜欢的是花鸟题材。陶瓷画实际上是基于国画上的，技法风格都是相似，都是有着大众喜闻乐见的文化，又有着高风逸远的个人节气。
基本也是有着写意、工笔以及兼工带写之分。
首先说说工笔花鸟画，工笔花鸟画多以中锋用笔的鉄线描、高古游丝描进行结构塑造，表现方法工整细致，先勾后染，设色艳丽，富有装饰性。在对花鸟描绘的过程中，通过白描造型、勾勒填彩，再采用分染、罩染、统染、点染、接染、撞水、碰色等技法描绘对象，产生栩栩如生、精致动人的视觉效果。工笔花鸟“始于唐代，成熟于五代，鼎盛于两宋”，特别是两宋时期，由于帝王宋徽宗的提倡与参与，工笔花鸟画盛极一时，成就了“宣和画院”的辉煌时期。“黄家富贵”的黄荃就是工笔花鸟画家的卓越代表，其作品多描绘宫廷中的异卉珍禽，丰满，画花浓丽工致，勾勒精细，几乎不见笔迹，谓之“写生”。后人把他与江南徐熙并称“黄徐”宋初花鸟画的两大流派。
再来说说写意花鸟。写意花鸟中又分为大写意与小写意，小写意的特点是真实、生动。是花鸟中一种比较普遍的画法。而大写意在中国画中是一种比较难掌握的画法，需要有很好的基本功，在表现对象的时候，带有很强的主观性，造型大胆、夸张。它的特点是，具有很强的抒情性、创造性、趣味性，给人一种潇洒、气派、落落大方的艺术感受。总的说来写意画讲究的是“意”，重视形似而不拘泥于形似，追求“不似之似”与“似与不似之间”，强调的是作者的个性发挥。明清两代是中国写意画真正确立和大发展的时期。明代沈周的花鸟画强调笔精墨妙，擅用水墨淡色。继而有陈白阳在其水墨写意基础上以生宣纸作画，使水墨韵味产生了前所未有的艺术效果。明末清初出现了像八大山人这样的大写意家，八大山人是中国绘画史上的重要画家，他无论在笔墨、造型、章法，还是在画中立意，画外寄情等方面都是别出心裁的革新者。八大山人以他奇古的笔墨画出的“伤心鸟”、“瞪眼鱼”传达了他孤高、愤懑的情怀。他的《荷花小鸟》、《孔雀牡丹竹石图》可以说是体现他艺术观的代表作。近现代写意花鸟的代表人物就是大名鼎鼎的齐白石先生了，他早年曾为木工，后以卖画为生，五十七岁后定居北京。其笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实，所作鱼虾虫蟹，天趣横生。“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺？”这是齐白石先生的经典语录。他主张艺术“妙在似与不似之间”，衰年变法，形成独特的大写意国画风格。齐白石先生既能极工，又能极简，分别地在两个极端上有所创造，而最终又不肯拘泥于任何一个极端的艺术家所选择的造型尺度和审美的中界点。
在画花鸟画时，不论是写意还是工笔，都要十分重视写生的重要性。写生是基础，首先要做到的就是要观察。那么观察什么，怎么观察呢？就花卉来说，要了解花的枯荣及霜晴雨露中的情态，从花朵叶与枝干等各部位简述其结构与生态。 一般花朵包括花瓣、花蕊、花托花萼梗等几部份。花瓣有单瓣与重瓣之分，花形有离瓣合瓣之别，牡丹蔷薇花等是离瓣的重瓣，梨花木棉花等是离瓣的单瓣，牵牛花百合花等是合瓣的单瓣，大部份的花卉都具有单瓣与重瓣的不同品种。譬如桃花芙蓉花水仙、木槿梅花等。花蕊有长短多寡的区别，雌雄同株的花，大蕊小蕊都在一起。雌雄异株者仅有小蕊，或仅有大蕊，有的花蕊较明显，有的较隐密，都需仔细的观察。禽鸟在中国画中又称为“翎毛”，可区分为水禽与山禽两大类，依其生活习性，又可分为涉禽、游禽、猛禽、攀禽、鸣禽、雉禽等类。此外要明白禽鸟的雌雄，禽与兽绝大部份都是雄的较美。少数雌雄的羽毛一样，但是雌鸟总比雄鸟略小，雌鸟的右翼及右尾翼在上，雄鸟的左翼及左尾羽在上。鸟类的喜、怒、哀、惊表现在翼、尾及姿态上，都有不同。
在陶瓷上画画又是大有不同，陶瓷的光滑以及釉料的料性都使在陶瓷上作画难度大大增加。并且陶瓷由于还要入窑烧制，在烧制过程中极易出现诸多问题，因此价值也是水涨船高。在将来，作为陶瓷艺术的传承人，我也会努力创作出更加好的作品，向前辈们致敬。
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“陶瓷界的笔墨意境”—花鸟陶瓷画
陶瓷是一种“颜值和实力兼具”的器物，不仅有着各种优美的曲线器形，瓷胎上的各种绘画造型也是充满了艺术性和创造力。下面给大家介绍的是陶瓷艺术界的花鸟画。
陶瓷花鸟画大规模发展起来是在唐代长沙窑时期，并随着陶瓷装饰材料的发展而发展，经久不衰，直至当代。唐代长沙窑以高温褐绿彩花鸟画为主，风格写意。至宋代时，北方的磁州窑兴起，磁州窑最负盛名的是白地黑彩写意花卉生动传神，不逊文人画家手笔。它的特点是将中国画的技法大量运用于陶瓷绘画，形成了白瓷黑花的独特风格，取得了强烈的对比效果元代时景德镇青花瓷出现，其明快美观的艺术效果使其很快成为中国彩绘的主流，其中花鸟画题材占据多数。明清时期之后，出现了更多的陶瓷花鸟画品种，在陶瓷花鸟画艺术创作中，工笔、写意以及工写兼备等各类风格百花齐放。
中国历代画家关注现实，体悟自然，经过长期艰辛的探索，在生活中不断提取创作素材。五代黄鉴、黄居采笔下花鸟形象勾勒精细，形象逼真而富有真实的美感;五代徐熙、徐崇嗣开创的“落墨花”、“没骨花”花鸟画，给人以清淡高雅的美感;至宋代崔白、赵昌又更提倡以造化为师，写生之风盛极一时。苏轼、文同等文人墨客以梅、兰、竹、菊等为创作题材，为“文人画”的发展奠定了基础，成为元、明、清文人画发展的先导，一直影响到今天明代以青藤、白阳为代表的水墨淋漓、笔意奔放的写意花鸟画，独具笔情墨趣;清代任伯年以生动活泼的笔意、鲜活明丽的赋色描绘出一幅幅令人喜爱的花鸟画。
实际上在每个朝代和每个时期，陶瓷花鸟画都在发展和创新，都在适应这个时代的需要。不可否认，时代对陶瓷花鸟画的影响是巨大的，而当下的陶瓷花鸟画发展方向是不以人的意志为转移的。随着时代步伐的前行，挣脱以往较为统一的发展方向，呈现丰富多彩的面貌、向着多元空间发展是一个不争的事实，也是陶瓷花鸟画从传统向现代转型过程中所产生的必然现象。
陶瓷的美是多样而丰富的，陶瓷文化也在不断的发展演进。陶瓷工艺的发展也融入了绘画等多种艺术技艺，是一种综合性的艺术作品。
从《雅韵》谈釉下五彩写意花鸟瓷画的意境
从对作品《雅韵》意境的分析可知形意相生、情景交融是釉下五彩写意花鸟瓷画意境主要特点，当代釉下五彩写意花鸟瓷画应在传统基础上营造符合时代精神的现代意境。
釉下五彩花鸟瓷画由于当代复兴以来，由单一的工笔风格逐渐步入到工笔与写意并盛阶段，而写意风格显然更代表釉下五彩花鸟瓷画的发展方向。意境是釉下五彩花鸟瓷画的核心审美特质，本文试从作品《雅韵》切入谈一谈釉下五彩写意花鸟瓷画的意境。
一、釉下五彩写意花鸟瓷画《雅韵》赏析
传统釉下五彩花鸟瓷画采取的是勾线分水的工笔技法，写意技法直到上世纪末才开始得到普遍运用。这件花鸟瓷盘《雅韵》即是当代釉下五彩写意花鸟瓷画的典型作品。
该作品以池塘为景，水低石平、游鱼嬉戏，石苔浮萍烘托中，水气淋漓、墨色华滋，给人一种浓浓的夏日感觉。朵朵水仙集簇，亭亭玉立，迎风绽放，白玉般的花蕊秀逸动人，如闻清香四溢，沁人心脾。而在岩上花旁，一只水鹬正悠然觅食，眼神直盯池中游弋的小鱼，全神聚注中，清新宁静的画面顿觉鲜活。此图虽画面构图简洁，但相互呼应，动静结合，以高度概括的手法描绘出迷人的夏塘小景，匠心独具、巧妙布置，笔法古拙、色泽雅致，文人手笔毕现。
作品融入了作者醇厚的对大自然生命的感悟和情趣，融情于景，既富有生活气息，又融书、画、印的文人修养为一炉，在似于不似之间走出了一条新的花鸟写意之路，谱写出釉下五彩写意花鸟瓷画工写兼备、彩墨相宜的艺术境界新篇章。
二、釉下五彩写意花鸟瓷画的意境
意境是中国写意花鸟画的审美标准，也同样适用于釉下五彩写意花鸟瓷画当中，釉下五彩写意花鸟瓷画对于自然物象的处理妙在似与不似之间，一方面应物象形，尊重客观物象的真实性，另一方面则对形进行主观化的意象处理，使形意融合相生，力求以简洁的画面景象表现尽量多的意趣感情，情景交融间给人以空灵、洁净的感受，营造一种野逸自然的意境。
首先，釉下五彩写意花鸟瓷画在色彩处理上采取独特形式，尽情抒发创作者情感与真趣，以营造一种想象意境。如在作品《雅韵》中，用色颇为大胆，山石、鸟羽以墨色表现，而鸟头部以朱红点缀，红与墨色产生强烈的撞色对比，水仙叶片鲜亮的绿色则从整体上打破了暗色为主的色调，相互映衬下突出了釉下五彩的特质肌理美感，体现出在用色上的意象处理方式。
其次，釉下五彩写意花鸟瓷画在笔墨处理上注重苍劲而拙朴，笔简意到，意在形外。如作品《雅韵》中的笔墨，笔法抑扬顿挫，充满节奏，墨色与极具韵致的线条相结合，在浓淡干湿的巧施中体现出醇厚的意蕴。而在强烈而明快的用线用料中，又别有一番单纯简朴的民间装饰之美。
最后，釉下五彩写意花鸟瓷画在构图章法的处理上，注重将数种物象以巧妙的方式组合在一起，无论是主体之物象还是衬托之背景，都被置于同等地位，以小观大，折射大千世界。如作品《雅韵》中，鸟、石、花、鱼巧妙地错落布陈于一体，而左上部却大量留白，给观者以深远的想象空间。每一物象均带有创作者自我的精神观照，意与象达到完美结合。
三、釉下五彩写意花鸟瓷画意境的现代性思考
釉下五彩写意花鸟瓷画是工艺技巧与意境神韵的完美统一，是釉下五彩花鸟瓷画现代变革的产物。釉下五彩花鸟瓷画在清末萌生后即逐渐失传，在当代得到复兴后长期保持工笔为主的传统风格，而釉下五彩花鸟写意风格的出现则将釉下五彩花鸟画由对物象客观具象的描绘提升到抽象层面，从而表现出与传统工笔风格所完全不同的方法与观念。
进入新世纪以后，釉下五彩写意花鸟瓷画达到其发展的鼎盛，釉下五彩花鸟艺术家创作出一大批具有写意精神和深远意境的优秀作品。不过，仅仅达到这一点显然是不够的，如何在新世纪实现其现代性表达，反映出鲜活的时代精神是当前釉下五彩写意花鸟瓷画需要深入思考和解决的重要课题。
釉下五彩写意花鸟瓷画的现代性必须建立在深厚的传统中国写意花鸟画的基础之上，割裂了与传统写意花鸟画的血脉而模仿西方抽象画形式显然是不可取的，既丧失了自身的文化认知基础，也无法获得本土认同，从而陷入到文化身份迷惘的尴尬境地。
釉下五彩写意花鸟瓷画意境要实现现代化，只能是在不脱离传统的基础上进行创新，既不复制传统，也不西方化，而是走自身的发展道路，创造出既具有釉下五彩特色的，又符合现代民众审美观的新的艺术意境。因此，釉下五彩写意花鸟瓷画家要坚守自身文化立场和艺术精神，以自我深入体验和感悟来表现与时代相契合的意境。
花鸟瓷画的成长及价值
人类的审美意识似乎是与生俱来的，据人类学与考古学的研究，人类早在原始社会就有了对美的追求，对于自然形象有朴素的审美意识，对于各类飞禽走兽、花卉树木，有了简单的描绘与记录。表现在山洞的墙壁上、岩石上、还有原始陶器上，那时候的花鸟还只是简单的装饰手段和无语言的装饰记录，但还不是花鸟画，只属于一种原始的花鸟艺术。对美好事物的向往和对自由的渴望是人类艺术中最永恒的主题，自有语言起，人们便没有停止过对自然花鸟的讴歌和赞美。
中国国画历史悠久，属于中国传统文化不可忽略的一部分，国画不仅代表了一个时期的发展，也代表了当时人们的一种精神寄托。随着时代发展，国画经过了传承与创新，演变成了今天这种多技法、多规格、多内容的创作形式，但按传统文化的画科分类，共分为花鸟类、山水类、人物类这三大画科，其中花鸟类与山水类逐渐成为了当今中国绘画的主流。在中国画中，凡以花卉、花鸟、鱼虫等为描绘对象的画，统称之为花鸟画。
花鸟画历史悠久，其形象作为绘画形式出现，虽比人物、山水都早，但到魏晋、南北朝时期，才出现擅长画花鸟的画家。张彦远《历代名画记》说“画蝉雀，自景始也”。这里指的就是南朝的顾景秀，顾景秀是南北朝时南朝宋画家，供奉于宋武帝至宋孝武帝时期的宫廷中。其以画蝉雀著名于世，据说宋武帝刘裕曾赐驸马都尉何戢蝉雀扇，即为景秀所画。后齐高帝肖道成求扇画，何戢将此扇献给肖道成，并且陆探微等人称赞其画艺“巧绝”。其蝉雀画法工细，意境佳妙，为当时的楷模。顾氏亦能人物、肖像及树竹等，作品流传至唐代有《蝉雀麻纸图》、《宋文帝像》、《王献之竹图》等。据文物鉴定资料记载，当时一些着名的人物画家，也画过以花鸟为题材的画。六朝四大家之一的顾恺之也画过花鸟题材的画作，顾恺之的画最为著名的还是中国十大传世名画之一的《洛神赋图》。同为六朝四大家之一的陆探微也画蝉雀，代表作《蝉雀图》，他其实是属于顾景秀的后辈。在中国画史上，他是正式以书法入画的创始人，他把东汉张芝的草书体运用到绘画上，可惜今已难再见到他的画迹。搜寻史籍，发现有关陆探微的生平活动资料非常少。《历代名画记》中记载：“陆探微，上品上，吴人也。宋明帝时，常在侍从，丹青之妙，最推工者。”这是有关陆探微生平正面书写的唯一记载。我们对陆探微绘画风格的了解可以说全是凭借后人的著述。陆探微没有一幅绘画真迹留存至今，所幸是他的画风对后世影响极大。还有南朝的陶景真画的《孔雀鹦鹉图》也是惊为天人，可惜这些画迹都已失传。唐代的时候，花鸟画渐渐独立出来，成为一个独立的画科。唐代的时候，著录中计有花鸟画家80多人，不少花鸟画家以其精湛的技艺名垂后世，初唐薛稷为画鹤名手，开元、天宝时期，曹霸、韩干、陈闳画马独盛一时，冯绍正画鹰、鸡等甚为精妙，画牛以韩混、戴嵩最为精专。在那时，画家们已能注意到动物的体态结构，形式技法上也比较完善。
花鸟画发展至晚唐时，实际上已存在精工与粗放、斯文与野逸两种风格，这就孕育出五代花鸟画的两大流派。五代时期可以说是中国花鸟画发展史上很关键的时期了，以徐熙、黄筌为代表的两大流派，确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型，就是“黄筌富贵，徐熙野逸”。以西蜀黄筌为代表的一派，被称为“黄家富贵”，因为他们多描绘宫廷苑囿中的珍禽奇花，画法精细，以轻色渲染而成。而江南的徐熙所代表的一派，则多取材于水鸟野卉，画法多用墨笔，色彩极少，相对黄筌一派的风格，这一派被称作“徐熙野逸”。徐熙出身于江南豪门，一生未官，郭若虚称他为“江南处士”。沈括说他是“江南布衣”。其性情豪爽犷达，志节高迈，善画花竹林木，蝉蝶草虫，其妙与自然无异。徐熙是江南花鸟画派之祖，主要的代表作品有《玊堂富贵图》、《石榴图》、《春燕戏花图》。他画花，落笔颇重，只要略施丹粉，骨气过人，生意跃然纸上。徐家后人皆善于画画，时称“江南花鸟，始于徐家”。黄笙是五代时西蜀画院的宫廷画家，十七岁时即以画供奉内廷，曾任翰林待诏，主持翰林图画院，又任如京副使，任前后蜀宫廷画师四十余年。其所画禽鸟造型正确，骨肉兼备，形象丰满，赋色浓丽，勾勒精细，几乎不见笔迹。长期处于宫中的他画风受到很大影响，由于所画多为珍禽瑞鸟，奇花异石，画风工整富丽，反映了宫廷的欣赏趣味，所以被称为“黄家富贵”。到了宋代出现了水墨梅、竹、松、兰，淡墨挥洒，整整斜斜，不专以形似，独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上，这种文人画思想的加入，为花鸟画注入新的内容。清代石涛、恽寿平、朱耷（八大山人）和扬州八怪等都在花鸟画发展史上占有重要地位，特别是八大山人以其独特的绘画语言，表现内心的忧伤与家国之痛，其笔墨与造型均独树一帜。鸦片战争以后，“海上画派”崛起，代表人物有任伯年、吴昌硕、赵之谦、虚谷等。海派绘画对近百年绘画发展影响较大，现代写意花鸟画大师如齐白石、潘天寿等，均明显受海派艺术的影响。
与在宣纸上传统国画不同的是，我是在陶瓷上作画的，其难度更大，成品率更低。瓷器是我国伟大的发明之一，经过历代人民的创造与革新，无论是在造型、材质、装饰方面都有了较高的造诣，体现出了我国瓷器的独特风格。陶瓷釉上花鸟装饰有古彩、粉彩、新彩、红绿彩、金银彩、电光彩、墨彩、广彩和刻瓷等品种，从目前来看，釉上花鸟装饰以粉彩和新彩占主导地位。粉彩是一种釉上彩瓷，始创于清朝，在烧好的胎釉上施含砷物的粉底，涂上颜料后用笔洗开，由于砷的乳蚀作用颜色产生粉化效果。粉彩花鸟瓷画颜色鲜明，光泽如玉，看上去华贵典雅。
陶瓷花鸟画的价值比国画花鸟丝毫不逊色，清朝的几幅粉彩花鸟画都以极高的价格被拍下。清乾隆三十年的《粉彩镂空开光鱼戏水纹瓶》于2012年以一亿九千一百三十六万的高价被拍下，同是乾隆的粉彩镂空“吉庆有余”转心瓶更是以折合人民币5.5亿元的高价一举刷新了由元青花鬼谷子下山大罐创下的中国古代陶瓷艺术品拍卖纪录，这一成交价同时也是迄今为止全球范围内中国艺术品交易的最高价格。据史料记载，乾隆八年，御用督陶官唐英与其副手在景德镇官窑设计研制出了我国古代制瓷史上设计最精巧、工艺最复杂的三种瓷器样式：套瓶、交泰瓶和转心瓶，并奏请乾隆皇帝御审。其中，工艺最为复杂的正是将几种样式结合的转心套瓶，它分为内瓶和外瓶，内外瓶颈相连，内瓶底部与外瓶内心连接，外瓶瓶身鲤鱼图案栩栩如生，配以镂空水波纹雕花设计，显得富贵大气，瓶颈上红色“吉”字蕴含吉祥如意，由外部可以看到内瓶绘制的青花图案。虽巧夺天工，但费时、费工、费料，更不易仿制，连乾隆皇帝也觉得其工艺过于复杂，在唐英的奏折上批复：“不必照随常瓷器一样多烧”。由此可见，经历了天灾、人祸以及战火侵袭而有幸留存下来的转心套瓶，代表的是集历代制瓷艺术与技术精华于一身的艺术结晶，可惜现如今那时的技艺已经濒临失传，很难得再见到那么巧夺天工的花鸟瓷画了。
在现今的信息时代，现代科技推动了文化传播，全球的文明与文化相互冲击，导致文化变得多样。由于人们观念的改变，传统花鸟画所追求的精神内涵、笔墨情趣，以及常见的题材内容，已经难于表达当代人的情怀。全球资源的共享、学科的相互交叉，让人们眼界变得开阔，思维变得豁达，改变了传统规范中的克制、理性、内敛与含蓄的情绪表达方式，取而代之的是直接、奔放、外在的人的天性的自然流露，人们更加向往自由，渴望看到更具前瞻性、学术性，更有想象力、更异样的当代花鸟画作品。在这种时代背景下，当代花鸟画家们的创作理念则要更加贴近当代人，关注当代人的思想，价值观以及审美需求，拓展其创作内容。但是不能抛弃传统的优良精华，既要继承又要发展。眼光要放得更加长远，赋予作品更多人性的光辉。
浅谈釉上花鸟瓷画
自小喜爱画画的我如愿成为了一名陶瓷美术工作者，在瓷器上画画已成为我的日常生活。认为陶瓷是一门神奇而又独特的艺术，是泥与火的交融，是工艺与画作的交融。中国人早在约公元前8000～2000年就发明了陶器，陶瓷原料是地球原有的大量资源黏土经过淬取而成。陶瓷材料大多是氧化物、氮化物、硼化物和碳化物等。常见的陶瓷材料有粘土、氧化铝、高岭土等。陶瓷材料硬度较高，除了在食器、装饰的使用上，在科学、技术的发展中亦扮演重要角色。
在距今14000年前，于万年仙人洞首次发现的从旧石器时代向新石器时代过渡的人类活动文化遗迹，其出土的栽培稻和陶器，距今一万年以前，是现今已知世界上年代最早的栽培稻遗存和原始陶器之一。在原始社会，文字尚未完善成熟。图案形象直观性强，在当时具有标志性、装饰性等性能，所以对彩陶图案的研究也会给古文字研究提供佐证。中国自古是一个多民族聚居的国家，在原始时期，氏族部落更为繁杂，在特定的生产条件下形成了独特审美需求的文化特征，它们各自代表氏族文化的标志性形象，也产生着不可低估的精神凝聚力量。而随着氏族文化的盛衰变化，陶器装饰也出现了不同内容的形式。
黑格尔认为最早的艺术就是象征艺术，并且他认为这就是东方艺术的特征。在中国传统文化中，从《周易》开始，古人就已经按照自然来关照人和事，开启了我国绘画以象征为手段的先河。《易传》云：“八卦成列，相在其中矣。”说明了“观物取相”是汉文化的思维方式，也与儒家“兴起人意，能移精神”的补益功能相契合。中西绘画有着巨大的差异，首先我要说的是对于不同的绘画，我们要用不同的审美角度去观察，去体会，不能单一地说什么是好的，什么是不好的。中西方有着不同的历史文化背景，构成了中西方绘画思想等各方面的差异，但是归根结底，对于美学的追求，人文精神的体现等，都是相似的，西画以其真实厚重的画面感，给我们以视觉上强烈的色彩享受，中国画以其古韵内涵的特色，让我们置身其中才能感受它的博大与气韵。西方人崇尚开拓进取，故重客观探索，重对景写生，还原真实存在。这种静态固定观物作画，形成焦点透视，出现近大远小的物理性透视空间，无论是真景写生还是画家创作某种想象和虚构的题材，观者总能给自己找到一个固定的位置，使人产生身临其境，如观真景的感觉。由于西方画家固定观察物，发现物象在固定光源影响下呈现出的那种相对稳定的明暗色彩变化关系，故西方画家重明暗法和自然光色塑造形象，以求立体感，正如米开朗基罗所说：“最好的绘画应该像雕刻”。观西方风景画有真景实境之感，观者可走进画面；再观中国山水画，有如人与山水合一之感，观者有身在画中，可游可居之感。
我最擅长的题材是花鸟，花鸟画在中国画中是三大科的一个大科。在原始社会的中国，人们对于花鸟的认识是处于一个“超自然力”的理念之上，在狩猎场面中，图腾表现中及体现神权意识所出现的花鸟图像都是鲜明的一种巫思行为。其中鸟的图像与当时巫思的鸟占活动有着很大关系，原始先民们根据鸟的自然习性和生物特性理解鸟禽类给人们带来的信息，进而“知天事，迈人命。”将鸟视为人与天之间的吉祥使者。中国花鸟画就是在这种环境下发展起来，成为一种观念先行的图式艺术。史书记载，魏晋南北朝时期已有不少独立的花鸟画作品，如顾恺之的《凫雁水鸟图》，可以说明这一时期的花鸟画已经有了一定的规模。虽然现在看不到这些原作，但是通过其他人物画的背景可以了解到当时的花鸟画已具有相当高的水平，又如顾恺之《洛神赋图》中的飞鸟等。到六朝时期，已出现不少独立形态的花鸟绘画作品，其中如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等。到了唐代，花鸟画业已独立成科，著录中计有花鸟画家八十多人。如薛稷画鹤，曹霸韩干画马，韦偃画牛，李泓画虎，卢弁画猫，张旻画鸡，齐旻画犬，李逖画昆虫，张立画竹等等，已能注意到动物的体态结构，形式技法上也比较完善。五代是中国花鸟画发展史上的重要时期，以徐熙、黄筌为代表的两大流派，确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型，“黄筌富贵，徐熙野逸”。清代石涛、恽寿平、朱耷（八大山人）和扬州八怪等都在花鸟画发展史上占有重要地位，特别是八大山人以其独特的绘画语言，表现内心的忧伤与家国丧失之痛，其笔墨与造型均独树一帜。
国画花鸟画以其美好吉祥的深刻寓意，以其精美绝伦或是高洁淡雅的画面，以其画面所吐露出的芬香，和谐气质，让现代高压快节奏生活的人们得到了前所未有的宁静与祥和，抛开一些生活碎片，净化内心与心灵，彻底融入到花鸟画的美好意境中，徐徐升华，慢慢沉淀。国画花鸟所给予人的，是近在咫尺的与自然的交流，它是喧嚣的尘世中可能保有的一份健康与活力，它会从精神上给予人们启发和满足，令人取得由静观万物而获无穷乐趣。礼数之外的闲暇，半分小园中的惬意，你可以做最本色的自己，无论你在参禅悟道，还是礼佛洗心，花鸟画都会是最超然的境界。然而，在西方，他们实际上是没有花鸟这一门分科的，他们的花鸟处于他们的风景画和静物画中。中国花鸟画与西方静物画既存在着某些相同的思想，更多的是体现着同一时期东西方体现在不同人生观、价值观、世界观的差异化精神内涵。就根本意义而言，无论中国的花鸟画还是西方的静物画，它们都不是为描绘对象而描绘对象的“绘形”之作，而是借助对客观对象的描绘表达人的精神、情感，表现人的审美理想和审美趣味，是真、善、美的寓托，在这方面中西是没有区别的。
在陶瓷上作画，与在纸上或者是在绢上是有很大区别的。我一般画的是釉上花鸟，那么，什么又是釉上呢？首先，陶瓷就烧成分成釉上、釉下和釉中。釉上彩陶瓷又称“炉彩”。所谓釉上彩，就是先烧成白釉瓷，或者烧成单色釉瓷，也可以烧出多色彩瓷，在这样的陶瓷上进行彩绘后，再入窑经600～900℃烘烤而成。我国古代陶瓷器釉彩的发展，是从无釉到有釉，又由单色釉到多色釉，然后再由釉下彩到釉上彩，并逐步发展成釉下与釉上合绘的五彩、斗彩。
一般来说，我画的都是釉上粉彩。粉彩瓷是珐琅彩之外，清宫廷又一创烧的彩瓷。粉彩作品无论人物、山水、花卉、鸟虫都显得质感强，明暗清晰，层次分明。采用的画法既有严整工细刻画微妙的工笔画，又有渗入淋漓挥洒，简洁洗练的写意画，还有夸张变形的装饰画风。甚至把版画、油画以及水彩画等姐妹艺术都加以融汇运用，精微处，丝毫不爽；豪放处，生动活泼。粉彩的绘制，一般要经过打图、升图、做图、拍图、画线、彩料、填色、洗染等工序。其中从打图到拍图，是一个用墨线起稿，进行创作构思，如绘瓷决定装饰内容与形象构图的阶段。正式绘制时的定稿叫“升图”，把描过浓墨的图样从瓷器上拍印下来叫“做图”。接着把印有墨线的图纸转拍到要正式绘制的瓷胎上去即“拍图”，这样就可进行绘瓷。粉彩是雍正彩瓷中最著名的品种之一，彩料比康熙朝的要精细，色彩柔和，皴染层次多。大多数在白地上、少量在色地上绘纹饰。以花蝶图为最多，牡丹、月季、海棠、四季花也极为普遍。
从古到今，尽管世界各民族对美的鉴赏千差万别，但是，却都能以某种方式获得对美的享受。美来自于生活，制瓷者正是从表现生活的角度，有寓意地间接地表现了人的思想和感情，或直接描绘了现实生活的风俗和风貌。
述说青花在花鸟瓷画发展的变化
青花瓷起源于唐代，盛于元，明，清。元代蒙古族人是驰骋草原的游牧民族，骁勇善战称雄亚欧，建立幅远辽阔民族众多的庞大帝国。元代统治者充分吸收周边国家和民族的艺术，引进青花主要的材料“苏麻离青”作为青花瓷的核心基石，烧制成功了青花瓷，并成为当时景德镇瓷器出口的重要物品。元代青花瓷花鸟装饰大都风格豪放，随意、不拘一格。装饰器型品种较多如元青花梅瓶、大盘等等。题材丰富，多种多样。动物是陪衬，花卉纹饰为主。松竹梅、牡丹、莲花、菊花、牵牛花、芭蕉、瓜果等等。动物题材的有龙凤、鹤、鹿、鸳鸯、麒麟、鱼、狮子等，其它还有一些杂宝类，火球、法螺、犀角、古钱等等。这些瓷器构图大气，装饰层次多，布局繁密，纹样结构严谨，主次分明，形象生动优美，多数是依写实而来的。经过艺术处理才出现这美丽的图案。如缠枝莲牡丹，叶子较大，正反，转折，变化多样，枝干小叶都有顿挫粗细之分，显得生机盎然，多姿多彩。人物的衣纹神态也描绘得准确、简练、生动，有飘逸感，给人以美的享受。元代青花绘画技法大多数是塌水法，即先用青蔑灰在坯体上起稿，画出所需的图案装饰，再用青花料勾线条，而后用笔沿线把青花料涂上去，烧成后的瓷是青花有浓有淡不规则，深的地方有料刺。如鬼谷子下山、昭君出塞、大罐、玉壶春等都是这种技法所绘制的。
明代到清代则采用青花分水的绘画技法来制作陶瓷，青花分水工艺是将青花分水料按要求调成三至五种浓淡不同的料水，并分碗装好备用，用拇指与食指、中指刺笔肚以控制水料的多少，并迅速在花叶上来回移动，形成水浪效果。从图中可清晰地看出画工刺笔的手法和笔锋带动水头运动的轨迹，在分水之前，需用青花勾线，用分水笔将料水分成浓淡渐变的层次并空出叶形，用指甲修理部分不满意的地方，在分水时，不仅需用笔头带动料水分出浓淡色彩，左手也要移动坯体使之更加顺应描绘的手法，在部分过淡的部位再次分染加色。如明代的青花大缸《和靖爱鹤图》画面绘林和靖端坐在中央的书案前，提笔凝思，侍童立于书案一旁，专心研墨，另一侧仙鹤单足而立，仰首附鸣。背景绘青松映掩山洞大门，皓月当空，祥云呈瑞；前景绘山崖、梅花、灵芝，形成递进有章的层次空间。青花以分水而成，以浓烈见长，并且浓色中很少出现铁锈斑点，浓重泛紫色，更是明代青花典型的上乘之作。清代的官窑青花莲禽藏文碗就是如此。由于元、明、清三代官府大力提倡贸易，与中西亚国家贸易往来频繁，有大批的外国商人通过丝绸之路和海上贸易，来到中国做生意，瓷器、茶叶是主要的输出产品。他们按照自己民族风俗和思维，定制了很多适合他们本国风格的器型、花纹图案等品种。至今在中西亚伊朗、土耳其、伊拉克等地的国家博物馆珍藏着许多元青花精品。
新中国成立后，瓷业也重新得到国家的关注而恢复发展，景德镇成立了合作总社筹委会，开始建社整社工作并建立两个瓷业生产合作社。同时建立了景德镇市第一瓷画社，旧社会一些老艺人纷纷都进了瓷画社。如王云泉、王步、赵惠民、张志汤、王锡良等等。这期间瓷画艺术得到重视。青花瓷作为国家礼品瓷经常赠送各国领导人和来宾，这个时期也涌现了一批技艺高超的陶瓷艺术家，在这众多的陶瓷绘画艺人中王步老先生则是陶瓷绘画界的领军人物。王步的绘画题材十分广泛，山水、人物、花鸟均擅长，而青花瓷的创作有别于釉上彩的创作，作者直接用青花钴蓝绘瓷胎素坯上，未烧制之前的钴蓝发色并非青色，而是灰色或灰黑色，只有经过上釉高温烧制之后，所呈现出来的色泽才是我们所看到的艳丽的青花发色，而在坯胎上作画又有别于纸上绘画，坯胎的吸水性和宣纸的吸水性完全不同。而绘画我们都知道，墨分五色，通过颜色的深浅，所呈现出来的画面给人观之有立体感，层次分明。而在青花中的墨分五色是相当难的，因为特殊的材料和特殊的技法，一般人很难在短时间内熟练掌握，而且要经过1300多度高温的考验，所以一件瓷器的成功也非易事。而王步的青花绘画，正是积累了几十年的绘画功底，所绘青花，层次分明，发色艳丽，与康熙朝时期青花的墨分五色相比有过之而无不及。如王步《月夜图》瓷画，以水中圆月和鲤鱼、水花为内容，群鱼逐月，藻随波动，水天一色。画家将鱼的背部处理为较深的色调，肚皮留白或极淡的青色，在水清时和光的照射下具有特殊的效果。水花深淡有序，章法分明，画家以轻松而稳健的笔法，描绘一个清白自由的世界。王步在青花渲染方面尤多独创，能用青料从浓到淡一次染成，不见细碎笔迹，极类高手泼墨。色泽由深至浅，十分自然，让人感觉一笔而成，过度十分自然，无复笔之嫌。所绘禽鸟题材，细微之处胜过工笔，羽绒丰满。活灵活现，王步青花画法中兼工带写，甚至是“泼墨青花”，故镇里人称其为“青花大王”。
近三十年来，随着市场经济的发展，青花艺术瓷在构图创作上有了新的发展。在吸收和借鉴传统青花艺术的基础上，结合现代审美观念而产生，把传统观念与现代思维、东方艺术与西方艺术融合贯通有机结合产生一种新兴青花艺术形式。构图布局简洁、空灵，以少胜多，形式多样；在题材上以借物喻人，以写实艺术为主题，反映社会改革的成果、人民和谐安康生活内容；在表现手法上，继承传统技法有又自己新的创作技法，用夸张、变形、抽象的手法去反映现代生活。还有在新的陶艺中利用新型材料元素，用传统的青花技法来表现现代生活，使青花艺术瓷更显得高雅、大方、细腻、朴实。如秦锡麟教授，青花《秋歌》作品造型新颖大方，画面生动自然，色彩清新明快，手法挥洒自如，格调秀雅脱俗，兼有民间艺术的意趣和文人艺术的高雅，具有浓郁的时代气息和东方艺术特色。他的作品是传统青花艺术和现代陶瓷造型完美结合的典范。
如今社会不断进步，经济快速发展，人们的物质生活丰富了，生活质量提高了，人们不再仅满足于物质生活的需求，而是追求精神上的富有和生活的品味，对陶瓷艺术品的需求也多元化和个性化，这就要陶艺创作人员充分发挥自身的特长，展现个人才能，很多陶瓷艺术家把油画、国画、水粉、水彩技法结合起来进行嫁接，将青花、釉下五彩、民间剪纸工艺、刻雕为一体拓展为绘画题材。利用传统的工具—“鸡头笔”在坯胎上作画，取得了写意水墨画笔墨情趣相融的艺术效果。如今人们在艺术观念、创作思维和审美意识尤为改观，以一种全新的眼光和角度去审视，挖掘和利用这一独特的材质美，充分发挥材料的特色性、工艺性，融合多种艺术表现手法，使陶瓷艺术更具有新的生命活力和时代风貌。
粉彩瓷画的工艺特色
粉彩是先在高温烧成的白瓷上勾画出图案的轮廓，然后用含砷的玻璃白打底，再将颜料施于这层玻璃白之上，用干净笔轻轻地将颜色依深浅浓淡的不同需要洗开，使花瓣和人物衣服有浓淡明暗之感。由于砷的乳浊法作用，玻璃白有不透明的感觉，与各种色彩相融合后，便产生粉化作用，红彩变成粉红，绿彩变成淡绿，黄彩变成浅黄，其他颜色也都变成不透明的浅色调，并可控制其加入量的多寡来获得一系列不同深浅浓淡的色调，给人粉润柔和之感，故被称之为 “粉彩”。
粉彩瓷的装饰形式多种多样。有摘枝式、图案式、开光式、通景式、单面彩式、双面彩式等。每种形式都是结合造型特点来确定的。粉彩瓷装饰画法上的洗染，吸取了各姐妹艺术中的营养，采取了点染与套色的手法，自然界各种各样的物象，无论是花鸟鱼虫，还是人物山水，都可以来表现。采用的画法既有精细严谨、刻画入微的工笔；也有潇洒奔放、简洁明快的意笔，还可广泛吸收中国画、油画、水彩画以及木刻、剪纸等画种的表现手法，精细处毫发毕现，奔放处雄浑强健。可做到大件作品，构思严谨、工艺复杂；小件瓷画，绘制精妙、灵秀细巧。所描绘对象从平填进展到明暗的洗染，都能做到画面工整、色彩逼真、明暗清晰、层次分明、质感强烈。因而深受艺术家的推崇不断发展至今，成为景德镇四大传统名瓷之一。
粉彩的问世并发展至今，与中国画有着难解之缘。景德镇批发网认为就目前的陶瓷艺术创作而言，其形式主流还是国画风格的。无论是从形式还是内涵来看，都是国画风格在陶瓷材质上的表现，或者说是以陶瓷材质为载体，以陶瓷的釉、颜料为表现手段，以国画的技法来表现国画的一种神韵，说白了，就是陶瓷国画艺术。尤其是粉彩人物画的创作，国画表现技术手法可以说展现得淋漓尽致。因此，从一定意义上来说，粉彩人物画的发展，在一定程度上折射出中国人物画的艺术成就。
试谈粉彩梅花艺术
梅花是中国十大名花之一，集纯美、高雅、圣洁、坚毅于一体，其色、香、韵、姿奇佳，特别是在冰雪中孕蕾、开放的傲骨品格，令人倾服、赞叹。其寓意非常深刻，既有多种美意和向上精神上的含义，更上升为中华民族精神的象征。正源于此，梅花成了绘画艺术中永恒的主题。当誉为“国之瑰宝”的粉彩跃然再现梅花时，其美、其神韵、其精神由此得到了新的升华。
粉彩梅花艺术究竟源于何时，我们无法也无需去具体考证，但它的艺术魅力是有目共睹的，更有一代大师以其艺术成就为我们彰显出这种艺术魅力。
中国陶瓷梅花大师田鹤仙，被誉为景德镇粉彩瓷上开画梅花的先河者，他所绘梅花清新高雅，引人入胜。在他的梅花系列作品中，以折枝梅花为多，以双勾偏锋着笔写枝干，墨色以淡、枯、渴为宜，出笔有飞白的效果，笔法在转折变化中虚实相连，枯湿相间。笔下老枝苍古，斑驳粗壮，收笔用浓料点苔藓，尽显梅树苍劲老辣的质感。出笔利落，勃勃向上，枝桠抱体，梢欲浑全，枝丫讲究穿插造型。他的梅花作品，“珠山八友”发起人王大凡曾题有“山水清浑成一格，梅花作出更无双”的赞誉诗句。
陶瓷艺术大师王鹤亭的粉彩梅花千姿百态，劲俏挺拔，技法工整，满而不繁。看他的经典作品，画面枝干遒劲，一枝枝花团锦簇，或怒放，或含苞欲放，层次分明，繁而不乱。梅花设色高雅，艳而不俗，好一幅“梅艳争春”之景，禁不住使人感到悠然暗香。上世纪四十年代，国民政府就曾用其作品作为国礼赠送于美国总统罗斯福，从此一举成名，被人称为“梅花大王”。
梅花是百花里最有骨气、最有品格、最有灵魂的花。
她在寒冬依然不屈地绽放，象征中华民族不屈不饶、顽强奋斗、不畏艰难的可贵品质。古代就有诗人咏诗颂梅“墙角数枝梅，凌寒独自开。遥知不是雪，为有暗香来。”此外，梅花虽然生长环境恶劣，但是依然快乐的绽放，展现出一种迎接希望的乐观性格。粉彩梅花的创作，其要点就是运用粉彩工艺，淋漓尽致地表现出梅花绝唱之风采。
其一、把握好粉彩瓷的绘制。粉彩瓷一般要经过打图、升图、做图、拍图、画线、彩料、填色、洗染、结果等工序。粉彩是先在高温烧成的白瓷上勾画出图案的轮廓，然后用含砷的玻璃白打底，再将颜料施于这层玻璃白之上，用洗染笔轻轻地将颜色依深浅浓淡的不同需要洗开，使花瓣和人物衣服有浓淡明暗之感。由于砷的乳浊法作用，玻璃白有不透明的感觉，与各种色彩相融合后，便产生极佳的粉化作用。如此，梅花才能显现出本色而耀眼。
其二、把握好构图。构图也叫“章法”、“布局”，在创作设计过程中，构图是陶瓷艺术家“外师造化，中得心源”的产物，通过对画面开合、虚实的处理，使所描绘形象达到均衡统一。画面的虚实、疏密、主次、聚散，同样是构图的重要因素。虚实安排，在构图中特别重要，画面与空白就是虚实关系。虚实就是区别浓淡、远近，构图有虚实对比、主次分明、疏密有致、聚散有序，梅花才能产生层次和肌理变化。
其三、把握好描绘手法。粉彩梅花一般以工笔写实为主，也有兼工带写的作品。陶瓷艺术家在大自然里，感受花卉与大自然的依存关系，心境与物象交融渗透，从而把对其的感性认识，提升到对花卉的形态特征的理性认识。诗情画意是粉彩装饰的艺术特色，要从意境的深度和广度上精细构思、渲染，使艺术风格流露于指笔方寸之间，突出以事物本质的表现手法和体现现实主义与浪漫主义相结合的方法。陶瓷艺术作品中的花鸟形象，往往寄托了作者的喜爱之情，描绘手法到位和精细，才能出好作品，一幅好的作品会给人的眼睛里流露出好奇的神态。
其四、把握好花的静、动态相呼应。静态的花与动态的花要通过粉彩瓷的晶莹玉润、精美细描、华丽无比来展现。这种关系若没有处理好，画面就会显得十分呆板、枯燥、无味。在表现技法上，要注意吸收国画绘画的没骨法、工笔画法及写意画法。近代和现代，粉彩梅花装饰风格的形成和发展，在一定程度上折射出中国工笔花鸟画的艺术成就，二者达到了交融出彩的极致效果。
王德明 1966年出生于景德镇陶瓷世家，祖籍安徽黟县。高级陶瓷美术师，江西省工艺美术学会会员，景德镇美术家学会会员，景德镇市民间文化艺术家协会理事。自幼酷爱陶瓷美术，伯父王鹤亭人称“梅花大王”。在他的指导下从小就学画花鸟，高中毕业后，1983年进入景德镇艺术瓷厂，又得到张景寿、邓肖禹、彭元清老师指点，加之自己刻苦努力，精益求精，创作出许多技艺精湛而又各具风格的艺术作品，擅长梅、鹤、花鸟等。
近年来作品多次获奖，2003年《梅鹤同春》获全国中青年陶瓷艺术家收藏精品大奖赛银奖，首届花鸟画家作品展《梅花图》荣获银奖，《六鹤同春》荣获二等奖。2008和谐中华迎奥运，陶瓷作品《罗浮香影》荣获一等奖。多次参加上海、广州、香港等地展出，作品深受海内外收藏家青睐。
粉彩花鸟构图的艺术性
中国画的构图在我国传统绘画术语中称为“章法”或“布局”。南齐谢赫《六法论》中所提到的“经营位置”也指的是构图。意思是指在画面上表达主题内容所涉及的形象、动态、笔墨、色彩等部位及配合，要作周密计划、统一安排，使它们主次分明，各得其所，相辅相成，物尽其用，更有利于对主题内容的突出。本文略论粉彩花鸟画构图的艺术性。
一、明确主题材内容
花鸟画的构图形式主要是根据内容来安排，只有先决定画什么，才能考虑怎样画，如何用笔、用墨和设色。章法布局的构思，是在现实生活实践的基础上，深入探索，反复推敲，才能确定的。构图之前必须先明确主题，做到“意在笔先”、“胸有成竹”。运用形象思维的方法，对花鸟的具体形象、神情动态、时间、方位、笔墨、色彩等作全面的构思，通过“推理取势”形成清晰明了的印象，这就是传统绘画中常提到的“意象”。屠隆说过：“意趣具于笔前，故画成神足”。宗骞说：“凡作一图，若不先定主见，漫为填补，东添西凑，使一局物色，各不相顾，最是大病”。意象是构图的前提，构图是意象的体现；意象是构图的灵魂，构图是意象的血肉，相为表里，不可分割。而意象是来源于生活的感受，而不是凭空捏造。生活的感受主要与人们生活、学习经历及修养有关。艺术感受来源于生活实践，而不是闭门造车，生活是取之不尽、用之不绝的艺术源泉。要想画出艺术品位高的花鸟画作品，就必须要深入到大自然之中去，去观察花的形态，了解鸟的形象与动态及生活习性，去体验生活。通过形象思维，“千想妙得”，才能产生优美的“意象”。创作出主题突出、构图优秀的花鸟画作品。
二、注重变化统一
构图中要讲究变化与统一。“变化”能给人以新鲜活泼的感觉，“统一”能给人安定整体的感觉。但变化要求适当。变化过度，会使人感觉杂乱无章；统一过度，则会使人感觉单调呆板。只有在变化中求统一，统一中有变化，使这对矛盾统一起来，才能使画面有规律和节奏，活而不乱。如：在同一画面中的花鸟、虫、鱼形象、姿态要有变化。色彩冷暖、浓淡，要求对比鲜明，这就是“变化”。色彩配合，要求融洽协调等，这就是“统一”。又如：构图中出现了花、鸟等距排列，动态雷同；枝干平行，竹竿对节，梢枝齐头等，这些都是统一过度而缺乏变化的毛病。反之，花形散碎，枝叶庞杂，色彩混乱等，这些又是变化过度而缺乏统一的毛病。另外，从画面形象的轻重来分析变化与统一，这里的轻重主要是指观者感觉上的轻重，从物体形象对人的视觉吸引力的大小上来区别分量。一般来说，鸟、虫比花草重，花草比坡石重，坡石比云水重。一株漂亮的野花，与山石配合，花的分量属于重的，若与虫鸟配合，则又会变为轻。一般来讲，花鸟画中画面上的花常用奇数，不用偶数，主要是因为出现对称时，单数则有利于变化，便于权衡使其匀称。在艺术实践中，主要是按照主题内容形成的“意象”，通过形象思维，迁想妙得，在“变化”、“统一”的前提下，“平中求奇”、“险中求稳”，这样才能创新立意，不落俗套。
三、合理安排“天地”、“空白”
中国画一般把画幅的上端称为“天头”，下端称为“地头”。画面上占有的部分称为“实景”，所余的空间叫做“空景”。花鸟画往往画出实景后，对空景处不着一笔，留成白纸，使画面形象更加突出。这样，每幅画在构图中都或多或少存在一些空白，因此，这天地位置及空白的大小、多少、高低、偏正、聚散，都是构图过程中要精心统筹安排的。不能随意乱留天地与空白，要根据画面的需要，宜留于天就留天，宜留于地就留地，要灵活运用，不能千篇一律。古人云：“石畦栽画，宜空一面；花间集鸟，必在空枝。”花、叶有缝隙也有空白，这些空白的大小、疏密、聚散、参差都必须与天地左右空白统一考虑，正确处理，合理安排。清代华琳说：“且于通幅之留空白处，尤当审慎。”中国画构图讲究空灵，要求空白与物象相称，最忌盲目堵塞。宋代饶自然在其（绘宗十二忌》中，首先提出的是“布置迫塞”。其中一段说：“须上下计阔，四旁疏通，庶几潇洒，若充天塞地，满幅画了，便不风致，此第一事也”。可见空白的安排适当与否，与构图的优势有密切关系。所以，我们在绘画练习中要特别注意天地与空白的处理。
四、注重宾主照应
中国画构图中注重宾主关系。“宾主”是指画面上安排的物象比较多，在构图处理上要分清主次，不能平均对待。构图必须根据主题内容的需要来确定画面中心，作为中心的景物就是“主”，也叫“主体”。对主体景物，在构图上要摆放在显要的位置，重点刻画，使其突出。其余的景物则是“宾”，可放在次要的地位，适当减弱，使其居于陪衬、烘托的地位。花鸟画常是以花、鸟、虫、鱼为主，枝、叶、草、石为宾。画面中有时是一主一宾，有时是一主多宾，也有时是有主无宾。这要画者根据画面的内容与创意来决定。宾主之分是机动的，要根据突出主题的需要，来确定什么应是画面上的主体。花鸟构图有时以鸟为主，以花为宾；也有时以花为主，以鸟为宾。宾主之分也是广义的，一幅画的构图，除全局物象要分宾主外，局部物象也各有自己的宾主区别。一般来说，物象的实处、近处，多居主位；虚处、远处，多居宾位。至于说谁为主，谁为宾，主要看画者的表现意图和需要来决定。构图有了中心，整幅画气势才能团聚、集中。有了宾主，景物才能顾盼、呼应。宾是为主服务的，犹如众星捧月，拱围在主体的周围，使主体形象鲜明突出，犹如一曲交响乐，使主旋律更加明朗动听。
五、处理好画面的虚实关系
所谓“实”，一般是指画面物象突出，轮廓清晰具体，色彩浓重，大的、近的物象。所谓“虚”，一般是指画面形象模糊，色彩轻淡，远的和小的物象及空白处。画中如果没有“虚”处，就谈不到“实”，没有“实”处也就无所谓“虚”。构图除整体布局要分虚实外，局部也都有各自的虚实变化，这就是构图中常讲的“虚中有实、实中有虚”。因此虚实关系常常是和宾主关系联系在一起的。在我国传统的山水画论中，有许多虚实关系的例证可供花鸟画借鉴。清代孔衍拭的《石村画诀》中说：“有墨画处，此实笔也。无墨画处，以云气衬，此虚中之实也。树石房廓皆有空白处，又实中之虚也，实者虚之，虚者实之”。如：画面上一则画一簇鲜花，另一则留一片空白，若感到过虚，则可酌情加上一两只蜂、蝶或小鸟，蜂、蝶或小鸟面积虽小，加上后则画面顿感平衡，又增加了许多生气，这便是“虚中有实”。又如：画白色的海鸥在海面上翱翔，背景以深蓝色来衬托，感觉对比鲜明、形象突出。从形体上讲海鸥是实处，海水是虚处；但若从色彩上讲，蓝色海水就成了实处，海鸥反成了虚处。这就是“虚中有实，实中有虚”。
在花鸟画构图与艺术塑造过程中，对于艺术手段的应用，要打破常规，善于创新，必要时还可以通过夸张、变化等手法来突出主题。为了搞好创作，我们必须加强自身的文化与专业修养，不断学习别人的长处，深入生活，了解大自然，积累更多的创作素材，运用娴熟的笔墨技法，创作出意境更深、艺术性更强的优秀作品来。
粉彩花鸟瓷是怎样炼成的？
粉彩花鸟自古以来就是创作者常用的表现题材，笔者很多作品都是以粉彩花鸟为题材，并根据自己的文化和美术修养，以及对现实生活的认识，创作出内涵深厚、不拘一格的可欣赏画卷。
但是作为陶瓷工艺研究者，我虽然很早以前就知道粉彩花鸟的制作程序，但是在我心里，我并不是很明白一副真正优秀的作品到底应该经历什么样的制作程序，我一直在寻找，也总结出了自己这些年的一些心得，在这篇论文中，将和大家分享一下我多年的心得。
一、粉彩花鸟瓷的涵义
1、粉彩花鸟瓷的定义“色彩是最响亮的语言，是陶瓷美术装饰的眼睛”， 一件陶瓷艺术作品首先映入眼帘的是它的光与色，消费者正是通过这种光与色，才被其深深吸引，心里被其深深震撼。那到底什么是粉彩花鸟瓷呢？
据我多年的研究，我觉得粉彩是用笔在陶瓷上勾画出有关花鸟的线条，再用浓谈干湿不同的墨染，染出不同的层次来。这就像画中国画一样，但是陶瓷上通常是用两支笔：一支上料笔，一支不上料，将上上去的料按阴阳向背的方向慢慢渲染开来，这种方法，我们称为 “彩”。但是“彩”和渲染是有明显的区别的：彩是直接在瓷面上进行的，而渲染必须是在填过颜色的上面（通常是玻璃白）进行的。所以彩料的工具是用软硬适中的鸡狼毫，而渲染用柔软的尖细羊毫。
当然，我所说的粉彩花鸟的定义只是一个狭义上的定义，广义上的粉彩花鸟不仅仅只是局限于花鸟，还包括一切与花鸟有关的人、事、物。相信，随着时代的发展，粉彩花鸟的外延将发展的越来越广。
2、粉彩花鸟瓷的特征
在浩瀚的陶瓷艺术珍品中，粉彩花鸟瓷作为景德镇四大传统名瓷之一，已经成为景德镇陶瓷艺术的主要载体和优势品牌。在上文中，我们已经介绍了粉彩花鸟的定义，下面我们来详细讨论一下粉彩花鸟瓷的特征。
对于粉彩花鸟瓷来说，它的艺术效果十分淡雅秀丽，粉润柔和，富丽堂皇，雍容华贵，粉彩花鸟瓷粉润柔媚，艳丽凝炼，晶莹明亮，雅致优美，并且瓷器上的花鸟画栩栩如生，逼真动人，因此，粉彩花鸟瓷在世界陶瓷工艺史、陶瓷美术史上都是独树一帜，引领潮流，引人瞩目的。
经过多年的研究，我觉得粉彩花鸟瓷具有如下几个明显的特征：
（1）色彩鲜丽而持重；粉润柔和而淡雅。粉彩花鸟瓷所用的彩料都是经过特殊处理，采用上等彩料研制而成，因此，画出来的画很震撼，颜色十分艳丽动人。
（2）书工细腻而精湛，栩栩如生而俊雅。一般而言，粉彩花鸟瓷上的画除了花鸟外，还会有题词，上面所作的题词的书工都是十分细腻的，而且字体俊秀，就像一个千娇百态的美女，让人久久不能忘怀。
（3）立体感强，不仅手感立体，而且表现的对象也立体、逼真。粉彩花鸟瓷上的花鸟画的画工精细，色彩以及渲染都较多，都能很好的突出粉彩花鸟瓷的价值。
（4）、形式多样。粉彩的装饰形式十分丰富多彩，是其他任何一种彩瓷无法比拟的，有通景装饰、开光装饰、满地装饰、散点装饰等，这些都能很好得装饰粉彩花鸟瓷，增加它的美感。
3、粉彩花鸟技法
粉彩花鸟的基本技法按传统的习惯分为二大类：即画粉彩和填粉彩，
1、画粉彩花鸟步骤
（1）起稿：（俗称：“打图）一般起稿就是用淡墨打草稿，然后直接在瓷器上画，只有这样，才能更好完成它的起稿。
（2）制图：（俗称：“做图”）把瓷器上的起稿再用浓墨仔细勾描一遍，然后将弄潮了的毛旁纸将已勾好的墨稿从瓷面上拓印下来，这样纸上就有瓷器的图样了。
（3）拍图：把制图纸再用浓墨重描一遍，然后再打湿，图纸变潮了，再轻轻往白瓷上拍打，这样，一个清清楚楚的纹样稿便印到了雪白的瓷面上了。
（4）勾线：有了图样以后，就把料与油的比例配好，这需要制作者有很好的技艺功底，否则，油少了，太干太涩画不出线来。油多了，流得太快，容易把画面弄脏。
4、粉彩花鸟瓷的炼制
粉彩花鸟瓷的炼制一直困扰着我，因为我不仅仅想成功制作出粉彩花鸟瓷，而且我想炼制出令自己满意的作品，经过多年研究，我终于领悟到创作之谜：
以我多年的研究，我觉得应注重粉彩花鸟瓷的意境传达。
想要观者喜欢你的作品，一定要能够引起观者心里的共鸣，让观者读懂你的内心，了解这幅作品的意境，只有这样，才能给观者以深刻印象，才能喜欢这幅作品。我认为应该着力刻画粉彩花鸟瓷中花鸟的神采。
粉彩花鸟瓷中最重要的就是花鸟的神采，把花鸟当成人物来看，着力刻画他的情感，一个眼神，一个表情都可以把它刻画的淋漓尽致。我觉得粉彩花鸟瓷最不可或缺的是情趣二字。
通过描绘自然生物表达我们作为陶瓷工艺研究者的思想感情和追求，通过欣赏活动而寄托人们的兴趣，情操和精神共鸣，只有有了情趣才能很好的表现出粉彩花鸟瓷的美感。
我想，在以后的研究之路中，我一定会按照此想法继续我的创作之路，但是人不可一成不变，需要不断吸收新事物，不断创新，注重多种材料的综合运用，充分发挥材质的特点，不断给陶瓷粉彩花鸟注入新的生命元素。
总之，作为一名陶瓷工艺研究者，我会继续努力研究粉彩花鸟瓷，并且会引领更多的陶瓷粉彩花鸟爱好者进入我的研究领域。让我们一起共同创造陶瓷粉彩花鸟的新时代！
